«Смерть завораживает меня вечностью» (Сальвадор Дали)
При знакомстве и изучении целого ряда репродукций картин различных художников, изображавших смерть на своих полотнах, я как врач, пытался оценить реальность облика мёртвого героя и подметить те признаки смерти, которые удалось нарисовать автору.
Почти все живописцы за редким исключением не вдавались в детальное изображение реальных (натуралистических) анатомических признаков мёртвого тела.
Чаще они показывали обстановку, умершего человека в одежде, в постели, на поле брани или в необычных местах, нередко — обстоятельства наступления смерти, порой театрализовано, постановочно.
То есть картина символизировала смерть изображённого на ней персонажа, останавливалась на той или иной истории её наступления, события, повлекшего за собой смерть героя, либо констатируя смерть известной реальной или мифологической личности, согласно легендам, преданиям и поверьям, религиозным трактатам, особенно из Библии.
Порой только наименование картины влекло за собой желание увидеть то, что сообщал о ней сам автор. Завуалировано, намёком или просто рисунком…
Начина свой обзор со знакомства с удивительно красочной и многогранной картиной Густава Климта, мне хочется сопоставить отображение жизни и смерти, воплощённых в ней, в виде противостоящих символических фигур, олицетворяющих вечность возрождения первой и бессилие второй в неизбежном противоборстве между собой. Смерть неизбежна, но жизнь всегда побеждает!
Рис 1. «Жизнь и смерть», 1908—1916. Густав Климт (нем. Gustav Klimt; 1862—1918). Музей Леопольда в Вене.
Всемирно известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм.
В 1911 году картина Климта «Жизнь и смерть» получила приз на Всемирной выставке в Риме.
Яснее представить себе контраст торжества жизни и призрак смерти в своих красках весьма трудно. Но Климту это удалось… Хотя смерть представлена одним черепом, а весь скелет задрапирован менее яркими, чем представители жизни цветами. А вместо косы — гневно-бордового оттенка топорище…
Описание картины хорошо представлено на этом видеоклипе. Лучше не скажешь.
***
Так случилось, что наиболее реальными в изображении мертвых в живописи оказались Христос и Клеопатра.
Этот парадокс мне думается можно связать, помимо притягательности и известности этих образов, ещё и обстоятельствами нетривиальности наступления их смертей: распятия Христа и самоубийства египетской царицы с использованием ядовитой змеи… Разумеется и числом существующих (доступных в Интернете) полотен, которых намного больше иных. Существуют целые серии изображений названных выше всем известных персонажей Христа и Клеопатры. Наряду с одиночными или немногочисленными полотнами повторений в различных ракурсах одного и того же сюжета смерти в сравнении с названными. Хотя, я должен тут же оговориться, что удачное или умелое изображение мёртвого тела Христа удалось тоже не многим художникам.
Рис 2. И на первом месте среди них картина художника Ганса Гольбейна Младшего, (Hans Holbein der Jungere, 1497—1543), «Мертвый Христос в Гробу» (1521-22). (Художественный музей, Базель.)
Великий немецкий живописец нарисовал первое реалистичное изображение мёртвого Христа. Прототипом Иисуса, якобы, послужил выловленный в Рейне рыбак — утопленник, имевший некоторое телесное сходство с привычным известным из сказаний, картин и скульптур образом Христа. Художник изобразил на картине труп с первыми признаками тления.
Вокруг ран появились синеватые ареолы, а конечности начали чернеть. То есть автор картины показал тело таким, кок оно бывает у только недавно умершего человека, не прикрашивая и не дополняя его. Со всеми следами истязаний, ран и кровоподтёков.
«Застывшие остекленевшие глаза и судорожно сомкнутые губы», правда, могли увидеть только те, кто рассматривал оригинал этой небольшой (30,5 х 200 см), но узкой по форме картины…
Тело несет на себе признаки издевательств и чудовищной казни на кресте: руки и ноги пронзены гвоздями, а тело иссечено ударами бича. Ничего божественного. Одинокий труп человека. Если не знать содержание легенды о распятии Христа.
Это и произвело неизгладимое впечатление на Ф. М. Достоевского, когда он увидел картину на выставке в Базеле в 1867 году, и был поражён изображением Христа. Его жена, Анна Григорьевна, вспоминала, что его выражение лица напоминало такое же перед очередным эпилептическим приступом.
Сама картина по тем временам была признана еретической, ибо в каноне сказано, что «тело Спасителя не могло быть подвержено тлению». Серен Кьеркегор писал: — «чем совершеннее существо, тем отвратительнее внешние, физические проявления его смерти, которые выглядят как откровенное надругательство над духом».
Так тогда и не был раскрыт смысл картины Гольбейна, написавшего столь сомнительную, почти на грани кощунства, картину? А ведь художник с точки зрения врача нарисовал просто реальный образ мёртвого человека, а не божества…
Возможно, поэтому художники и впредь не стали прибегать к натуралистическим подробностям изображения смерти, а создают аллегории, метафоры или близкие образы, чтобы не слишком впечатлять эстетов, не пугать обывателей и не оскорблять чувства случайных зрителей…
Но это была не первая картина с образом мёртвого Христа. До Гольбейна были ещё два великих мастера, которые рискнули отобразить смертный облик Творца или Спасителя. Ещё в 1490 году Андреа Мантенья(Mantegna, Andrea) (ок. 1431—1506), один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии.
По рисунку нет сомнений, что перед нами мёртвое тело, а по стигматам на конечностях понятно, что это тело Христа, хотя на нём нет, кроме бледности, явных анатомических признаков мертвого человека, что можно объяснить ещё не наступившими.
Либо нежеланием автора нарушать мнение об их недопустимости у конкретного трупа по религиозным догматам.
Рис 3. «Мертвый Христос», 1490. МАНТЕНЬЯ АНДРЕА (Mantegna, Andrea) (ок. 1431—1506), один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии.
На картине Монтеньи «Мёртвый Христос» изображён реалистично. Тело и зияющие на нём раны кажутся естественными, объёмными, как на скульптуре, но не плоскими, как обычно бывает у иных художников на холсте. Цвет тела и камня почти одинаков. То есть они оба мертвы. Мёртвый Христос изображен в окружении скорбящих женщин, одна из которых, якобы, и есть Мария Магдалина.
Выдающееся произведение Мантеньи оказало влияние на многих художников. Наиболее явно оно прослеживается в одноимённой картине Аннибале Карраччи «Мёртвый Христос».
Рис 4. Знаменитая картина Аннибале Карраччи «Мертвый Христос» (1582, Галерея Уффици, Флоренция) стала настоящим шедевром своего времени, поразившим многих современников художников.
Хотя и на этой картине видны лишь свежие кровоточащие стигматы без других явных признаков мёртвого тела. И даже изогнутые и уже не нужные гвозди, клещи и терновый венец…
Другим художником, изобразившим мёртвого Христа был Альбрехт Дюрер. В 1503 году художник углём нарисовал картину «Творец в терновом венце», хранящуюся в Британском музее.
На этой картине больше подробностей, отражающих предсмертные страдания, однако без анатомических признаков смерти, что на картине, нарисованной углём, было бы затруднительно или просто невозможно изобразить.
Искажённое болью выражение лица, страдавшего перед смертью Христа, стонущего или кричащего от боли и застывшего в этой маске, даже у меня, хирурга, видевшего немало мертвецов, вызывает страх, сочувствие и жалость. Ведь это человек — «See Homo!» — как сказал, якобы, Понтий Пилат о Христе перед его распятием…
Рис 5. А. Дюрер, 1503. Автопортрет в образе мертвого Христа?
Рисунок Дюрера с изображением запрокинутой головы мёртвого Иисуса некоторые искусствоведы считают автопортетом художника, сделанным сразу же после тяжёлой болезни в возрасте Христа или около того, которая едва не закончилась летальным исходом.
Спустя несколько дней после тяжёлой лихорадка, будучи измождённым с пересохшими губами и запавшими орбитами, Дюрер вместо того, чтобы пригласить священника, как предполагали окружавшие его близкие люди, ибо Дюрер был набожным человеком, он потребовал принести небольшое зеркало. Предположили даже, что под влиянием ужасного вида он помешался.
Но на сделанном рисунке по следам своего впечатления от увиденного, Дюрер нарисовал… автопортрет мёртвого Христа…
В облике человека на рисунке видны и вполне могут быть отмечены врачом признаки, характерные для умирающего.
В нижней трети листа видна монограмма художника — одна в другой буквы — А и D и год — 1503-й. ( Год рожденя Дюрера 1471).
- Иллюстрацией в этом смысле может служить, в частности, одно стихотворение, которое обнаружил в Живом Журнале журналист Вячеслав Алексеев:
- «Бога нет! И Он не умирал —
- Всем размышленьям край положен.
- Плащаницу жалким телом распластав,
- Человек лежит и лик его безбожен.
- Две пустыни смотрят вместо глаз.
- Острый нос, зубов оскал тревожный,
- Челюсти отвисшей сообщал:
Бога нет! — Таким Он невозможен».
Можно найти признаки смерти на теле Христа и у других художников.
Например, на картине нормандского художника Николы Пуссена «Оплакивание Христа» тело мёртвого Христа показано истинно мёртвым по окраске, позе и впечатлению на окружающих.
Его вид явно отличается от колорита тел вокруг скорбящих людей. И согласишься с художником, которому удалость написать реалистическую картину смерти человека…
Рис 6. Оплакивание Христа. Нормандец по происхождению Никола Пуссен (1594—1665).
Но оставим богу богово, а кесарю кесарево…
Явные признаки смерти можно констатировать на теле Клеопатры на следующей репродукции.
Картин, посвяшённых самоубийству Клеопатры не перечесть, но лишь на некоторых из них просматриваются реальные или близкие к ним анатомические признаки наступления её смерти.
В основном художники как бы обыгрывают эту историческую сенсацию и на своих полотнах каждый по— своему представляют это событие. Ближе всех реальный вид мёртвого тела Клеопатры, показался мне на полотне Риксена.
Рис 7. Смерть Клеопатры. Картина Жана Андре Риксена. 1874 г.
Картина отличается редкой реалистичностью смерти Клеопатры. Перед нами распростёртое мёртвенно-бледное тело, особенно лицо. На её ногах — тело Антония, который только что увидел мёртвой свою возлюбленную, и смерть ещё не обнажила свои роковые черты на его теле в сравнении с цветом прекрасного тела Клеопатры.
Следует подчеркнуть, что из прежних картин только на теле Христа художники отражали признаки смерти. Но тело Клеопатры и мёртвое выглядит весьма женственно.
Хотя четверо родов и страсть к оргиям, конечно, несколько уменьшили сексуальность её внешности, но она ещё сохраняла обаятельность и красоту.
Мне с т рудом удалось выбрать одну из множества картин с изображением умирающей или умершей Клеопатры, которая анатомически более реалистична, больше похожа на правду…
Все художники, рассказывая в своих картинах о трагической истории самоубийства прекрасной относительно молодой женщины, пытались совместить признаки смерти и сохранить её красоту и женственность. Но почти всегда проигрывали в реалистичности изображения её смерти Художники всё же не могли преодолеть своё желание показать красоту её тела, греша истиной в изображении смерти.
Как это видно, например, на полотне художника Гвидо Каньяччи «Смерть Клеопатры» (1658—1660).
Рис 8. Художественно-исторический музей, Вена / Guido Cagnacci «The Death Of Cleopatra» (Kunsthistorisches Museum, Vienna).
Художник явно переборщил, показав юную красивую обнажённую девушку, хотя Клеопатре при всей её сохранности и красоте было уже немного за 40 лет, но ему хотелось сделать то, что он не мог себе позволить, рисуя святых.
А Клеопатра была просто женщиной, хотя и царицей Египта.
В его Клеопатре нет каких либо признаков смерти, а показан только глубокий спокойный сон, если бы не навязчивый атрибут всей этой истории в виде змеи, которая присосалась к жертве как пиявка…
Источник: https://bravedefender.ru/izobrazhenie-smerti-v-zhivopisi/
Разбираемся в современном искусстве: главные работы Кусамы, Баскии и Буржуа
Творчество
Разбираемся в современном искусстве: главные работы Кусамы, Баскии и Буржуа
24 декабря 2019 1 956 просмотров
Олеся Ахмеджанова
Современное искусство часто вызывает много дискуссий. Разобраться в нем и понять, что хотел сказать художник, поможет книга «Главное в истории современного искусства» — новая часть в известной серии.
Без названия (Черный череп)
Главное в истории современного искусства
У Жана-Мишеля Баскии не было художественного образования, однако он стал известен во всем мире благодаря своей экспрессивной живописи, в которую добавил приемы граффити. Баския заимствовал образы из африканской, карибской, ацтекской и латиноамериканской культур. Писал он пастельными мелками, аэрозольными красками и акрилом, чередуя мазки с нанесением краски ручкой кисти.
Посмотрите на картину «Черный череп». Давайте попробуем в ней разобраться.
- Белый череп, похожий на галлюцинацию, парит над черным фоном, напоминая зрителям о быстротечности жизни.
- Баския использует уникальный прием, благодаря которому изображение становится похожим на рентгеновский снимок.
- Голова-череп передает идею внешней видимости и внутреннего мыслительного процесса.
- Весы символизируют противостояние различных взглядов, в том числе свободу самовыражения художника и общественные ограничения, с которыми ему приходилось сталкиваться.
Картина отсылает к классическому портрету в традициях культур Пуэрто-Рико и Гаити, куда уходят корни семьи художника. В «Черном черепе» прослеживается влияние экспрессионизма, в частности творческого метода Пауля Клее, и граффити. На полотне также отражены элементы афроамериканского опыта — размышления Баскии об истории и борьбе народов, населявших Америку.
Художник: Жан-Мишель Баския
Источник
После развода родителей Баския жил с отцом и сестрами в Пуэрто-Рико, но вскоре переехал в Нью-Йорк. С Алем Диасом и друзьями он рисовал граффити, подписанные псевдонимом SAMO. Вскоре Баския начал выставлять картины, акцентирующие внимание на темах сегрегации, бедности и расизма. Умер художник от передозировки героина в возрасте 27 лет.
Мама
В конце 1990 годов американская художница французского происхождения Луиза Буржуа создала несколько огромных скульптурных изображений пауков и дала им название «Мама» — в честь своей матери, умершей, когда Луизе был 21 год. «Моим лучшим другом была моя мама… Умная, терпеливая, спокойная, здравомыслящая, утонченная, изящная, ответственная, опрятная и приносящая пользу, как паук… Я никогда не устану изображать ее», — говорила художница.
Попробуем разобраться в этом удивительном предмете искусства.
- Тело этого монументального паука высоко поднято над землей.
- Его конечности образуют подобие готических арок; проходя сквозь них, посетители музея оказываются под брюхом паука.
- Это произведение полно противоречий: оно одновременно мощное и хрупкое, нежное и пугающее, заботливая мать и страшный хищник.
Подобный выбор объекта для скульптуры художница объясняла так: «Моя мама была ткачихой, как пауки….Подобно паукам, она была очень умна. Пауки — существа дружелюбные. Они едят комаров, а комары, как известно, переносчики болезней, потому мы их и не любим. Вот и получается, что пауки приносят пользу и защищают, как моя мама».
Художник: Луиза Буржуа
Невероятные женщины, которые изменили искусство и историю
Источник
Луиза Буржуа входит в число самых значимых скульпторов XX века. На протяжении долгой творческой жизни Луиза исследовала материалы и формы выражения. Созданные во многом под влиянием детских травм, ее работы в живописи, гравюре, скульптуре, инсталляции и перформансе оказались действительно новаторскими. Несомненно влияние Буржуа на искусство инсталляции и на движение феминистского искусства.
Вся моя вечная любовь к тыквам
«Вся моя вечная любовь к тыквам» передает опыт с детства мучивших художницу галлюцинаций, включая видения о плывущих по воздуху предметах и замкнутом пространстве. Яёи Кусама воплощает беспокойство и чувство тревоги с помощью точек, повторений, зеркал и ярких красок.
Разбираемся в «Тыквах» вместе.
- Создавая это пространство, Яёи Кусама обратила особое внимание на расположение форм и зеркал, игру света и отражения.
- Большие акриловые желтые тыквы в черный горошек заполняют все пространство.
- Отражения в зеркалах создают иллюзию бесконечного множества тыкв, тянущегося на огромное расстояние.
Работа выражает мысли Кусамы о жизни, смерти и бесконечности. Зрителей приглашают войти в инсталляцию по одному или по двое, чтобы они могли увидеть и собственные отражения среди тыкв под неожиданными углами света.
Кусама заметила, что для нее каждый черный кружок повторяет солнце — символ энергии — или луну — символ спокойствия и безмятежности.
Кроме того, она описала использование принта в виде черных кругов как способ самоуничтожения.
Художник: Яёи Кусама
Источник
Самая известная современная японская художница, Кусама родилась в городе Мацумото. До переезда в Нью-Йорк в 1950 годах она изучала живопись в Киото, а к середине 1960-х состоялась как автор провокационных работ. Кусама исследует свою идентичность через призму собственной душевной болезни. Художница вернулась в Японию в 1973 году. Ее инсталляции высоко ценятся во всем мире.
По материалам книги «Главное в истории современного искусства»
Обложка отсюда
Источник: https://blog.mann-ivanov-ferber.ru/2019/12/24/razbiraemsya-v-sovremennom-iskusstve-glavnye-raboty-kusamy-baskii-i-burzhua/
Beat Weekend: пять самых известных работ художника Жан-Мишеля Баския
SAMO
История творческого успеха Баския начинается с многочисленных граффити — надписей в духе панковской идеологии с тэгами «SAMO», которые заполонили Нижний Манхэттен с 1977 по 1980 годы. Эти надписи Баския создавал в соавторстве с другом Al Diaz: в них есть и критика общества потребления, и критика засилья рекламы, и более поэтические многозначные высказывания. Искусствоведы считают самой знаковой фразу «SAMO is dead», сделанную в 1980 году, когда художники окончательно порвали и с надписями, и с совместным творчеством.
Панк панком, но современники сразу обратили внимание, что все надписи появлялись в районах Сохо и Ист-Виллидж, где в то время обитала нью-йоркская арт-богема и находилась Школа визуальных искусств. Они понимали, что массой надписей молодой художник из Бруклина обеспечил себе рекламу и будущее в арт-среде.
«Без названия (Череп)», 1981 год
Картина считается одним из первых произведений, которое Баския создал на холсте, а не на уличной стене. Оно было представлено на дебютной выставке художника.
На создание картины его вдохновил учебник «Анатомия Грея», который Жан-Мишель прочитал в семилетнем возрасте, а также эстетика карты нью-йоркского метро и размышления о смерти. Кстати, постоянное обращение к подобным образам позволило искусствоведам считать его продолжателем европейского жанра ванитас, который фокусировался на тщетности земного бытия.
В авторской версии картина не имеет названия. Черепом ее окрестили позднее для удобства идентификации по весьма видимым причинам: зубы и челюсти здесь не имеют кожи, как и череп, а вот глаза вполне живого человека. Художник представил образ живого и одновременно мертвого существа. Более того, голова человека как будто вскрыта и внутри мы видим комнаты подсознания.
«Бог, закон», 1981 год
Рисунок маслом на бумаге не оставляет сомнений о сути художественного высказывания: некий закон перевешивает на весах бога, что происходит не без помощи долларов, переманивающих как магнит черные точки веса в нужную чашу.
Баския — один из тех редких художников, которые просто и прямолинейно высказывались о несправедливости общественного устройства и коварстве денежного мира.
Несмотря на то, что это изображение создано для выставки в галерее, оно выполнено в технике уличного рисунка.
Стрит-арт в данном случае и есть искусство бедных художников, не обремененных коммерческим успехом и богемной жизнью галерейных подопечных.
«Олимпийские кольца» Жан-Мишель Баския и Энди Уорхол, 1985 год
Помните, как Олимпийские игры в Сочи вдохновили Василия Слонова на серию плакатов? В творчестве Баския тоже такое случалось. После Олимпийских игр в Лос-Анджелесе совместно с Энди Уорхолом, с которым они дружили и работали вместе с 1983 по 1985 годы, он создал серию картин «Олимпийские кольца». Неудивительно, что два художника, которые критически переосмысливали образы рекламы в своей живописи, взялись за этот сюжет.
Энди Уорхол от руки создал вольную импровизацию на тему всемирно узнаваемого символа главного спортивного события планеты, а Баския разместил посередине крупную маскоподобную голову афроамериканского спортсмена — обобщенный лик афроамериканских звезд прошедшей Олимпиады. Например, Джэсси Оуэнса, Карла Льюиса, Томми Смита и Джона Карлоса. К слову, маскоподобные лица, характерные для картин Баския, продолжают в его творчестве традиции этнического гаитянского искусства.
«Трубач», 1984 год
А вот самый популярный символ в творчестве Баския — корона. Часто такая корона обозначает высокие интеллектуальные и духовные достоинства представленного персонажа. Здесь изображен афроамериканец-трубач на белом фоне в окружении ярко красных краев. Из трубы вылетают буквоподобные знаки, часть из которых перечеркнута, давая представление об импровизационном характере музыки.
Это произведение дополняет портрет самого Баския, который помимо живописи любил музыку, даже создал собственную индастриал-группу Gray вместе с художником-авангардистом Майклом Холманом.
Трубач, конечно, играет джаз и символизирует борьбу афроамериканского народа за свои права в период расизма.
Сам же Баския предпочитал, чтобы его считали художником вообще, не обращая внимание на расу, так как творческие и любые другие способности человека от этого не зависят.
Источник: https://cultura24.ru/articles/12420/
Ганс Гольбейн Младший «Послы» | Капля света
- Главная » История одной картины » Ганс Гольбейн Младший «Послы»
- Рубрика «История одной картины»
- Холст, масло, 1533 год, 207 на 209 см
В который раз убеждаюсь, что время художника, люди, его окружающие, политические и религиозные движения в обществе – всё это непосредственно влияет на его творчество, отражается в произведениях. Мысль кажется очевидной, но многие художники утверждают, дескать, им нет дела до внешнего, главное для них – творить. Здесь об этом написано подробнее, и тема вызвала немалую дискуссию.
Итак, Ганс Гольбейн Младший (1497 – 1543), немецкий художник и его картина «Послы».
В 1529 году английский король Генрих VIII обратился к папе римскому с просьбой расторгнуть его брак, чтобы он мог жениться на другой, Анне Болейн. Папа отказал, тогда король разорвал отношения с Ватиканом, а в 1534 году сам стал главой Английской Церкви.
Так начался церковный раскол в Англии, или иначе – Реформация.
В Германии в то время тоже было не спокойно. Ганс Гольбейн в 1532 году переезжает в Англию и становится придворным живописцем Генриха VIII.
Впереди замечательно выполненные и интересные с исторической точки зрения портреты короля, его многочисленных жён, дочерей и близких друзей. Так и с картиной «Послы». Двойной портрет выполнен в 1533 году по заказу Жана де Дентельвиля, посла французского короля в Англии (он слева).
Второй человек на картине – друг Жана, Жорж де Сельв, епископ французского города Лавура.
Картина интересна своей композицией и скрытыми смыслами. Два молодых человека (обоим нет и 30, это зашифровано в картине) изображены в полный рост, по обе стороны от центра.
В центре – этажерка, покрытая восточным ковром и уставленная разными предметами – они составляют суть увлечений послов, показывают их миссию и пристрастия.
На верхнем ярусе расположены приборы, связанные с небесным (астрономический глобус, гномон, квадрант), на нижнем – с земным (земной глобус, карты, циркуль, лютня, книги).
Особое внимание нужно обратить на сборник святых гимнов, переведённых Мартином Лютером на немецкий язык (раскрытая книга на нижней полке).
Гимны выбраны так, что не противоречат главным заповедям христианства (без разделения на католиков, протестантов и прочее).
Так Гольбейн показывает взгляды епископа Сельва и свои взгляды на существовавшую тогда религиозную ситуацию – реформировать церковь, но не отделяться от Ватикана.
- Человек, если ты хочешь быть счастливым,
И пребывать в Боге вечно,
Ты должен придерживаться Десяти заповедей, - Данных нам Богом.
- И как бы в подтверждение этому, слева из-за бархатной зелёной занавески выглядывает распятие – бог всегда следит за нами (интересно, что распятие, в отличие от всей картины – чёрно-белое).
Итак, одна сторона истории картины Гольбейна «Послы» — земная жизнь, полная открытий в небе и на земле, философских и морально-этических дискуссий. Но есть и вторая, скрытая.
При маленьком размере изображения (на экране монитора) сразу в глаза бросается продолговатое пятно на полу между двух послов и даже угадывается, что это. Если же смотреть на картину в реальном размере (напомню, картина два на два метра), то пятно принимает свои истинные очертания при просмотре сбоку на расстоянии двух, трёх метров.
Приведу красочную цитату историка искусства Юргиса Балтрушайтиса из его книги «Анаморфоза» (1955):
«Первое действие разыгрывается, когда зритель входит через главную дверь и оказывается на некотором расстоянии от двух господ, выступающих в глубине, как на сцене. Он восхищен их позами, пышностью сцены. Единственное, что нарушает гармонию, — это странное тело у ног персонажей.
Физический, материальный аспект видения ещё более усиливается, когда приближаешься к картине, но странный предмет становится еще менее понятным. Обескураженный посетитель уходит в правую боковую дверь, единственно открытую, и тут начинается второе действие.
Уже выходя в соседний зал, он поворачивает голову, чтобы в последний раз взглянуть на картину, и тогда вдруг всё понимает: ракурс полностью скрывает сцену и делает видимым скрытое изображение. На месте прежнего великолепия он видит череп.
Персонажи и все их научные приборы исчезают, а на их месте возникает знак Конца. Пьеса завершается».
Гольбейн прибегнул к анаморфозе (намеренное искажение формы). И, когда зритель начинает видеть череп – всё остальное уходит на второй план. Что хотел сказать Гольбейн? Что бы ни было, всегда конец один – смерть? Memento mori – таков девиз Жана де Дентельвиля. Гольбейн и это отобразил на портрете.
P.S. Искусствоведы утверждают, что на картине можно найти три черепа! Один – анаморфоза, другой – брошь на берете де Дентельвиля, а третий – в черепе-анаморфозе, нужно лишь смотреть под определённым углом. Третий я не увидела, как не старалась.
Сейчас картина «Послы» находится в Лондонской национальной галерее.
Вам понравилась статья? Поделитесь ею со своими друзьями, нажав кнопку соц. сервиса или «retweet».
- Вопросы, жалобы, предложения, пожелания и замечания по данной статье можете оставить здесь:
Источник: http://kaplyasveta.ru/istoriya-odnoj-kartiny/gans-golbejn-mladshij-posly.html
Жан-Мишель Баския: кто он и почему о нем стоит посмотреть кино
В российском прокате до конца января можно посмотреть документальный фильм «Баския: Взрыв реальности» о начале карьеры художника, который в последние годы стал мега-звездой арт-рынка.
Полтора года назад на аукционе Sotheby's японский коллекционер Юсаку Маэдзава купил картину Жана-Мишеля Баскии «Без названия» за $110,5 миллиона. На двухметровом полотне на ярком бирюзовом фоне то ли портрет, то ли зловещий череп, нарочито небрежно набросанный черной краской — вполне типичный для художника сюжет.
Над лохматым чудищем — крестики-нолики, в которые он, кажется, играет с самой судьбой. Теперь это самая дорогая картина Баскии, проданная на открытом рынке, самая дорогая работа американского автора (он обогнал даже своего друга Уорхола) и рекорд для произведения искусства, выполненного после 1980 года.
Неплохо для парня, который в конце 70-х жил на улице и пытался продавать открытки за пару баксов. Забавно, что Маэдзава, который скупает на аукционах Баскию и других послевоенных художников для будущего музея, еще годом раньше купил аналогичную работу вдвое дешевле, но тут, видимо, вошел в раж в азартной аукционной борьбе.
И если десять лет назад пара миллионов за картины «черного Пикассо» казались безумием, что говорить о нынешних рекордах. Впрочем, миллиардер из первой двадцатки японского списка Forbes имеет право на причуды.
Жизнь Жана-Мишеля, этого «enfant terrible современного искусства» (один из многих титулов, придуманных арт-критиками), была стремительной.
Его отец был гаитянином, мать — пуэрториканкой, и именно она водила его по музеям, показывала картины Пикассо и всячески поддерживала интерес к искусству. С детства он говорил на трех языках — английском, испанском и французском и рано научился читать.
В семь лет его сбила машина, и мать принесла в больницу классический учебник по анатомии и хирургии — «Анатомию Грея», совсем не детское чтение, которое потом проявится в картинах.
Родители развелись, мальчик остался с отцом, и все пошло наперекосяк — психическое расстройство матери, побои отца, первые наркотики и побеги из дома. В 16 лет Баския ушел насовсем, перебрался из Бруклина на Манхэттен, бродяжничал, продавал самодельные открытки и разрисованные футболки.
Сначала Баския играл на кларнете в группе таких же бедолаг, названной Gray под впечатлением от того учебника анатомии, прочитанного в раннем детстве. Играли что-то между хип-хопом и джазом, но, видимо, неплохо — несколько раз их показали по кабельному телевидению.
А потом взял в руки баллончик с краской и вместе с приятелем стал рисовать на манхэттенских стенах. Друзья подписывались SAMO — сокращенное от «same old shit» («все то же старое дерьмо»), которое, согласно их посланиям, подменяло искусство, авангард, бога и дальше по списку.
Ночующий в сквотах и парках подросток влился в богемную тусовку и стал частью нью-йоркского андеграунда. Как оказалось позже — едва ли не самой яркой и успешной частью.
А дальше понеслось. Один из новых друзей позвал его сняться в фильме, героем которого был молодой начинающий художник, и Жану-Мишелю купили холст и краски — до этого на такую роскошь у него не было денег.
Потом его заметила главный редактор серьезного журнала «Артфорум» Ингрид Сисчи и выпустила несколько статей, которые не остались незамеченными в арт-мире. Следом его пригласили принять участие в настоящей выставке в Центре современного искусства.
Выставка называлась New York/New Wave и представляла полсотни молодых художников, причем Баские выделили отдельный зал. После вернисажа он стал звездой.
Еще через год — художнику исполнилось 21 — маститая галеристка Аннина Нозей устроила первую персональную выставку Баскии в своей галерее в Сохо. В первый же вечер коллекционеры раскупили все до одной картины.
Потом были путешествия и участие в престижных выставках, роман с юной Мадонной, которая как раз выпустила первый сингл Everybody (после расставания он заставил ее вернуть все подаренные картины и закрасил их черной краской) и знакомство с кумиром Энди Уорхолом. Вместе они написали больше сотни холстов. Критики громили их, а теперь музеи посвящают им специальные выставки.
Первые работы Баския писал на всем, что попадалось под руку — подобранные на помойках покрышки, старые двери.
Но и когда у него появилась своя студия и холсты, он сохранил стилистику граффити, брутальный, первобытный подход к изображению, который арт-критики назовут неоэкспрессионизмом.
Среди частых тем — сложная судьба темнокожих музыкантов и художников, череп как символ быстротечности жизни, корона, напоминающая терновый венец — еще одна горькая аллегория творческих метаний.
Успех принес деньги, но для Баскии это была довольно странная субстанция. Картины росли в цене, в середине 80-х они продавались по $50 тысяч, но у него не было банковского счета и он хранил пачки купюр дома среди хлама.
Он покупал костюмы от Armani, во время работы заляпывал их краской и так и приходил на вернисажи. И надо ли говорить, что богемную жизнь сопровождали алкоголь и наркотики.
В 27 лет он умер, перебрав одновременно с кокаином и героином.
Фильм «Баския: Взрыв реальности», снятый женой и музой Джима Джармуша Сарой Драйвер, рассказывает начало истории — от ранних граффити до продажи первой картины. Если захочется продолжения — посмотрите двадцатилетней давности художественную картину «Баския», которая как раз рассказывает про десять следующих лет, от первого успеха до трагического финала. Байопик, как и новая документалка, снят непосредственным участником событий и другом художника Джулианом Шнабелем, который до увлечения кино тоже входил в группу неоэкспрессионистов. Баскию там сыграл Джеффри Райт, а Энди Уорхола — Дэвид Боуи. Ранняя смерть наложила романтический отпечаток на всю жизнь художника, и этот образ активно поддерживают две его сестры, основавшие фонд его имени. Они же регулярно выставляют работы на аукционы, а теперь еще и участвуют в постановке мюзикла на сюжет его жизни на Бродвее — трагические истории всегда хорошо продаются.
Расписание сеансов «Баския: Взрыв реальности»
Видео дня. Любимые порочные привычки Татьяны Пельтцер
Источник: https://kino.rambler.ru/other/41606303-zhan-mishel-baskiya-kto-on-i-pochemu-o-nem-stoit-posmotret-kino/
Черепа в картинах
Аналитика работ, где в том или ином виде встречается череп.
Череп в живописи
Человеческий череп является предметом описания во многих картинах, и, зачастую, олицетворяет смерть и разруху. Говоря об этих костях, невозможно пройти мимо аллегоричных натюрмортов.
Натюрморт с черепом
Ванитас
Работы в стиле «Суета сует» несут в себе идею тщетности бытия и бессмысленности земных богатств. Помимо деталей второстепенных, например увядших цветов, мыльных пузырей, оружия, атрибутики государственной власти, многие картины изображают человеческий череп. Он, в контексте натюрморта, символизирует скоротечность жизни.
Однако, не все живописцы используют кость в написании «ванитас». Например Винсен ван дер Винне доносит аллегорический смысл в одной из своих работ, изображая клинок, стеклянный шар, старые книги и другие «типичные» элементы.
Череп как символ беды
Известный модернист, Густав Климт, в своем творчестве неоднократно использовал череп. В работе «Надежда II» кость (возле живота героини) олицетворяет опасность, преграждая дорогу к счастью. Удивительно, что автор, чьи работы полны золотых красок и светлых оттенков затрагивает подобные темы, однако мрачности средневековых картин в них нет.
В качестве атрибута Смерти (головы) череп выступает на ряде картин разных жанров, в том числе и у Климта. В работе «Смерть и жизнь» фигура в расписном одеянии играет «саму себя».
Смерть и жизнь
Виллем де Портер рисует Смерть в виде скелета в работе «Ростовщица и смерть», в жанре «Суета сует», о котором упоминалось выше.
Ростовщица и смерть. Виллем де Портер.
Иероним Босх, в традициях Memento Mori, изображает сухую старуху в работах «Смерть и скупой» и «Смерть грешника». Главные антагонисты работ изображены в похожей манере.
Василий Верещагин изображает пирамиду из черепов людей, ставших жертвами военных действий. Пирамиды построены на манер тех, какие приказывал возводить полководец и завоеватель Тамерлан. Несмотря на преобладание светлых красок, атмосфера картины гнетущая и печальная.
Апофеоз войны
Заключение
Картины, на которых присутствует человеческий череп, независимо от жанра и даты написания, в большинстве своем выражают упаднические настроения, грустные мотивы, служа атрибутом опасности или символом поражения.
Всадник по имени Смерть
То же самое можно сказать и про черепа животных. Например, в «Семи актах милосердия» Самсон утоляет жажду, испивая из ослиной челюсти, которой, согласно Завету, убил сотни человек.
Использование черепа говорит о том, что в работе затрагивается смерть и сопряженные темы.
Источник: https://artrue.ru/articles/novel/cherepa-v-kartinax.html
Натюрморты с черепами
Если смотреть подряд много картин в жанре натюрморта, особенно — созданных в XVII веке, поражает, насколько часто в них попадаются человеческие останки. Почему? Что скрывает их шифр?
Sébastien Bonnecroy. Vanitas. 1641
Если в натюрморте среди других предметов вы видите череп, то практически сто процентов, что картина относится к поджанру, который называется латинским словом «ванитас». Это слово из Ветхого Завета, из первой строчки книги Экклезиаста: «Суета сует, сказал Екклесиаст, суета сует, — всё суета!»
Joannes de Cordua. Vanité au buste. 1665
Натюрморт в жанре «ванитас» — это конкретная такая аллегория; картина, нашпигованная зашифрованными символами, как селедка под шубой — селедкой. Хотя все эти картины в первую очередь красивы (ибо мастера были отличными художниками), но главное в них, в первую очередь, именно этот смысл.
Carstian Luyckx, Memento Mori still life with musical instruments, books, sheet music, skeleton, skull and armour. 1667/68 (?)
Попробуем расшифровать один из таких ребусов:
Разбитый стакан для вина — символ хрупкости человека, и смерти. Песочные часы — того, как быстро бежит время; рядом карманные часы (на голубой ленте), они подчеркивают эту мысль. Роза — символ любви, то есть того, что совершенно точно кончается, и вообще представляет из себя вранье.
Ракушки — останки умерших моллюсков, и вдобавок символ греха похоти… и так далее. Hendrick Andriessen — Vanitas still life with a skull, a broken Roemer. 1630-40
Но самое главное в композиции, задающее главную интонацию, это именно череп. Он говорит зрителю: я — твое отражение, ты будешь таким, смотри на эту красивую картину с вкусными вещами, но помни, что несмотря на все наслаждения ты станешь точно таким же как я, голым черепом, пустотой.
Символика эта очень стара: и у древних римлян есть мозаики с изображением черепа или скелета и надписью «помни о смерти» (мементо мори).
Andrea Previtali. Portrait of a Man — Memento Mori. 1502
Больше всего натюрмортов «ванитас» писали в 17 веке, в эпоху барокко, когда люди любили трепетать и содрогаться. В последующую эпоху Просвещения эта мода постепенно сходит на нет, хотя отдельные образцы, продолжающие жанр, встречаются.
Лично мне очень интересно смотреть, как эта традиция иногда мелькает в 21 веке, когда в нее играют люди, которым тоже интересно помнить о символике вещей и о том, что в сущности предметы роскоши — это символы грехов, портящих нашу душу и тело.
By David Cahill, 2009 (?)
***
Покупайте мою книгу «Омерзительное искусство». Там все такое же… гм… доброе. И красивое на ОЗОНЕ.
Подпишитесь на мой канал об искусстве на яндекс-дзене! Или лучше, чтобы ничего не пропускать, подписывайтесь на мой телеграм-канал, у меня всегда столь же весело и жизнерадостно.
Источник: https://zen.yandex.ru/media/id/592e89117ddde8b70fb1ba03/5bb8f023084c6600ac9a0bd7
Это лишь у тебя в голове: образ черепа в современном искусстве — Офтоп на TJ
Череп homo sapiens — образ с огромным количеством отражений в искусстве совершенно разных эпох. Костная часть головы уже много веков символизирует опасность, агрессию.
Но главное — символ неотвратимости смерти. Поэтому художники продолжают изображать черепа в своих работах.
Разберем, как интерпретировали «черепную тематику» в самых известных, культовых или интересных произведениях XX века и современных образцах.
Сальвадор Дали. «In Voluptas Mors»
В 1951 году великий художник вместе с родоначальником сюрреализма в фотографии Филиппом Халсманом создали снимок «In Voluptas Mors», что с латыни можно перевести как «Смерть в наслаждении».
Череп состоит из семи обнажённых натурщиц. Снимок, который создавали три часа, вдохновлен жанром живописи эпохи барокко под названием vanitas. Натюрморты этого направления объединяет стремление показать скоротечность жизни, неотвратимость смерти и бесполезность удовольствий.
Череп — главный образ в таких картинах. Особенность работы «In Voluptas Mors» заключается в попытке эту же идею передать через женскую обнаженную натуру. Соединение секса и смерти в одном образе. Нельзя также забывать, что на снимок помещен не только череп, но и сам Дали.
Возможно, тем самым противопоставляется мужское и женское начала.
Кстати, приглядитесь как-нибудь внимательнее к бабочке на постере фильма «Молчание ягнят».
Источник: wikiart.org
Дэвид Датуна. «Life is Beautiful»
«Жизнь прекрасна» — самая молодая работа среди представленных здесь. За ней стоит личная история Датуны. Когда-то у художника диагностировали рак. Врачи спрогнозировали, что Дэвиду осталось жить не больше полугода. По словам художника, тогда он «впитывал секунды и наслаждался каждым моментом, где жизнь на острие меча». Недуг миновал, а впечатление вылилось в «Life is Beautiful».
Огромный яркий череп сделан из очковых линз, на каждой из которой выгравировано «Life is Beautiful». Работа символизирует импульс творческой энергии, который может произойти только в момент абсолютного страха перед смертью. Когда близок конец, жизнь ощущается слаще. И нужно успевать чувствовать красоту в любой момент, пока не станет слишком поздно.
Источник: instagram.com/david_datuna
В 1968 году Уорхол пережил три выстрела от известной радикальной феминистки Валери Соланс. Художник перенес клиническую смерть и долго восстанавливался после инцидента. Естественно, покушение сильно повлияло на дальнейшее творчество иконы поп-арта, который и до этого неоднократно обращался к теме смерти.
В работе 1976 года изображено шесть черепов с фонами разных цветов: от ярких до серых. Возможно, художник старался показать разные вариации смерти человека. Неизменным остается то, что во всех шести черепах абсолютно темные и жуткие полые глазницы.
Интересная деталь: силуэт тени черепов напоминает профиль карапуза. Намеренная деталь или просто красивое домысливание, но появляется красивая метафора — рождение и смерть неотъемлемая часть нашего бытия.
Источник: i.pinimg.com
Дэмиен Херст. «For the Love of God»
Самое дорогое произведение из ныне живущих художников стоимостью в 100 миллионов долларов. Платиновая копия черепа европейца, который жил между 1720 и 1810 годами, инкрустированный 8601 бриллиантами. Венчает работу огромный розовый алмаз во лбу черепа.
Дэмиен Херст оставляет на суд зрителю, что же он заложил в довольно эпатажную и китчевую работу. Одна из трактовок: человек тлеет, бриллианты куда долговечнее. «For the Love of God» — символ надежды на вечную жизнь и попытка обессмертить божье творение. Хотя, решайте сами.
Источник: artinvestment.ru
Такаси Мураками. «Blue Flowers & Skulls»
Работа 2012 года и одноименная выставка, без преувеличения, самого вкусного и конфетного японского художника стала исследованием контраста радости и ужаса, переданного через улыбающиеся цветы и гротескные черепки. Собственно, в картине сопоставляется не только жизнь/смерть, но конфликт восточной/западной культуры и даже Японии корневой/современной.
Как и многие из работ Мураками, от картины очень трудно оторвать взгляд, хочется увидеть все детали. Тем не менее, испытываешь любопытный дискомфорт из-за обилия всего-всего и в целом депрессивного образа.
Источник: gagosian.com
Рихтер Герхард. «Skull with Candle»
Творчество известного немецкого художника очень разнообразно. В разное время Герхард создавал то абсолютно минималистичные работы, то невероятно фотореалистичные портреты и пейзажи, то абстрактные и авангардные работы. Но сейчас нас интересует «Skull with Candle» («Schädel mit Kerze»).
В начале восьмидесятых Рихтер написал целую серию работ, посвященных минималистичным натюрмортам со свечами. Кстати, любители альбома «Daydream Nation» группы Sonic Youth знают, что на обложке пластинки изображен фрагмент одной из таких картин. Аналогичную серию художник сделал и с черепами.
Соединив два образа, в 1982 родилась «Skull with Candle». Ассоциации с жанром vanitas приходят сами собой. Натюрморт соединяет в себе и образ смерти, и пастернаковской свечи, как символа жизни, творчества, надежды.
Источник: gerhard-richter.com
Жан-Мишель Баския. «Череп»
Любители стрит-арта точно знакомы с Баскией. Легенда нью-йоркского граффити, а позже известный неоэкспрессионист, успел поработать и сильно сдружиться с Уорхолом. Но, в данном случае нас интересует его работы «Череп» и «Неназванная» 1981 и 1982 года соответственно.
«Череп» интересен тем, что по форме голова на картине очень похожа на костную часть головы, но с глазами, губами, волосами, носом и чем-то напоминающим уши. Яркие внутренности головы напоминают чердаки, трущобные закоулки.
Работа производит интересный эффект — чем больше в нее всматриваешься, тем больше деталей в ней перестают напоминать реальные объекты.
Произведение можно оценить, как реакцию Баскии на положение афроамериканцев в США на тот момент.
Работа «Неназванная», что забавно, куда больше напоминает череп и ближе к традиции американского граффити. В 2017 году картину продали за 110,5 миллионов долларов японскому бизнесмену — рекорд для Баскии. К сожалению, Жан-Мишель не дожил до такого абсолютного успеха, так как художник скончался в 1988 году от передозировки наркотиков.
Источник: wikiart.org Источник: wikiart.org
Субодх Гупта. «A Very Hungry God»
Субодх очень любит демонстрировать свои индийские корни в создаваемых скульптурах. Пожалуй, его самой известной работой стал «Очень голодный бог» 2006 года — гигантский череп, полностью состоящий из контейнеров, кастрюль, сковородок и прочей кухонной нержавеющий утвари.
В индийской культуре трапезы есть «Tiffin». Это что-то вроде легкого завтрака или полдника. Торговцы весь день перевозят «тиффины» по индийским городам, чтобы доставить маленькие нержавеющие ланч-боксы с едой любым желающим. Вечером семьи ужинают из «тиффинов» побольше.
«A Very Hungry God», с одной стороны, дань родной культуре, с другой — большая метафора человеческой общности. В любой культуре есть свои «тифины», у всех нас одинаковые внутренности, все мы смертны, все «питаем» одного бога. Интерес к данной работе не утих и спустя десять лет, а произведение активно катают по европейским выставкам.
Источник: ru.wikipedia.org
Материал опубликован пользователем. Нажмите кнопку «Написать», чтобы рассказать свою историю.
Написать
Источник: https://tjournal.ru/flood/74189-eto-lish-u-tebya-v-golove-obraz-cherepa-v-sovremennom-iskusstve
Загрузка...
