По оценкам экспертов, Пабло Пикассо считается самым дорогим художником в мире. Несколько лет назад объем официальных продаж его работ составил $ 262 млн. Кроме того, творческая карьера Пикассо считается одной из самых продолжительных. Она охватывает почти 80 лет, поэтому неудивительно, что за это время художник тяготел к экспериментам — от классицизма и натурализма до кубизма и сюрреализма.
AdMe.ru решил проследить, как менялся почерк и стиль одного из самых известных и почитаемых художников XX века и с чем были связаны эти перемены.
Ранний период (8–20 лет)
Пабло Пикассо (чье полное имя звучит как Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо) родился в 1881 году в Андалузской провинции Испании.
Его отец был художником и с ранних лет прививал мальчику любовь к искусству: учил азам живописи и всячески развивал талант сына. Маленький Пабло начал рисовать в 3 года, а в 7 лет уже писал картины маслом.
Все ранние работы Пикассо и их цветовая палитра обладают максимальным сходством с оригиналом — художник изображает жизнь и людей такими, какие они есть.
Полотно 1896 года «Портрет матери» (слева на коллаже выше) написано 15-летним художником в Барселоне во время учебы в школе искусств и ремесел.
Одна из последних работ раннего периода — «Нана» (на коллаже справа) — была написана к первой выставке Пабло в Париже. В это время он осваивал методы импрессионистов и подражал им. В итоге критики отметили высокое мастерство начинающего художника, но посоветовали ему искать свой собственный стиль.
«Голубой период» (20–24 года)
© The absinthe drinker / picassolive © Tête d'arlequin / picassolive
К концу 1901 года Пабло находит свой оригинальный стиль и пишет работы, которые впоследствии будут отнесены к так называемому «голубому периоду», поскольку в цветовой палитре художника преобладали холодные и мрачные оттенки синего. На полотнах этого времени превалируют темы печали, нищеты, старости и смерти, а героями картин становятся алкоголики, проститутки и люди из низших слоев общества.
Дело в том, что в 1901 году покончил с собой близкий друг Пикассо. Художник чувствовал вину в том, что не предотвратил трагедию, и пребывал в депрессии. Кроме того, в эти годы Пабло отчаянно нуждался в деньгах и часто голодал. Одним из самых знаменитых полотен «голубого периода» считается картина «Любительница абсента» (слева на коллаже выше).
По иронии судьбы, полотна этого самого тяжелого и голодного периода жизни художника продаются сегодня на аукционах за огромные деньги. Например, картина «Голова Арлекина» (на коллаже справа) была продана на аукционе Sotheby’s за $ 15,2 млн.
«Розовый период» (23–25 лет)
© wikipedia © La coiffur / picassolive
В 1904 году Пикассо окончательно переезжает в Париж. Два последующих года его творчества получили название «розовый период» из-за характерной цветовой палитры. В это время все работы Пабло преисполнены жизнерадостности, изящества и тонкости.
Пикассо заводит новых друзей и впервые в жизни серьезно влюбляется в Фернанду Оливье. Влюбленные живут вместе в его мастерской на Монмартре, и жизнь кажется прекрасной. Вскоре у Пабло появляются покровители — писательница Гертруда Стайн и ее брат.
Они покупают картины у нуждающегося художника, выставляют их в своей галерее и вводят его в круг парижской богемы.
Главными персонажами работ Пикассо становятся бродячие артисты, акробаты, циркачи и танцовщики. В них Пабло видит много общего с художниками: они тоже бедны и всегда держатся вместе.
Одна из самых известных картин «розового периода» — «Девочка на шаре» (слева на коллаже выше).
Африканский период (26–28 лет)
© Buste d'homme / picassolive © Femme à l'éventail / picassolive
Этот короткий период творчества художника называют также «протокубическим», или «сезанновским», потому что Пабло находится под серьезным влиянием метода Поля Сезанна. Пикассо старается максимально упрощать изображение, так как приходит к выводу, что в основе любой сложной формы всегда лежит простой геометризм: куб, шар, цилиндр, конус.
Сюжеты полотен того времени навеяны архаичным искусством Африки, которое художник увидел на этнографической выставке в музее Трокадеро.
Для Пабло простое и даже примитивное африканское искусство стало настоящим открытием, поскольку оно несло в себе огромный жизненный и художественный заряд.
Древние скульптуры передавали реальность с гораздо большей силой, чем современное европейское искусство.
Аналитический кубизм (28–31 год)
Аналитический кубизм Пикассо изменил развитие всего искусства XX века. Он стал родоначальником этого направления в живописи вместе с французским художником Жоржем Браком.
Философия этого стиля заключалась в том, что живопись способна на большее, чем просто изобразить то, что видит глаз человека.
Пабло ищет способ показать мир таким, какой он есть, поэтому старается писать «не то, что видит, а то, что знает».
Сначала художник экспериментирует с цветом: он уничтожает цветность, так как считает, что это просто обман зрения. Плотна аналитического кубизма отличает их монохромность. Потом Пикассо избавляет от фактуры вещей — скрупулезное выписывание деталей предметов, волосков и морщинок уже неактуальны.
В это время Пабло пишет довольно много портретов своей возлюбленной Фернанды, в частности картину «Женщина с грушами» (на коллаже слева). Именно в этих работах он оттачивает свой новый метод видения формы.
Синтетический кубизм (31–36 лет)
Синтетический кубизм характеризуется изменением колористики: Пикассо начинает добавлять в картины яркие цвета. Кроме того, в полотнах появляются узнаваемые предметы: ключ, трубка, бутылка, бокал, музыкальный инструмент.
Таким образом, картины синтетического кубизма становятся больше похожими на коллажи. Причем художник использует для их создания не только краски, но и папье-маше, газеты, нотные листы и опилки, чтобы придать поверхности больше фактуры.
Наиболее известной стала серия его полотен-коллажей «Гитары».
Свое название этот период получил потому, что Пикассо синтезирует, объединяет 2 реальности — художественную и настоящую.
Классицизм (36–44 года)
Это очень насыщенный и яркий период в жизни и творчестве Пабло. В это время он сотрудничает с Русским балетом Дягилева, вместе с труппой едет в Рим и влюбляется в русскую балерину Ольгу Хохлову. Вскоре пара играет свадьбу, у них рождается сын Пауло.
Новая среда — театр, балет, путешествия — требуют реалистичного изображения, и Пикассо отказывается от кубизма в пользу античного классицизма. Кроме того, художник теперь вращается в новой для себя респектабельной среде, к которой питает слабость его супруга. Также Ольга требует от мужа, чтобы на его портретах и она, и их сын были узнаваемыми, и Пабло не может отказать ей в этой просьбе.
© Olga Picasso / picassolive
Сюрреализм (44–56 лет)
Когда Пикассо было 45 лет, его отношения с Ольгой Хохловой начали ухудшаться, и он познакомился с 17-летней француженкой Марией-Терезой Вальтер. Девушка стала его натурщицей и новой музой.
Также в этот период Пабло много общается с сюрреалистами, и это направление в живописи начинает оказывать на его творчество огромное влияние.
Переход к сюрреализму можно описать выражением самого художника: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».
Одной из самых ярких картин того времени считается полотно «Читающие женщины» (справа на коллаже выше). На нем нарисованы Мария-Тереза и ее сестра. Позднее картина была продана на аукционе Sotheby's за $ 21,3 млн.
Конец 30-х и война (56–64 года)
Предчувствие скорой войны в Европе и страхи из-за возрастания сил фашизма и франкизма нашли отражение и в творчестве Пикассо.
В это время он создает знаменитую серию «Плачущие женщины», которую посвящает всем женщинам той эпохи.
Его главной музой в этот период была художница и фотограф Дора Маар — именно ее он чаще всего изображает на своих полотнах и в ее портретах воплощает все ужасы войны.
В 1937 году Пабло Пикассо пишет, пожалуй, свою самую известную картину — «Герника» (на фото внизу). Так художник откликается на бомбардировку фашистами испанского города Герника. Полотно стало актуальным антифашистским манифестом, который стремительно распространился по Европе.
© wikipedia
Послевоенный период (65–73 года)
Этот период в жизни художника можно назвать временем обновления и надежд. В послевоенные годы Пикассо влюбляется в юную художницу Франсуазу Жило, и вскоре пара перебирается жить в свой дом на юге Франции, где у них родились 2 детей.
Пабло часто пишет свою возлюбленную. Ее свежий и яркий образ на картинах обычно далек от натуралистичности, но всегда узнаваем.
Однако семейного счастья не получилось — непростой характер и частые измены художника вынудили Франсуазу забрать детей и уйти от него. Это был первый раз, когда женщина оставила Пикассо, а не наоборот.
Находясь в тяжелом состоянии после ухода возлюбленной, он пишет картину «Тень, падающая на женщину» (на коллаже справа).
Поздний период (73–92 года)
© Jacqueline aux mains croisées / picassolive © Tête de femme / picassolive
Пабло Пикассо продолжал рисовать до последних дней. Его работы в это время включают в себя множество стилей и элементов прошлых периодов, поэтому они весьма разнообразны и неодинаковы по качеству. Так, его картина «Алжирские женщины. Версия О», написанная в этот период, была продана в 2015 году за $ 179 млн и стала самой дорогой картиной в мире, когда-либо проданной с аукциона.
© wikipedia
В это время его музой была Жаклин Рок. Вместе они прожили 11 лет, и за это время художник создал более 400 ее портретов — больше, чем любой другой из своих женщин. Картина «Жаклин со скрещенными руками» — одна из первых работ этой серии — была написана Пабло за один день.
Последней картиной гения стало полотно под названием «Лежащая обнаженная голова» 1973 года. Еще накануне Пабло Пикассо трудился над нею в своей мастерской, а на следующее утро он умер на 92-м году жизни. За 76 лет творчества художник создал около 20 тыс. работ.
© Femme nue couchée et tête / picassolive
Бонус
Недавно американские ученые раскрыли секрет одной из картин Пикассо «голубого периода» — «Нищенка, сидящая на корточках». Исследователи применили метод рентгенофлуоресцентного анализа и обнаружили, что под полотном скрыта картина другого художника. Пикассо написал свою работу поверх старой, на которой был изображен пейзаж Барселоны.
Картины какого периода творчества Пабло Пикассо вам наиболее близки?
Источник: https://www.adme.ru/tvorchestvo-hudozhniki/istoriya-evolyucii-zhivopisi-pablo-pikasso-kotoraya-sdelaet-vas-ekspertom-v-ego-tvorchestve-za-5-minut-2147415/
«Колорит»: Самая влиятельная картина Пикассо. История и значение «Герники»
Выполненная в стиле кубизма и сюрреализма картина «Герника» с момента своего создания стала одним из самых узнаваемых произведений на тему ужасов войны.
И это при том, что изначально Пикассо задумывал написать совершенно аполитичную картину, не имеющую ничего общего с ни с Гражданской войной в Испании, ни cо страшными событиями ХХ века в целом.
Concepture публикует переводную статью об истории создания «Герники», её символизме и общественно-политическом значении.
В 1937 году Пабло Пикассо получил заказ на создание картины, которая изменит его карьеру.
Испанская Республика, которая на тот момент вела отчаянную борьбу в Гражданской войне против будущего диктатора страны Франсиско Франко, обратилась к Пикассо и другим выдающимся художникам с просьбой написать картину для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже 1937 года. Так родилось крупномасштабное полотно «Герника», ставшее впоследствии легендарным. Картина была вдохновлена бомбардировкой одноименного баскского городка. Сейчас «Герника» находится в Национальном музее Центр искусств королевы Софии в Мадриде.
Хотя многие произведения Пикассо признаны шедеврами – например, картина «Авиньонские девицы» (1907), ставшая отправной точкой для западного абстрактного искусства – «Герника» стоит особняком в обширном творчестве этого прославленного художника. Чем же так примечательна «Герника», вызывающая отклик у всё новых поколений зрителей?
Художественные эксперименты, приведшие к «Гернике»
В 2017 году на восьмидесятую годовщину создания «Герники» в Центре искусств королевы Софии была открыта специальная выставка под названием «Сострадание и ужас: путь Пикассо к “Гернике”».
Кураторами выступили историки-искусствоведы Тимоти Джеймс Кларк и Анна Вагнер, которые тщательно изучили творческое развитие Пикассо на протяжении десятилетия, предшествовавшего созданию «Герники».
В середине 1920-х и 30-х годах художник был увлечен, в частности, изображением женщин и интерьерных сцен – это две темы, которые в конечном счете отобразятся и в «Гернике».
Картины Пабло Пикассо: слева – «Три танцора» (1925), справа – «Плачущая женщина» (1937)
В середине 20-х годов, когда Пикассо заинтересовался сюрреализмом, он писал интерьеры с натюрмортами, изображая такие предметы, как музыкальные инструменты и фрукты. Изначально эти картины сообщали удовольствие. Но, как объясняет Вагнер, интерьерное пространство вскоре стало клаустрофобным: «Казалось, исходящее из этих картин удовольствие обуглилось и сгорело. Оно стало театром для драмы».
Этот переход произошел в то мятежное время, когда Европа и США пытались вернуться к нормальной жизни после Первой мировой войны – это были годы, предшествовавшие биржевому краху 1929 года и началу Великой депрессии.
В это время Пикассо и сюрреалисты исследовали темные пространства человеческой души. Как утверждает Вагнер, «Пикассо отлично знал, что по своей природе человек полон ужаса, трагедии, необузданности и жестокости.
Он был твердо убежден, что душа – это сфера, в которой человек раскрывает свое бессознательное».
Масштабная картина «Три танцора» (1925), находящаяся ныне в Британской галерее Тейт, – важнейший образец творчества Пикассо в этот период. (Вагнер отмечает, что позже сам Пикассо считал эту картину своим величайшим произведением.
) «Это дикая картина, она полна невоздержанности», – говорит Вагнер.
«В пространстве комнаты Пикассо интересуют уже не столько предметы для натюрморта, сколько женские тела, которые теперь трактуются им как нечто невероятно сложное и остраненное».
Окутанный дурной славой из-за своих отношений с женщинами, Пикассо с нежностью изображал своих любовниц в своих личных произведениях, но эти образы заметно расходились с тем, какими представали женщины на его публичных картинах.
Экспонаты на выставке «Сострадание и ужас: путь Пикассо к “Гернике”». Joaquín Cortés / Román Lores
«В своем публичном искусстве Пикассо показывал, какими монументальными или архитектурными могут быть женские тела; как они могут превращаться в ловушки или машины; как они могут указывать на разные варианты реальности; и в то же время – какими они могут быть чудовищными». В картинах и набросках, созданных до «Герники», видно, как Пикассо разрабатывал символизм, который можно передать через манипуляции с женским телом – эти эксперименты нашли свое разрешение в «Гернике».
Несмотря на данные о том, что Пикассо написал «Гернику» очень быстро, эта картина не возникла из ниоткуда. Она стала плодом многих лет творчества, а также личным вкладом художника в раздираемую изнутри политику Испании, где по-прежнему жила его семья.
Пикассо получает заказ
Тогда как павильоны Германии и Советского Союза на Всемирной выставке в Париже 1937 года были огромными архитектурными воплощениями власти и влияния, Испанская Республика, к тому моменту чуть менее года пребывающая в состоянии гражданской войны и нуждающаяся в финансовой поддержке, предпочла скромное, лишенное излишеств здание, которое, однако, было наполнено произведениями мирового уровня.
Известная своим почтительным отношением к художникам и интеллектуалам, Испанская Республика оказывала поддержку многим представителям авангарда 30-х годов – в числе таких художников были, например, Жоан Миро и Александр Колдер. Пикассо получил заказ на создание крупномасштабной картины в январе 1937 года.
Фото из серии «“Герника” в процессе создания» Доры Маар
Если другие произведения, предназначенные для выставки в Республиканском павильоне, задумывались как часть политической повестки (они отличались антифашистской направленностью), то изначальный план Пикассо, если верить источникам, состоял в создании картины подчеркнуто аполитичной. По словам Вагнер, Пикассо пребывал в растерянности относительно того, что же ему написать. На предварительных эскизах изображен находящийся в своей студии художник – он стоит лицом к обнаженной модели, которая облокотилась на диван.
Изменить свои первоначальные планы Пикассо подтолкнула трагедия.
Бомбардировка Герники и создание картины
26 апреля 1937 года Франко приказал нацистскому легиону «Кондор» (он был предоставлен Франко Германией) сбросить бомбы на городок Герника. Это был базарный день; гражданское население (преимущественно женщины и дети) находилось вне дома, выйдя на городские площади.
Будучи первым местом, где в Испании была установлена демократия, Герника стала символичной целью для удара. Это была безжалостная бомбардировка, которая унесла жизни сотен людей (о точных цифрах спорят до сих пор – от 200 до 1700 жертв), а еще около 900 человек получили ранения.
В ходе Гражданской войны в Испании это был первый случай, когда атака обрушилась на беззащитный город.
«Из всего спектра образов, сопутствующих Гражданской войне в Испании, можно сразу же выделить тот факт, что общество было в курсе тех ужасных картин, что являли собой трупы гражданского населения – женщин и детей», – отмечает Вагнер.
В самом деле, Гражданская война в Испании стала первым военным конфликтом, который нелицеприятно освещался в СМИ: никогда ранее фотографии мертвых тел не помещались на первые страницы газет.
Как и бесчисленное множество других людей, 27 апреля Пикассо, находясь в Париже, раскрыл свою утреннюю газету и увидел ужасающие образы разрушенной Герники.
Жертвы бомбардировки
И хотя Пикассо уже был известным леваком – он создал пару гравюр под названием «Мечты и ложь Франко» (1937), репродукции которых продавались, чтобы добыть финансирование для Республики – бомбардировка Герники произвела на него глубочайшее впечатление. 1-го мая он отправился в свою студию на улице Гран Огюстен и начал работу над новыми эскизами для заказа.
К середине июня «Герника» была закончена; художница-сюрреалистка Дора Маар в серии своих фотографий запечатлела процесс поступательного написания картины. В июле Пикассо доставил законченную работу в Республиканский павильон, где она была выставлена в качестве центрального экспоната – по обе стороны от «Герники» расположились «Ртутный фонтан» (1937) Колдера и «Жнец» (1937) Жоана Миро.
Образ человеческой трагедии
«Герника» представляет собой неистовый клубок из шести человеческих фигур (четыре женщины, мужчина и ребенок), коня и быка; действие развивается в клаустрофобном интерьере с низким потолком, на котором пылает светом электрическая лампа. Можно заметить, что в картине осталась часть изначальной композиции (студия художника), но смысл картины поменялся кардинально – теперь это эмоциональные и физические последствия войны и жестокости.
Хотя Пикассо никогда в открытую не раскрывал символизм, стоящий за каждой фигурой и объектом «Герники» («Зритель сам должен решить, что он хочет увидеть», – так он однажды сказал), многое можно считать при первом знакомстве. В то же время искусствоведы уже на протяжении многих десятилетий проявляют небывалую скрупулезность, ища смыслы почти в каждом мазке.
«Герника» (Пабло Пикассо, 1937)
Пожалуй, наименее двусмысленны искаженные образы женщин, страдающих от физических страданий и психических мук. «Можно увидеть, что такого рода деформации – это инструменты, с помощью которых Пикассо передает боль и страдание», – объясняет Вагнер. Художник сообщает отчаяние и горе страждущих через их заостренные языки и глаза, напоминающие по форме слезы.
Крайняя слева фигура – кричащая от горя женщина. Её лицо обращено к небу, а в руках она укачивает хромого и бездыханного ребенка. Крайняя фигура справа – ревущая женщина, охваченная пламенем. Её руки воздеты к небесам.
Еще одна женщина показывается из окна, в руках у неё свеча. Иногда этот образ интерпретируют как воплощение надежды.
Фигура каждой из женщин нарочито аморфна, они отличаются характерными выпуклостями и углами, при этом их тела в одночасье топорно едины и словно бы распадаются на части.
На полу лежит фигура, которую идентифицируют как солдата. Он расчленен – возможно, это персонификация недавно созданной Республики. Разбросанные как осколки руки солдата крест-накрест испещрены порезами и ранами. Кисть одной из рук заключена в кулак – символ Республики – в котором стиснута сломанная сабля.
Лампа на потолке по традиции считывается как символ бомбы. Вместе с тем, учитывая форму лампы (напоминает глаз, а сама лампочка – его радужку), есть также мнение, что это намек на божье око.
Пикассо на фоне «Герники»
Бык и конь вызывают множество разных интерпретаций. Чаще всего в трактовке этих образов обращаются к той роли, которую эти животные играют в традиционном испанском бое быков: конь может стать побочной жертвой зрелища, тогда как бык должен быть смертельно ранен.
Напротив, с точки зрения других исследователей, бык по причине своего отсутствующего выражения, не перекликающегося с другими фигурами, воплощает собой Франко или же фашизм в целом.
Наконец, есть также те, кто усматривает в быке репрезентацию испанского наследия – стоического и недрогнувшего свидетеля трагедии.
Визуальный язык Пикассо, однако, выходит за рамки частных деталей отдельно взятой трагедии и становится универсальным. Вагнер отмечает: «Эта величественная, интенсивная и неординарная картина.
Действо, разворачивающееся на полотне, исполнено боли и смерти. Но это не тот случай, когда можно сказать: «Ага, это произошло в Испании».
Эта картина выражает нечто куда большее, потому что она органично встраивается в необычайно широкий контекст».
«“Герника” побуждает зрителя разделить чувство трагедии, которое, к сожалению, неотъемлемо от человеческого существования. Если вы, глядя на эту картину, почувствуете одновременно ужас и сострадание, то эти ощущения уже не отступят, с головой вовлекая вас в изображенный на полотне опыт», – утверждает Вагнер.
«Герника» в общественном сознании
После закрытия парижской Всемирной выставки «Герника» отправилась в тур по Европе.
По окончании войны, когда Франко разбил республиканцев и захватил власть в Испании, картина продолжала свои путешествия, помогая собирать средства для испанских беженцев, воевавших на стороне Республики.
В 1939 году «Герника» побывала в Музее современного искусства в Нью-Йорке в рамках персональной выставки Пикассо – сам художник выдвинул условие, что эта выставка должна пройти под знаком защиты «Герники».
Использование образов «Герники» в ходе антивоенной демонстрации. C. Elle / Flickr.
Между 1939 и 1952 годами «Герника» путешествовала по разным арт-центрам США.
Позже картина выставлялась в Бразилии и в разных городах западной Европы, а в 1958 году она была возвращена в Нью-Йоркский музей современного искусства с намерением завершить турне по миру.
За десятилетия транспортировки и повторяющихся растягиваний для выставок картина порядком износилась, так что возник риск повреждения. «Герника» оставалась в Нью-Йорке до 1981 года.
Именно в этот период «Герника» обрела жизнь и за пределами холста. Её копии появились в таких городах, как Дрезден, Берлин, Хиросима – места, ставшие синонимом атак, ударивших по мирному населению. Вместе с тем «Герника» приобрела особый резонанс в среде протестующих против войны.
«Ныне мы принимаем как само собой разумеющееся, что «Герника» – это символ современной войны», – говорит Вагнер, добавляя, что в наше время репродукции шедевра Пикассо часто появляются на антивоенных протестах по всему миру – от Калькутты до Рамаллы и Южной Каролины.
В свою очередь, как часто случается с великими произведениями искусства, современные художники обращаются к «Гернике» в собственных произведениях, адаптируя её образность под проблемы, связанные с войной и насилием.
Наследие «Герники»
Еще сам Пикассо осознавал величину политического потенциала, имеющегося в «Гернике».
В 1939 году, когда разразилась Вторая мировая война, Пикассо находился под наблюдением нацистов, что по крайней мере отчасти было связано со славой «Герники» и тем месседжем, который в ней заложен.
Известна история о том, как однажды в студию Пикассо наведался нацистский солдат. Указав на репродукцию «Герники» на стене, он спросил художника: «Это ваша работа?» Пикассо ответил: «Нет, ваша».
«Герника» (Луис Барда, 2013)
«Пикассо должен был выступить в защиту своей картины», – объясняет Вагнер. «Стало понятно, что ему необходимо обеспокоиться о судьбе своего творения. Он знал, что создал нечто уникальное, великое и важное.
Для него было ясно как день, что картина не может вернуться в Испанию».
Чтобы обеспечить безопасность картины, он получил юридический документ, в котором было указано, что «Герника» не может быть ввезена в Испанию до тех пор, пока в стране не будет установлен демократический режим.
В 1981 году, спустя шесть лет после смерти Франко и восемь – после смерти Пикассо, «Герника» наконец вернулась в Испанию. Оставаясь объектом споров и прений в среде испанского народа, приходившего в себя после почти четырех десятилетий диктатуры, картина выставлялась под пуленепробиваемым стеклом.
Стекло было убрано в 1995 году, но невозделанная политическая мощь «Герники» себя не исчерпала. В 2003 году, например, поднялась полемика, когда репродукцию «Герники» в нью-йоркском штабе ООН закрыли синим занавесом.
На фоне картины должен был выступать Колин Пауэлл – в своей речи он ратовал за то, чтобы Соединенные Штаты вступили в войну в Ираке.
(Выдвигались протеворечащие друг другу причины относительно решения завесить картину – так, некоторые официальные лица ООН сообщали, что в режиме видеосъемки такой фон показался журналистам отвлекающим.)
Вагнер отмечает, что вслед за «Герникой» Пикассо создавал и другие политически значимые произведения, но ни одна из них не получила такой же огласки и резонанса. «Герника» стала маркером человечности, смысл этой картины по-прежнему понятен людям со всего мира.
Оригинал
Фото на превью – выставка «Герники» в Национальном музее Центр искусств королевы Софии (Мадрид). Joaquín Cortés / Román Lores.
Об авторе: Кейси Лессер (Casey Lesser) – креативный редактор онлайн-платформы «Artsy».
Источник: https://concepture.club/post/rubrika_2021/history-and-meaning-of-guernica
Почему «Герника» Пикассо — это гениальная картина
Как это сделано и почему это сработало?
На той неделе я рассказывала, как «Герника» приобрела репутацию мирового шедевра. А вот тут я разжевывала, к каким картинам слово «шедевр» корректно применять.
И я подчеркиваю — слова «шедевр» и «гениальное произведение» — это не синонимы. Куча гениальных картин остались неизвестными, и в списки шедевров не входят.
Большинство шедевров, впрочем, как раз гениальны или хотя бы талантливы.
Пабло Пикассо. «Герника». 1937. Музей королевы Софии, Мадрид Далее я попробую перечислить по пунктам, какими техническими приемами и использованными эмоциями оперировал Пикассо, и почему его работа получилась гениальной и заслужила славу шедевра.Впрочем, я сразу предупреждаю, что мое обьяснение поможет разобраться только тем, чья эрудиция открыта к восприятию «нового» и кто не испытывает при виде картин Пикассо и прочего авангарда острой аллергической реакции.
Если же вы сразу смотрите на подобные картины, называя их «мазня и говно» (за второе слово в моем блоге я баню), то мои обьяснения вы сочтете совершенно неправдоподобными и натянутыми. Так что лучше не тратьте время на чтение.
***Приступаем, прямо подряд, по списку «описания и анализа» Вельфлина.Каждая из использованных вещей сама по себе достаточно предсказуема, и ничего особенного в ней нет. Секрет гениального художника в том же, в чем мастерство шеф-повара: применить все в правильных дозах и пропорциях, и в правильной последовательности.
1) РАЗМЕР
Эпиграф (старый анекдот):
Пикассо садится в такси, таксист его узнал и говорит:— Зачем вы так непохоже пишете?— А похоже — это как?Таксист достает из бумажника фотографию жены:— Вот моя жена, здесь она на себя похожа.
— Что, она на самом деле такая маленькая и плоская?
Мы все — жертвы цифрового века. Об этом не стоит забывать. Мы воображаем себе произведения искусства по тому, как видим их на картинках в интернетике. Это значит — мы не ощущаем их в реальности, их настоящий вкус, цвет, фактуру.Самое главное, что «режет» монитор — это размер.
Яйца Фаберже на репродукциях потрясают своей тонкой работой, и когда видишь их в реальности и понимаешь, что они не с куриное яичко, а со страусиное — как-то разочаровываешься слегка. Филигранная работа ювелиров сразу кажется не настолько филигранной, какой ты ее воображал.
Важнейшая часть магической силы «Герники» — это ее гигантский размер. Она подобна настенной языческой фреске, когда ты оказываешься у ее подножия, она наваливается на тебя со всей своей мощью, как будто это не живописное полотно, а нечто более важное.
музей королевы Софии
2) ФОРМАТ
Формат «Герники» — нетипичный для картин, в том числе и для новаторских картин авангардистов. Ее размеры — 3,5 × 7,76 метров. Получается такая длинная вытянутая колбаса.
Если картина выполнена в таком формате, то это работает отличающеся от стандартных картин: ты не охватываешь работу сразу оком (как «Мону Лизу», например). Формат панорамы втягивает тебя внутрь, ты начинаешь волей-неволей гулять по ней взором.
Старые мастера об этом знали, и поэтому предпочитали вмещать в подобные длинные картины несколько разновременных эпизодов, как в комиксах на одной странице вмещают.
Распластанность «Герники» работает тем же образом: у тебя не получается сразу ее разглядеть целиком и отойти, ты утыкаешься взглядом в один кусок и твой взгляд, как прикованный, начинает ползти в одну или другую сторону. Глаз обессилен из-за этого, он не знает, где остановиться.
3) КОМПОЗИЦИЯ
У оптики есть свои законы. У человеческого глаза, визуального восприятия — есть свои законы.Из элементарного: человеку приятнее смотреть на круг, чем на ромб, на голубое, чем на коричневое.
Посложнее — штука, называемая «золотое сечение» (сложное соотношение пропорций, воспринимаемое мозгом как идеальное). Все великие храмы, например, ему следуют. Еще взгляду приятна симметрия, S-образная линия, диагональ из нижнего левого угла в верхний правый и т.п.
(Подробней читайте Рудольф Арнхейм. «Искусство и визуальное восприятие». 1974, скажем).
Пикассо все это прекрасно знал: его папа был учителем академического рисунка, и Пикассо с детства был выучен рисовать гипсы, как академист.Поэтому «Герника» только неподготовленному человеку кажется беспорядочной свалкой. На самом деле композия ее жестко структурирована со всеми законами гармонии (и со специальными ее нарушениями ради создания эффекта дисгармонии).
Вот несколько схем, показывающих нисходящие и восходящие диагонали, пропорциональное соотношение, симметрию, пирамидальную композицию и другие волшебные композиционные штуки, безошибочно действующие на мозг.
Вот смотрите, летящая голова в третьем секторе — она летит справа вниз. Это депрессивное для восприятия направление движения. Под нею человек в полуприседе, он тоже идет не вправо, а влево — шел бы вправо, воспринимался бы оптимистичнее. Куча таких композиционно-психологических мелочей тут.
4) ЦВЕТ
Первоначально Пикассо хотел сделать «Гернику» цветной, но потом он отказался от этой мысли и выбрал монохромный вариант.
Ron English – Kill Lies All Guernica, 2015-6
Отказ от цвета придает картине намного больше экспрессии. Мы разглядываем не подробности цветных чудовищ, а их лаконичность (в чб варианте). Также это дополняет воздействие размера, эта колористическая гамма гипнотизирует зрителя, не дает ему точки для отдыха.
О психологическом эффекте от монохрома, мне кажется, хорошо сформулировал друг nedocourious в х к прошлому обсуждению, переношу сюда:
«Сравнение «Герники» и «Последнего дня Помпеи» (далее — картина №1 и картина №2):
Вот есть картина №2, написанная по всем правилам академического реализма. На заднем плане багровое небо, справа — рушащийся античный храм, с портика которого симметрично падают статуи.
На переднем плане — группа людей разной, по той же самой академической традиции, степени одетости, замершие в нарочитых театральных позах, и с лицами, из всех сил изображающими театральное же страдание.
Годы создания картины — 1830-1833-й.
Есть картина №1, год создания — 1937-й. Технический прогресс к 1937-му году принес в широкие народные массы такие достижения, как репортажная фотография на пленке и звуковое кино.
С развитием последнего уже даже в театре за выражение эмоций, подобное тому, как они изображены на картине №2, стало принято закидывать актеров гнилыми помидорами.
То же самое относится и к изобразительному искусству: расставить / разложить в красивых позах миловидных натурщиц в макияже с тщательно уложенными прическами с целью передачи ужаса мирных жителей от бомбардировки их города в 1937-м году означало получить не от критики и публики не овации, а освистывание и закидывание гнилыми помидорами.
Понять картину №1 очень просто, и никаких специальных знаний, тайных посвящений, эзотерических или еще каких практик для этого не требуется. Нужно просто хотя бы один раз в жизни испытать очень-очень сильный страх, такой, какой принято называть «животным ужасом», и помнить это состояние.
Когда глаза сами лезут из орбит, когда все вокруг вдруг выглядит иначе, и когда все мысли и чувства сведены к одному — убежать с воплем, а потом проснуться, и чтобы этого ничего не было. Логику в картине искать бессмысленно: страх старше логики на много миллионов лет, а картина №1 — это страх.
И, как очень верно упомянули здесь в х, картина работает вдвойне за счет монохрома. Глаза зрителя — глаза находящегося в городе в момент, когда начали взрываться бомбы, когда привычное окружение вмиг обратилось в чудовищ.
Но монохромное «репортажное фото из газеты» запечатлело то же самое, а значит, весь этот невыносимый ужас — не плод воспаленной фантазии, а происходит на самом деле. Война — это не танчики по монитору гонять и не попкорн в кинозале жевать.
Поэтому картина №2, конечно, признанный шедевр и безусловно хороша, но картина №1 на много порядков мощнее, точнее, эмоциональнее, да и вообще круче картины №2″.
***Дальше снова я продолжаю.
5) ЛИНИЯ (МИНИМАЛИЗМ)
Мы помним, что наш глаз вышеперечисленными приемами оказался прилипшим к «Гернике». Взгляд ползает по полотну, не в силах оторваться, не может отдохнуть.
Но все-таки глазу это необходимо, и он цепляется, останавливается на фигурах на картине.А они же страшные.Они пугающие.
Причем они специально сделаны страшными не так, как Босх делал, не так, как Ганс Руди Гигер.
(Я этот их вариант страшного искусства называю «кишочки»).
Они сделаны страшным минимумом средств, лаконичностью.Вот этот пункт самый болезненный для консерваторов, потому что они не считают подобное достижением, ценя лишь «реалистичность».
Ну да ладно, поэтому-то для понимания абстракций в живописи и необходимо развитое абстрактное мышление.
(Любопытно, что для понимания, чем именно красива иконопись, с этими ее плоскими лицами и зелеными шеями — тоже необходима перенастройка мозга).
Ключевым открытием изобразительного искусства конца 19 века (спасибо Сезанну) было то, что добрым словом и пистолетом можно добиться большего, чем просто добрым словом — что минимум изобразительных средств можно добиться максимума эффекта, что чем больше пыжишься и вылизываешь — тем хуже получается, а великое выходит великим, если оно выглядит так, как будто его сделали одним росчерком пера, экспромтом. (Хотя на самом деле ты ради этого вкалывал как раб на галерах).
Лаконичность и простота работают мощно.Именно поэтому великие актеры пантомимой, или даже одним жестом и просто молчанием (или внезапным красным платочком) способны впечатлить публику намного сильнее, чем молоденькая старлетка пламенным монологом, пусть даже пера самого Шекспира.
«Мыслитель». Статуэтка с Кикладских островов, Др. Греция (3-1 тыс. до н.э.)
И это именно то, что делает Пикассо. Он очищает свои фигуры от всяческого подобия реализма, обьема, перспективы. Он работает только с линией. Он пишет уродцев, потому что он изображает не предметы, а эмоции от них.
Пикассо пришпилил следующие эмоции:
- боль
- ярость
- страх
- ужас
- смерть
Он это делает, заостряя единственной линией, жирным контуром, практически до карикатуры, стандартные человеческие вещи, с помощью которых мы считываем чужие эмоции: жесты, позы, мимику.
Человеческому глазу приятней смотреть на круглое и извивистое?Значит, здесь я нарисую острое, колючее, резкое, угловатое!
Это тоже известная старая штука — написать сильную эмоцию так, чтобы зритель с ней проассоциировался, и она его пробрала от этого сильнее.
Бронзино. «Венера и Амур» (деталь). Ок. 1545 Пикассо специально делает это линией.Не потому, что он умел только «мазню».А потому что так — по его мнению — гораздо круче.Заниматься реализмом Пикассо давно уже было невероятно лень.
Скукота.
«Наука и милосердие», 1897. Картина, написанная Пикассо (сыном преподавателя) в возрасте 16 лет.
Поэтому он и использовал эти открытия «безобразного» авангарда в работе над своей картиной.
***Эти вышеперечисленные пункты дополняются конкретикой — темой гибели города (№6) и захватывающей ум загадочной символикой (№7) о которых я рассказывала подробно в прошлый раз.
Именно благодаря использованным совокупным приемам картина получилась такой сильной. То, что она вызывает у консервативных зрителей ненависть и провоцирует их на оскорбления — это ведь тоже свидетельство ее мощи.
Но, как я говорила выше, всего этого по отдельности для создания гениальной картины — недостаточно. Нужно правильное соединение, верное чутье.Некое «чуть-чуть», которое есть только у великих.
P.S. Сама я не люблю ни «Гернику», ни «Мону Лизу».Я просто знаю, как они сделаны и почему срабатывают.
Список других выпусков цикла «Шедевры от А до Я».
***
Подпишитесь на мой канал об искусстве на яндекс-дзене. Или лучше, чтобы ничего не пропускать, подписывайтесь на мой телеграм-канал, у меня всегда столь же весело и жизнерадостно. А еще у меняинстаграмм есть, про красивое искусство.
Источник: https://zen.yandex.com/media/shakko/pochemu-gernika-pikasso—eto-genialnaia-kartina-5d8b13b632335400aea6d356?from=feed&rid=764816470.456.1571500476149.68912&integration=site_desktop&place=layout
Пикассо П. «Герника»
На мадридской площади, носящей имя Пабло Пикассо, стоит монумент из розового гранита. Надпись на нем гласит: «Жители Мадрида в память о Пабло Руисе Пикассо — испанском гении мирового искусства. Май, 1980».
Можно знать толк в «голубом» и «розовом» периодах творчества Пикассо, можно поразному относиться к его произведениям. Но все помнят его знаменитую голубку, нарисованную художником в 1947 году и с тех пор облетевшую всю планету как символ мира. И все знают его столь же знаменитую картину «Герника», которую Пикассо нарисовал на десятилетие раньше — в 1937 году.
К этому времени художник покинул шумный Париж, переселился в местечко Трембле под Версалем и жил там очень уединенно. Он писал большие ночные натюрморты с горящей возле окна свечой, книгами, цветами и бабочками, летящими на огонь. В них угадывались жажда покоя и своеобразный гимн тишине ночи. Но события в мире резко изменили уединенную жизнь художника.
В 1937 году вся Европа с напряженным вниманием следила за гражданской войной в Испании. Там, на подступах к Барселоне и Мадриду, в Иберийских горах и на Бискайском побережье, решалась ее судьба. Весной 1937 года мятежники перешли в наступление, а 26 апреля немецкая эскадрилья «Кондор» совершила ночной налет на маленький город Гернику, расположенный близ Бильбао — в Стране басков.
Этот небольшой городок с 5000 жителей был священным для басков — коренного населения Испании, в нем сохранялись редчайшие памятники его старинной культуры. Главная достопримечательность Герники — «герникако арбола», легендарный дуб (или, как его еще называют, правительственное дерево).
У его подножия некогда были провозглашены первые вольности — автономия, дарованная баскам мадридским королевским двором. Под кроной дуба короли давали баскскому парламенту — первому на территории Испании — клятву уважать и защищать независимость баскского народа.
В течение нескольких столетий только для этого они специально приезжали в Гернику. Но франкистский режим отнял эту автономию.
Военной необходимости в авиационном налете не было никакой, фашисты хотели нанести противнику «психологический удар», и варварская бомбардировка была совершена. Немецкая и итальянская авиации не только действовали с ведома Франко, но и по его личной просьбе. И разрушили Гернику…
Это событие явилось для Пабло Пикассо толчком к созданию великого произведения. Испанский поэт и видный общественный деятель Рафаэль Альберти впоследствии вспоминал: «Пикассо никогда не бывал в Гернике, но весть об уничтожении города сразила его, как удар бычьего рога».
Темпы создания картины кажутся просто невероятными. Да и размеры этого полотна просто колоссальны: 3,5 метра в высоту и около 8 метров в ширину. И написал его Пикассо менее чем за месяц.
Журналист-международник А. В. Медведенко рассказывал, что художник «работал неистово, как сумасшедший… Первые дни Пикассо стоял у мольберта по 12-14 часов.
Работа продвигалась столь стремительно, что невольно складывалось впечатление, что он давно продумал картину в мельчайших подробностях и деталях».
На громадном черно-бело-сером холсте мечутся конвульсивно искаженные фигуры, и первое впечатление от картины было хаотичным. Но при всём впечатлении буйного хаоса композиция «Герники» строго и точно организована.
И действительно, общая концепция картины вырисовывалась уже в первых эскизах, и первый вариант ее вчерне был закончен чуть ли не в первые же дни работы на холсте. Сразу же определились и главные образы: растерзанная лошадь, бык, поверженный всадник, мать с мертвым ребенком, женщина со светильником…
Катастрофа происходит в тесном пространстве, словно бы в подполье, не имеющем выхода. И Пикассо сумел изобразить почти невозможное: агонию, гнев, отчаяние людей, переживших катастрофу.
Но как «живописно» изобразить страдания людей, их неприготовленность к внезапной гибели и несущейся с неба угрозе? Как показать событие в его немыслимой реальности, его ужасный общий смысл? И как при всем этом выразить силу сострадания, гнева и боль самого художника?
И вот какой путь избирает Пикассо, чтобы всесторонне изобразить разыгравшуюся трагедию. Прежде всего сюжет и композиция картины основаны не на разработке реального события, а на ассоциативных связях художественных образов. Все построение и ритм этого громадного полотна отвечают его внутреннему смысловому движению.
Все образы картины переданы упрощенно, обобщающими штрихами. Нарисовано лишь то, без чего нельзя обойтись, что прямо входит в содержание картины — все остальное отброшено.
В лицах матери и мужчины, обращенных к зрителю, оставлены лишь широко открытый в крике рот, видимые отверстия ноздрей, сдвинувшиеся куда-то выше лба глаза. Никакой индивидуальности, да подробности были бы здесь и излишними, могли бы раздробить и тем самым сузить общую идею.
Трагическое ощущение смерти и разрушения Пабло Пикассо создал агонией самой художественной формы, которая разрывает предметы на сотни мелких осколков.
Рядом с матерью, держащей на руках мертвого ребенка с запрокинутой головой, — бык с выражением мрачного равнодушия. Все кругом гибнет, только бык возвышается над поверженными, вперяя перед собой неподвижный, тупой взгляд.
Это контраст страдания и равнодушия был в первых набросках к «Гернике» едва ли не главной опорой всего целого картины.
Но Пикассо не остановился на этом, и в правой части картины (рядом с мужчиной, выбросившим руки вверх) вскоре появились два человеческих лица — встревоженных, напряженных, но с чертами неискаженными, прекрасными и полными решимости.
В подполье стремительно врывается откуда-то сверху, как будто из другого мира, женщина с профилем античной богини. В выброшенной вперед руке она держит горящий светильник, рот ее тоже широко открыт в крике, но уже некому его услышать.
Что же все-таки происходить в «Гернике» Пикассо? Не бомбежка города с самолетов: на картине нет ни бомб, ни самого города. На картине видны языки пожара, но он где-то в отдалении, за пределами полотна. Тогда отчего же гибнут люди и звери? Кто их загнал в ловушку?
Прямой носитель зла в картине не персонифицирован, сами по себе диктатор Франко и Гитлер, «эти всадники на свинье с вошью на знамени», слишком ничтожны, чтобы быть ее единственной причиной. Созданная на основе испанских событий, «Герника» выходила за конкретные исторические и временные рамки, предвосхищала события, которым тогда не было даже названия.
Впоследствии олицетворение фашизма стали видеть в образе быка, которому гибнущая лошадь обращает свое предсмертное проклятие. Напрасно взывает к нему и гений света: бык ничему не внемлет и готов все растоптать на своем пути. Другие искусствоведы (например, Н.Д.
Дмитриева) предположили, что, может быть, бык — не носитель злой воли, а только неведение, непонимание, глухота и слепота.
…В июне 1937 года «Герника» была выставлена в испанском павильоне на Всемирной выставке в Париже, и толпы народа сразу же устремились сюда. Однако то, что предстало их глазам, смутило многих и вызвало самые различные споры. Реакция многих была совсем не такой, на какую рассчитывал Пикассо.
Известный французский архитектор Ле Корбюзье, присутствовавший на открытии испанского павильона, вспоминал потом: «Герника» видела в основном спины посетителей». Однако не только простые посетители выставки не были подготовлены к восприятию картины, в такой своеобразной форме рассказывающей об ужасах войны.
Далеко не все специалисты приняли «Гернику»: одни критики отказывали картине в художественности, называя полотно «пропагандистским документом», другие пытались ограничить содержанием картины только рамками конкретного события и видели в ней лишь изображение трагедии баскского народа.
А мадридский журнал «Сабадо графико» даже писал: «Герника — полотно огромных размеров — ужасна. Возможно, это худшее, что создал Пабло Пикассо за свою жизнь».
Впоследствии Пабло Пикассо, говоря о судьбе своего детища, заметил: «Чего только не довелось мне услышать о моей «Гернике» и от друзей, и от врагов». Однако друзей было больше. Долорес Ибаррури, например, сразу высоко оценила картину Пикассо: «Герника» — страшное обвинение фашизму и Франко.
Она мобилизовывала и поднимала на борьбу народы, всех мужчин и женщин доброй воли. Если бы Пабло Пикассо за свою жизнь не создал ничего, кроме «Герники», его все равно можно было бы причислить к лучшим художникам нашей эпохи.
Датский художник-карикатурист Херлуф Бидструп считал «Гернику» самым значительным антивоенным произведением. Он писал: «Люди моего поколения хорошо помнят, как фашисты подвергли садисткой бомбардировке город Гернику во время гражданской войны в Испании.
Художник показал зверское лицо войны, отражение той страшной действительности в абстрактных формах, и она по-прежнему в нашем антивоенном арсенале».
И хотя «Герника» Пикассо молчит, как молчат и застывшие перед ней люди, все равно кажется, что слышны крики, стоны, треск, свист падающих бомб и оглушительный грохот взрывов. Для испанских республиканцев картина была символом боли, гнева и мести. И они шли в бой, неся с собой, как знамя, репродукцию «Герники».
Картина в 1939 году была передана на хранение в Музей современного искусства в Нью-Йорке с тем условием, что она будет возвращена, когда в Испании установится демократический строй. В 1967 году Франко восстановил некоторые политические свободы в стране, и год спустя его правительство попыталось вернуть «Гернику», но Пикассо отказал.
После 40 лет изгнания и восьми лет, прошедших после смерти художника, после появления в стране демократической конституции, знаменитая картина Пабло Пикассо «Герника» вернулась в Испанию. Она была передана в музей Прадо в Мадриде. Однако баски, недовольные таким решением, требуют передать картину в музей Гуггенхайма в Бильбао.
Думаю, все согласятся что болезнь всегда приходит неожиданно. Представьте, что Вас или родного Вам человека поразил инсульт. Имею большое сомнение в том, что Вы готовы к этому и знаете что делать.
Чтобы быть готовым к появлению инсульта в Вашей жизни прочтите страничку блога о жизни после инсульта на которой написано том, что нужно делать сразу после инсульта
Источник: http://k-a-r-t-i-n-a.ru/pikasso-p-gernika/
Герника. Сочинение по картине Пикассо
Нечеловеческие зверства фашистского режима впервые сразили Европу после того, как отдельный легион добровольцев люфтваффе совершил ночную бомбардировку мирного баскского города, находящегося на севере Испании неподалеку от границы с Францией.
Более трети жителей погибло под бомбежкой, а сам город горел еще более трех суток. Шокированная Европа еще не осознала, какая страшная беда надвигается на нее, поскольку фашистская Германия впервые обнажила свое уродливое лицо.
- Пабло Пикассо, проживающий в это время возле Парижа, был так поражен произошедшим в Гернике, как будто его пронзили острым предметом.
- Приняв заказ на полотно для выставки в Париже, он создал масштабный не только по размерам, но и по смыслу шедевр с невероятной скоростью – всего лишь за месяц, работая иногда по двенадцать часов в сутки.
- Сюжет, в самых мельчайших деталях, как будто уже был в голове живописца и он словно обводил то, чем было охвачено его творческое воображение.
- «Герника», выполненная в манере кубизма, представляет собой огромное полотно впечатляющих размеров, написанное масляными красками в черно-белых тонах.
Выбор такой формы и цветовой гаммы обусловлен несколькими причинами.
Желая выразить в своем творении боль, отчаяние, агонию и гнев невинно пострадавших людей, Пикассо обезличивает их, передавая лишь основные черты, по которым можно узнать мать, рыдающую над телом мертвого ребенка, разорванное на части тело солдата, падающую в агонии белую лошадь, растерзанную голубку, женщину со светильником, гибнущего в огне человека и яростного быка.
Деформация объектов, помещения и цветов объясняется ужасом, который внезапно постиг ночью испанский город. Во время войны все ужасно и лишено красок, это время, когда больше нет никаких цветов и форм. Все становится нереальным, как в кошмарном сне, и сознанием воспринимаются лишь общие черты.
Сюжет разворачивается в тесном помещении, вероятно внутри комнаты, на потолке которой находится странной формы лампа, больше напоминающая горящий глаз. Снаружи полыхают огнем здания, а фигура мужчины справа зажата между двумя языками пламени.
В это помещение подобно привидению, держа в руке свечку, вплывает какая женская маска по стилю напоминающая древнегреческую. Глаза у всех персонажей картины широко раскрыты, а в горле застрял крик.
Повершенный солдат продолжает сжимать в руке клинок, из которого растет цветок – так Пикассо передает образ защитника, поверженного войной. Лишь только голова быка, возвышающаяся над всем, выражает мрачное равнодушие, попирая поверженным им.
Автор сочинения: Ирина Шастова
Источник: http://design-kmv.ru/opisanie-kartin/gernika-sochinenie-po-kartine-pikasso.html
Загрузка...
