Шагал марк «освобождение» описание картины, анализ, сочинение

В сентябре 1928 года в жизни 22-летнего Филиппа Халсмана (Philippe Halsman) случилась трагедия. Его обвинили в убийстве своего отца, который погиб, сорвавшись с горы во время похода по австрийскому Тиролю. Свидетелей произошедшего не оказалось.

Суд не поверил в несчастный случай, в регионе как раз зарождался антисемитизм и Филиппа Халсмана приговорили к десяти годам лишения свободы в виде каторжных работ. Сестра Люба много хлопотала за его освобождение.

В конце концов, осуждённого поддержали видные европейские умы, включая Фрейда, Эйнштейна, Томаса Манна, Анри Герца и Поля Пенлеве. В 1930 году Филиппа помиловали и освободили при условии, что он покинет Австрию.

Халсман перебрался во Францию. Сотрудничество с такими модными журналами, как «Vogue», «Vu» и «Voila» вскоре принесло ему репутацию одного из лучших фотографов-портретистов страны. Но когда Францию захватила Германия, пришлось бежать в Марсель. Получить американскую визу Халсману помог Альберт Эйнштейн.

В Соединённых Штатах начался самый плодотворный и успешный период жизни Филиппа Халсмана, поэтому его часто называют американским фотографом. В 1942 году он нашёл работу в журнале «Life», а в последующие годы 101 из его фотографий напечатали на обложке этого издания.

В 1941 году Халсман встретил художника Сальвадора Дали. В конце 1940-х они принялись плодотворно сотрудничать. В 1948 создали изображение «Дали Атомикус» (Dali Atomicus), в котором запечатлены три летящие кошки, ведро вылитой воды и Дали в воздухе. Вдохновением для этой работы послужило открытие планетарной модели атома. Потребовались 28 попыток, чтобы снимок получился удачным.

Шагал Марк «Dali Atomicus», 1948.

В 1954 году Халсман и великий сюрреалист выпустили сборник «Усы Дали» (Dali's Mustache). Ещё одним выдающимся фотоперформансом стал сюрреалистический портрет Дали рядом с большим черепом, состоящим из семи обнажённых женщин. Халсман три часа расставлял моделей по эскизу Дали. Работу назвали «Смерть в наслаждении» (In Voluptas Mors).

В 1947 году Халсман сделал один из самых известных портретов Альберта Эйнштейна. Учёный во время фотосессии с сожалением говорил о своей роли в разработке атомной бомбы в Соединённых Штатах. Это фото позже, в 1966 году, использовали на почтовой марке США, а в 1999 напечатали на обложке журнала «Time», когда Эйнштейна назвали «человеком столетия».

В 1951 году Халсман по заданию NBC сфотографировал популярных комиков того времени: Милтона Берла, Сида Цезаря, Маркса Граучо, Боба Хоупа. Многих артистов он запечатлел в воздухе.

Позже в той же манере он сделал портреты в прыжке других знаменитостей, среди них семья Форда, герцог и герцогиня Виндзор, Мэрилин Монро, Мария Феликс и Ричард Никсон.

 В 1959 году Филипп Хальсман выпустил книгу «Прыжок», которая стала классикой фотоискусств. В неё вошли 178 фотографий прыгающих знаменитостей.

Шагал Марк Филипп Халсман, 1954.

«Когда вы просите кого-нибудь подпрыгнуть, то всё его внимание направляется на акт прыжка и маска спадает, так что появляется реальное лицо человека», – говорил фотограф.

Он практиковал разнообразные фотографические методы, необычное освещение, нестандартные ракурсы, оригинальные композиции и др.

Все усилия фотограф направлял на то, чтобы передать в снимке, что человек из себя представляет на самом деле.

Халсман всегда восхищался человеческим лицом, вглядываясь в которое, всю жизнь пытался разгадать загадку людской природы. Должно быть, это помогло ему стать гениальным фотографом портретного жанра.

Среди других знаменитостей, сфотографированных Халсманом: Альфред Хичкок, Мартин Льюис, Джуди Гарленд, Уинстон Черчилль, Мэрилин Монро, Дороти Дэндридж, Пабло Пикассо, Марк Шагал, Ле Корбюзье, Андре Мальро, Фрэнк Синатра, Элизабет Тейлор, Одри Хепбёрн, Софии Лорен, Мохаммед Али.

В 1958 году журнал Popular Photography Magazine включил Халсмана в список «Десяти величайших фотографов в мире». А в 1975 он получил премию за достижения в области фотографии от Американской ассоциации журнальных фотографов, в которой был избран первым президентом в 1945 году. Знаменитый фотограф-портретист провёл много крупных выставок по всему миру.

Филипп Халсман скончался 25 июня в 1979 году в Нью-Йорке. В 2006 году в Риге установили памятник фотографу рядом с домом, в котором когда-то жила его семья.

Шагал Марк Филипп Халсман, 1954.

«В юности я в основном интересовался литературой и мечтал стать писателем. Писателями, которыми я восхищался, прежде всего, были Толстой и Достоевский.

Оба очень мало интересовались стилем, и оба использовали язык не как художественный инструмент, а только как средство для ясного выражения своих мыслей.

Меня поразила их психологическая глубина, их честность и отсутствие искусственности. Это качества, которых я пытался достичь в своих фотографиях», – Ф. Халсман.

  • Шагал Марк Эва Мари Сейнт.
  • Шагал Марк Одри Хепберн, 1955.
  • Шагал Марк Софи Лорен, 1955.
  • Шагал Марк Грейс Келли, 1955.
  • Шагал Марк Филипп Халсман и Грейс Келли.
  • Шагал Марк Брижит Бардо, 1955.

Шагал Марк Мэрилин Монро в студии Халсмана. Нью-Йорк, 1959.

Мэрилин Монро в студии Халсмана. Нью-Йорк, 1959.

  1. Филипп Халсман и Мэрилин Монро.
  2. Французский писатель Франсуа Мориак рядом со своим домом под Бордо.
  3. Дин Мартин и Джерри Льюис, 1951.
  4. Американский физик Роберт Оппенгеймер, 1958.
  5. Энтони Перкинс.
  6. Гарольд Ллойд.
  7. Беннетт Серф.
  8. Эдвард Стайхен, 1959.
  9. Герцог и герцогиня Виндзорские, 1958.
  10. Герцог и герцогиня Виндзорские, 1958.
  11. Ричард Никсон, 1959.
  12. Рэй Болджер, 1950.
  13. Уильям Холден, 1954.
  14. Деннис Дэй, 1952.

Французский актёр Фернандель. Нью-Йорк, 1948.

  • Джин Сиберг с кошкой, 1959.
  • Бенни Гудмен, 1957.
  • Джеки Глисон, 1955.
  • Ширли Маклейн.
  • Французский певец Морис Шевалье, 1958.
  • Британский актёр и режиссёр Питер Устинов,1955.
  • Дональд О'Коннор.
  • Лина Хорн.
  • Дэнни Кей, 1954.
  • Ава Гарднер, 1954.
  • Марта Грэм и Мерс Каннингем.
  • Актер Граучо Маркс, 1952.
  • Итальянская актриса Джина Лоллобриджида,1954.
  • Дик Кларк, 1952.
  • Фотограф Виджи (Артур Феллиг), 1961.
  • Марк Шагал, Франция, 1955.
  • Актриса и продюсер Джоан Вудворд.
  • Журналистка Дороти Килгаллен.
  • Журналист Мюррей Кемптон.
  • Дэвид Сарнофф, генеральный директор Корпорации Радио Америки.
  • Лили Кристин, девушка-кошка.
  • Сальвадор Дали.
  • «Смерть в наслаждении» («In Voluptate Mors»), Сальвадор Дали, 1951.
  • Сальвадор Дали, 1951.
  • Сальвадор Дали, 1951.
  • Циклоп Дали, 1948.
  • Сальвадор Дали, 1956.
  • Сальвадор Дали, 1954.
  • Сальвадор Дали, 1956.
  • Сальвадор Дали и его усы, 1957.
  • Сальвадор Дали, 1954.
  • Сальвадор Дали, 1954.
  • Дали и Гала в Нью-Йорке, 1943 год.
  • Сальвадор Дали, Нью-Йорк, США, 1942.
  • Сальвадор Дали.
  • Эдвард Виллелла, 1961.
  • Американская актриса Люсиль Болл.
  • Жан Кокто, 1949.
  • Жан Кокто в студии Халсмана, 1949.

США. Нью-Йорк. 1949. Французский поэт, художник и режиссер Жан Кокто с актрисой Рики сомой и танцором Лео Коулманом.

  1. Ромен Гари, 1953.
  2. Французская балерина Зизи Жанмер.
  3. Британский премьер-министр Уинстон Черчилль со своим пуделем, 1951.
  4. Альберт Эйнштейн.
  5. Вуди Аллен, Нью-Йорк, 1969.
  6. Бермудские Острова, 1946.
  7. Жан Пенлеве, Франция, 1938.
  8. Водная феерия, Флорида, США, 1953.
  9. Фото из неопубликованного задания для издания «Ladies Home Journal» 1946 года.
  10. Мэрилин Монро.
  11. Элизабет Тейлор для журнала Life, 1948.
  12. Одри Хепберн, 1955.
  13. Хичкок в Калифорнии, 1974.
  14. Альфред Хичкок во время съёмок фильма «Птицы».
  15. Типпи Хедрен из «Птиц».
  16. Мэрилин Монро, 1952.
  17. Мэрилин Монро.
  18. Мэрилин Монро.
  19. Мэрилин Монро.
  20. Голливуд, Калифорния, 1952.
  21. Мэрилин Монро в Беверли-Хиллз, 1952.
  22. Мэрилин, слушающая музыку, 1952.
  23. Барбра Стрейзанд, 1965.
  24. Грейс Келли, 1954.

Источник: https://cameralabs.org/8640-genij-portretnoj-fotografii-filipp-khalsman-82-foto

Марк Шагал – библейский мечтатель — Сокрытое Сокровище

Шагал Марк

«Марк Шагал — библейский мечтатель», — так называлась серия видеопрезентаций, которая была проведена в Киеве, Одессе, Харькове, Москве и Санкт-Петербурге. Программу представлял Джерольд Карабенш, коллекционер картин Шагала. Давайте «побываем» на небольшой части этой презентации — той, что посвящена образу Йешуа (Иисуса) в творчестве великого художника. Какие духовные шаги пришлось сделать Марку Шагалу, чтобы изобразить образ Спасителя мира?

Он прожил 97 лет. Он пронёсся над несколькими эпохами. Погромы, Гитлер, социалистический антисемитизм, западная цивилизация. Марка Шагала называют белорусским, французским, российским и, наконец, американским художником. Но он родился под Витебском в хасидской семье. «Мой Бог — еврейский Бог, Бог наших предков! Моя святая книга — Библия», — говорил Марк Шагал.

Изучение иудаизма и страстная любовь к Библии навсегда определили влечение Марка Шагала к религиозным сюжетам. Сам Марк Шагал определил свой взгляд на духовное искусство так: «Библию я не просто видел — я выносил её в своих мечтах».

Пожалуй, одним из самых удивительных фактов его жизни является внимательное отношение не только к Ветхому Завету, но и к личности Йешуа (Иисуса).

Картина «Голгофа» (1912 г.) — первая религиозная композиция Марка Шагала. Фигура Йешуа, высоко поднятая над другими людьми, вызывает огромное почтение. Йешуа здесь — совершенный человек, который из любви поручает Себе невероятное и чудесное деяние — собственную смерть ради спасения мира.

В 1938 году Марк Шагал пишет картину «Белое распятие», ставшую его реакцией на антисемитизм. Здесь Йешуа изображён не просто как еврей, но как символ всего страдающего еврейского народа.

Бегство, Холокост, перевернутые еврейские дома, сожжение свитков и какие-то люди, которые наступают на еврейский народ… уже под красными знамёнами.

Невыносимая боль, которую испытал Йешуа, отождествляется с болью Его народа.

Чуть подробней на этой презентации Джерольд Карабенш остановился на картине «Принесение в жертву Исаака» (1960 – 1965 гг.)

Йешуа, несущий крест, находится на заднем плане Акеды (жертвоприношения Исаака, см. Бытие 22:1-18). Широкая полоса красного цвета, устремляющаяся вниз от распятия к Исааку, — явно символ крови. Кровь — это условие Бога для искупления человеческого греха. На картине Марка Шагала также присутствует дерево познания добра и зла.

Джерольд объясняет: «Картина изображает двух отцов, каждый из которых приносит в жертву своего сына». Авраам был готов принести Богу в жертву своего единственного, любимого сына, Исаака. Однако Богом была дана замена ему — жертвенный барашек.

На заднем плане картины , через символы, показан другой Отец — Бог, приносящий в жертву Своего единственного и любимого Сына, Мессию Йешуа: «Ибо так возлюбил Бог мир, что отдал Сына Своего Единородного, дабы всякий, верующий в Него, не погиб, но имел жизнь вечную» (Иоанна 3:16).

Неужели Марк Шагал был верующим в Иисуса как Мессию? Мы не располагаем такими фактами.

Однако можно предположить, что Шагал был великолепно осведомлён о понимании Танаха (Ветхого Завета) как пророчества о жизни, смерти и воскресении Иисуса Христа. Похоже, Шагал осознал преемственность Ветхого и Нового Заветов.

В отличие от всех остальных «христианских» художников, изображавших приношение Исаака, Марк Шагал решил отразить эту связь на своей картине!

Из презентации можно сделать вывод, что уже после смерти Шагала (1985 г.) его картины совершают свои собственные духовные шаги по городам мира в глубины человеческих сердец. Искусство художника показало, что Иисус совсем не чужд как еврейскому восприятию мира, так и другим народам.

Михаил Вайшенгольц,
http://www.jewsforjesus.org/

Газета «Сокрытое Сокровище» № 4 (192) апрель 2013 г.

Шагал Марк

Источник: https://sokrsokr.net/mark-shagal-bibleyskiy-mechtatel/

Полет над родиной: Россия в судьбе и творчестве Марка Шагала

Россия в судьбе и творчестве Марка Шагала

Жизнь Марка Шагала — это история целой эпохи, в которой вмещаются все главные события мировой истории ХХ века. Все, что было пережито в прошлом столетии, отразилось в богатом творчестве этого художника.

Среди множества сюжетов есть один, который сопровождает все творчество Шагала, — это родной город Витебск. Дома с двускатными крышами, Спасо-Преображенский храм, который виднелся из родительских окон, скрипачи на крышах, козы и коровы — все эти образы из детства переходят из картины в картину и вместе создают тот особый шагаловский мир на холсте.

Тема России в творчестве Шагала отражается не только в сюжетных мотивах, но также в особом укладе жизни начала ХХ века, который во многом был воспринят Шагалом от своих учителей — русских художников.

Юрий Пэн. «Портрет Марка Шагала» (1915 год)

Первым учителем Шагала стал художник Юрий Пэн, открывший в Витебске частную художественную студию. Он был выходцем из императорской академии искусств в Санкт-Петербурге, воспитанником Павла Чистякова и развивал реалистические традиции в живописи.

В своей автобиографической книге Шагал утверждает, что обучался у Пэна два месяца, однако многие исследователи сходятся во мнении, что на самом деле срок его обучения составил около пяти лет (он начал посещать студию в четырнадцать лет и занимался в ней до девятнадцати лет). Несмотря на то, что собственный стиль у Шагала еще не сформировался, этот период очень важен в становлении Марка как художника. 

Читайте также:  Баския «череп» описание картины, анализ, сочинение

Юрий Пэн обращал внимание своих учеников на этнографические детали, призывал их запечатлевать окружающий мир во всем его многообразии: покосившиеся от времени заборы, складки талеса, которые покрывают морщинистое лицо старого еврея, множество бытовых сценок — он доказал на примере собственных работ, что подобные сюжеты могут стать объектом искусства. 

Юрий Пэн. «Домик с козочкой» (1920-е годы)

Однако Шагала не удовлетворял академический стиль, прививаемый Пэном. Живопись, которую он хотел создавать, отличалась от нарочитого реализма, унаследованного его учителем от передвижников. Поэтому он покидает родной город и приезжает в Петербург.

Не поступив в Академию Штиглица в 1907 году, Шагал отправляется в школу Общества поощрения художеств, руководимую Николаем Рерихом. Художник и участник самого знаменитого художественного объединения своего времени «Мир искусств» Рерих провел глобальную реформу образовательной программы ОПХ. 

Он ввел такой предмет, как история искусств, организовывал на регулярной основе экскурсии по русским деревням для знакомства учеников с мастерами кустарного дела, открыл мастерские керамики, деревянной скульптуры, витражной росписи, а также классы музыки и хорового пения. Кроме того, Рерих в это время находился под большим влиянием искусства Гогена (чьи картины он впервые увидел в Париже в 1901 году). Яркость цвета, декоративные мотивы и выбор экзотичного сюжета — вот то, чем вдохновлял французский живописец. 

Николай Рерих. «Заморские гости». Серия «Начало Руси. Славяне» (1901 год)

Восхищение учителя творчеством Гогена не прошло незаметным для Шагала. Об этом можно судить по двум работам, которые он создает в 1908 году: «Автопортрет с красной маской» и «Портрет девочки на диване» (ныне обе работы находятся в собрании Центра Жоржа Помпиду).

На портрете, где Марк изображает себя, есть одна деталь, которая не сразу бросается в глаза, — это борода и усы, которых в то время не было у Шагала.

А на автопортрете Гогена 1889 года, который находился в собрании у Сергея Щукина, есть те самые признаки маскулинности, которые приписывал себе Шагал.

Кроме того, у Гогена краска на холсте распределена неравномерно, сквозь масляный слой можно видеть жесткую фактуру грубого холста. Такой же прием можно разглядеть и в работе Шагала.

Другая картина Шагала «Девочка на диване» (второе название — «Портрет сестры Марьяски») близка к работе Гогена «Цветы Франции» 1891 года. Об этом говорят схожие композиции: фигуры изображены на фоне плоской стены и расположены в левой части холста, напротив — ваза с цветами.

Изображая свою сестру с короткими волосами и в шляпе, Шагал уподобляет ее герою картины Гогена — юноше с короткой стрижкой и в соломенной шляпе. 

Поль Гоген. «Цветы Франции» (1892 год)

Достаточно быстро Шагал решает покинуть Общество поощрения художеств. В книге «Моя жизнь» он напишет: «Два года ушли даром». Такой вывод можно объяснить главным образом тем, что Шагал ощущал свою избранность, а беспристрастное отношение учителя к работам своего ученика вызывало у него разочарование в самой системе образования.

Тем не менее за время обучения у Рериха он знакомится со своим будущим покровителем, влиятельным депутатом Думы Максимом Винавером. Благодаря его материальной поддержке Шагал поступает в престижную художественную школу им. Е.Н. Званцевой. 

Марк Шагал. «Букет возле окна» (19591960 годы)

Здесь его учителем и кумиром был Лев Бакст, известный театральный художник, прославившийся своими декорациями для балетов Дягилева. В это время Бакст находился под впечатлением от поездки в Грецию, куда он отправился в 1907 году вместе с Валентином Серовым. Искусство Древней Греции так сильно подействовало на него, что он решил пересмотреть свои взгляды на классическое искусство.

Так появилась концепция «искусства будущего», ориентированная на творчество архаичных художников: рисунок должен быть свободным, как у детей, а цвета яркими и будоражащими. Бакст превозносил символическое значение художественных форм, способных, по его словам, возвысить простые предметы, как это можно увидеть в детских рисунках и примитивистском искусстве. 

«Новые художники должны быть наглыми, дерзкими и грубыми… Новое искусство должно быть примитивным и грубым, оно не может переносить изысканности и эстетства», — утверждал Бакст. Однако его работы не походили на примитивистское искусство. Скорее, они отличались особой рафинированностью и изяществом линий.

И все-таки именно в это время Шагал выбирает для своего творчества стиль примитивизма. При этом сюжетом его картин становятся такие философские понятия, как «смерть» и «рождение». 

Марк Шагал. «Наваждение» (1943 год)

Так, в картине «Покойник», где впервые цвета у Шагала становятся символичными, выбор сюжета связан одновременно с событиями, свидетелем которых он стал в детстве, а также с театральными постановками, где герои умирают, чтобы затем выйти на поклон аплодирующим зрителям. 

Вы смотрите на картину и видите не ужас смерти, а настоящий спектакль со множеством ироничных деталей: женщину с поднятыми руками, скрипача на крыше, мужчину, ныряющего в деревянную избу, и равнодушного дворника, который, несмотря ни на что, продолжает выполнять свою ежедневную работу.

За примитивистским планом этой картины скрывается множество символических деталей, связанных с русским фольклором и образами памяти. Синтез этих компонентов составляет в дальнейшем художественный язык Марка Шагала.

Как писал один из первых биографов Яков Тугендхольд, «Шагал в маленьком провинциальном быту улавливает… некое великое бытие». 

Итогом петербургского периода можно рассматривать картину «Рождение».

Здесь есть и грубоватая житейская прозаичность — художник с откровенностью показывает бытовые детали торжественного появления человека на свет, и в то же время здесь легко считывается аллюзия на евангельский мотив Рождества Христова.

Канонический христианский сюжет разыгрывается здесь в жанрово-местечковом исполнении. При этом рождение представлено художником как акт великого жизнетворчества, преображающий житейскую обстановку. 

Марк Шагал. Триптих «Сопротивление. Воскресение. Освобождение» (19371952 годы)

Конечно, когда в школе объявили о скором отъезде Бакста в Париж (для оформления дягилевских балетов), Шагал был обескуражен. Любимый преподаватель покидает Россию — что тогда остается его ученику? Ответ на этот вопрос был для него очевиден, и поэтому Шагал решает отправиться вслед за своим кумиром в Париж. 

Художественные достоинства мировой столицы искусств не вызывали сомнения, Шагал не ошибся: Париж стал его «вторым Витебском». Он обрел свой стиль, палитра стала ярче, и главное — здесь сформировался тот особый круг тем, который тесным образом связан с жизнью в России.

В Париже Шагал заново для себя открывает живопись. Прежде всего он отправляется в Лувр. Рассматривая картины Шардена, Фуке, Рембрандта, он намечает для себя новый путь. Немного позже произошло знакомство с произведениями современников — представителей парижской школы тех лет.

И спустя полгода после переезда Шагал имел в своей мастерской несколько полотен, отражавших опыт освоения кубизма.

Но художнику было чуждо хладнокровное разложение окружающего мира на геометрические формы, кубизм нужен был Шагалу для передачи необычных образов из памяти, которые наслаивались бы друг на друга, создавая ощущение видений из «прошлой» жизни в России.

Так, в его программной работе парижского периода «Я и деревня» 1911 года композиция построена по принципам кубизма. Здесь есть разделение на сектора и просвечивание одного сюжета в другом.

Голова ягненка становится пространством для сцены дойки коровы, дома, люди перевернуты с ног на голову, лицо главного персонажа окрашено в зеленый цвет — все детали этой картины созданы из памяти и подчиняются той высшей реальности, что стоит за видимым миром, где воспоминания становятся символами.

«Однажды в Париже мне, наконец, удалось выразить радость, похожую на удовольствие от еды, которую я иногда чувствовал в России, — радость моих детских воспоминаний о Витебске», — пишет Шагал.

Выставка «Шагал. Мастер модерна» в музее Кунстхаус в Цюрихе, 2013 год

Несмотря на то, что Шагал живет в Париже в мастерских La Ruche («Улей»), где собирались художники и скульпторы со всего света (здесь работали Модильяни, Хаим Сутин, Осип Цадкин и др.

), витебский мастер практически ни с кем не общается из своих скандальных соседей. Зато он достаточно быстро сводит знакомство с поэтами-авангардистами.

Сандрар Блез, Гийом Аполлинер становятся близкими друзьями художника, они помогают ему в организации выставок и активно продвигают Шагала на страницах местных СМИ.

В благодарность за оказанную поддержку Шагал создает картину «Посвящается Аполлинеру».

Основу композиции составляет гигантский круг с разделением на сегменты, на его фоне изображен гермафродит, чье туловище сверху разделяется на мужскую и женскую фигуры.

Эзотерический смысл этой работы давал самые разные прочтения — в этом отражается стремление Шагала изучать искусство из самых разных культурных источников.

Как пишет о Шагале поэт Андре Бретон в работе «Генезис и художественная перспектива сюрреализма»: «Тотальный лирический взрыв восходит к 1911 году. Именно с этого момента метафора, только у него, отмечает свой триумфальный вход в современную живопись».

Марк Шагал. «Желтая комната» (1911 год)

Всплеск художественного самовыражения связан не только с освоением уроков фовизма и кубизма, но и в первую очередь с определением собственного стиля, который смог выдержать все теоретические испытания и сохранить свою индивидуальность.

Особенность языка Шагала — это выбор определенных тем: мотивы России, портреты родственников-евреев, пейзажи родного города Витебска.

Каждую свою работу художник наполняет особой духовностью, символикой и мистицизмом, которым отличается сама русская культура. 

В 1914 году Шагал возвращается в Витебск. Он вновь в кругу близких на родной земле. Он женится на Белле, с которой познакомился еще до своего отъезда в Париж и о которой мечтал все эти годы разлуки. Именно с ней связан один из самых совершенных образцов любовной лирики ХХ века. 

Марк Шагал за мольбертом в своем ателье. Художнику позирует его жена Белла, позади мастера — его дочь Ида. Париж, 1927 год

Берта Розенфельд (именно так звучит ее настоящее имя) была незаурядной женщиной. Она получила прекрасное образование, занималась актерским мастерством в студии Константина Станиславского, но не смогла продолжить обучения из-за травмы спины и вынуждена была вернуться в родной Витебск, где и встретила будущего мужа.

Ощущение личного счастья запечатлено Шагалом в картинах «Над городом», «Прогулка» и «День рождения».

Марк Шагал. «Над городом» (1918 год)

После революции 1917 года у евреев появляются новые возможности и права — они получают паспорта и могут участвовать в политической жизни России. Кажется, теперь счастье станет всеобщим.

Анатолий Луначарский, с которым Шагал познакомился еще в Париже, ныне народный комиссар просвещения, которому поручено осуществлять в России Ленинский культурный план. Он предлагает Шагалу должность уполномоченного по делам искусств в Витебске. Шагал не раздумывая соглашается. 

Не покладая рук он работает на создание первого художественного музея Витебска и первой художественной школы.

Приглашает для преподавания своего первого учителя Юрия Пэна, Эля Лисицкого (также ученика Юрия Пэна), Казимира Малевича.

С последним происходит конфликт, который заканчивается отъездом Шагала в 1920 году в Москву. Однако при анализе творчества двух художников становится ясно, что антагонизм был неизбежен. 

В Москве Наркомпрос дает Шагалу возможность устроиться с семьей в небольшом подмосковном поселке Малаховка, где с 1919 года находилась колония для детей-сирот, оставшихся без родителей после еврейских погромов на Украине 1919 года. Здесь он преподает рисование и параллельно начинает работать над созданием декораций для камерного еврейского театра. 

Марк Шагал на уроке рисования в колонии для беспризорных детей. Малаховка, 1921 год

Руководители театра Алексей Грановский и Абрам Эфрос поручили Шагалу расписать интерьер их первого здания. На исполнение работ ему дали полтора месяца, и за этот короткий срок он создал собственный мир, или, как говорили современники, «шагаловскую шкатулку». 

Главным панно было «Введение в еврейский театр», напротив него — фриз «Свадьба», под ним в простенках между окнами находились четыре вертикальные картины: «Музыка», «Танец», «Театр», «Литература». Слева от входной двери — панно «Любовь на сцене». 

В ансамбль также входили плафон и занавес. Когда зритель попадал в зал, он оказывался как бы внутри разноликого волшебного мира. Для Шагала, как и шекспировского героя, «весь мир — театр». Его вселенная пляшет, танцует и радуется простому бытию.

Читайте также:  Кало фрида "без надежды" описание картины, анализ, сочинение

Панно «Введение в еврейский театр» (1920 год)

Видимо, предчувствуя свой скорый отъезд, Шагал вкладывает в последнюю работу на родине всего себя. В панно есть истории из личной биографии, есть и сам Шагал, которого вносит на руках в театр Абрам Эфрос, есть портреты любимых — Беллы и дочери Иды, есть надписи на идише — это имена предков Шагала. Метафорический мир театра становится аллегорией самой жизни художника.

К сожалению, эти работы ни режиссер, ни зрители не смогли оценить по достоинству. Разочарованный в новом режиме и в неприятии им искусства магии и волшебства Шагал навсегда покидает Россию. Теперь связь с родиной будет существовать только в живописных образах его картин и личных воспоминаниях.

Искусство Шагала невероятно многогранно. Изучив все современные художественные системы начала ХХ века, он не присоединился ни к одной группе. Вероятно, магия его картин заключается в индивидуальных образах памяти, которые хранят в себе чудо воспоминаний и особую силу, вместе с которой зритель может совершить полет над городом. 

Марк Шагал за работой над картиной «Комедия дель арте», 1959 год

Источник: https://tass.ru/spec/chagall

Бараки и ангелы Марка Шагала — МК

Ради выставки нарушили некоторые запреты

В Инженерном корпусе Третьяковской галереи проходит грандиозная выставка Марка Шагала “Здравствуй, Родина!”. Более ста восьмидесяти работ — от ранних юношеских эскизов, сделанных в Витебске, до поздних парижских шедевров.

На открытие приехали внучки художника — Белла Мейер и Мерет Мейер-Грабер, много сделавшие для осуществления проекта.

— Дедушка был прекрасным человеком. Очень любил жизнь и всегда повторял, что пишет сердцем. Сегодня нам подарили цветы, и этот нежный сиреневый цвет меня особенно трогает.

Сейчас я поняла, что дедушка чувствовал именно этот цвет с самого раннего детства, — задумчиво произносит, вглядываясь в букет, Белла. — Свою бабушку мы знаем только по картинам.

Но меня назвали в ее честь, и я стараюсь ей подражать, — продолжает внучка Шагала.

В картинах Шагала фантастическое переплетается с реальностью: посреди витебских бараков и церквушек стоят часы и помахивают синим крылом. В небе парят ангелы, пророки, цветы, райские петухи, коровы.

Произведения нашего соотечественника, прославившегося и умершего во Франции, источают невыразимую любовь и энергию. Этой атмосферой пронизаны два огромных выставочных зала Третьяковки.

В первом — ранние эскизы тушью, акварелью, на которых влюбленные и печальные жители родины Шагала — местечкового Витебска. Трубящий всадник, специально сделанный для пролетарского праздника, странный человек с опрокинутой головой — эскиз обложки к книге Анатолия Эфроса. Вообще, театральные работы Шагала — гордость сотрудников Третьяковки.

Его панно для Еврейского камерного театра в Москве они отдельно поместили в стилизованное театральное фойе, где тщательным образом соблюдены даже оконные простенки. А между ними — “Танец”, “Литература”, “Музыка”, “Любовь на сцене”. Говорят, что Мастер при жизни возмущался, когда зрители в ожидании спектакля спиной прислонялись к стенам.

А когда в 1973 году он был в Москве и увидел, что эти панно не погибли, как он думал, — подписал каждую работу, путая в волнении латиницу и кириллицу. Дальше — неизвестная нашей публике “Желтая комната” из Фонда Бейлера (Швейцария) и двадцать семь шедевров из Центра Жоржа Помпиду. Это и “Свадьба”, и “России, ослам и другим”, и триптих “Сопротивление. Возрождение.

Освобождение”. Именно здесь они встретились с полотнами из собрания российских музеев.

— А вы так же любите Россию, как ваш дедушка? — обращаюсь к Мерет Мейер-Грабер, которая, по воспоминаниям очевидцев, внешне очень похожа на первую жену художника.

— Да. В России много изменилось с тех пор, как здесь жил Марк Шагал. Я рада, что картины находятся здесь в таких же условиях, как и во Франции. Также очень важно, что дедушка как художник сформировался в России и в конце концов здесь женился. Если бы этого не было, то не было этой выставки и нас.

Во втором зале — библейская серия Шагала: литографии, гуаши, эскизы и иллюстрации к Библии.

Ее украшение — грандиозное трехметровое полотно-икона “Авраам и три ангела” из Национального музея “Библейское послание Марка Шагала” в Ницце.

Согласно завещанию мастера его картины нельзя трогать и вывозить за пределы Ниццы. Нельзя перевешивать и менять местами. Но специально для выставки в Третьяковке табу было нарушено.

— Я думаю, она переместилась сюда в первую очередь по воле самого Шагала, — улыбается комиссар-куратор выставки, главный хранитель ГТГ Екатерина Селезнева. — Этому проекту около трех лет.

И надо сказать, он рождался нелегко: было много испытаний и накладок, будто сам Шагал спрашивал: вы серьезно? Приходилось доказывать, что да, поскольку было большое желание отблагодарить Марка Захаровича за то, что в сложное для музея время он помогал нам выживать: прокат его произведений на престижных выставках приносил доход нашей галерее.

В книге “Моя жизнь” он писал: “Ни царской, ни советской России я не нужен, я здесь чужой, меня здесь не понимают. Я себя чувствую пятым колесом в телеге”. И я надеюсь, что мы доказали, что он нужен нам всем.

Выставка картин Шагала будет работать по 29 мая.

Источник: https://www.mk.ru/editions/daily/article/2005/03/15/198796-baraki-i-angelyi-marka-shagala.html

Сочинение-описание по картине Свидание Маковского (3, 4, 7 класс)

В 1883 году замечательный художник Владимир Маковской написал картину и назвал ее «Свидание». В ней много горести, страдания и трагизма. Глядя на картину можно увидеть нищих людей, которые утратили многое, но не перестали любить. Творец изобразил бедную семью и сильную любовь матери к своему ребенку.

Художник изобразил долгожданное событие – это была встреча мамы и ее сына. Из-за определенных обстоятельств они вынуждены жить в разных местах далеко друг от друга. Это очень бедная семья им не хватало денег, поэтому мать была вынуждена отправить своего ребенка на работу в город.

На картине изображена женщина в скромной одежде, на ней надет черный тулуп, а из-под него виднеется платье красного цвета. На голове у нее завязан платок из шерсти. Все это говорит о том, что в тот момент на улице была зима, и в доме было холодно.

Ее сын одет более легко. На нем надета рубаха, сверху которой отчетливо видно фартук простого рабочего. Он стоит босыми ногами на полу. Если хорошо присмотреться, тогда можно увидеть некоторые увечья на ногах мальчика. Ребенок жадно кушает калач, ему его привезла мама. Видимо он давно не ел ничего подобного.

Мать сидит на стуле и сутулится. Это говорит о том, что ее путь был долог, и она очень устала. Оно нежно смотрит на своего ребенка в ее взгляде можно увидеть нежность и огромную любовь к сыну.

Женщина сильно хочет приобнять своего мальчика, но не боится помешать ему, кушать. Мать любуется своим чадом. Она не знает, состоится их встреча еще один раз или нет.

Для матери это очень долгий и изнурительный путь.

Они находятся в убогой комнате. На старой бочке можно увидеть кувшин с водой. Из него пьют воду рабочие во время перерыва. Все это говорит нам о том, что работают там очень бедные люди, которые, скорее всего не доедают.

Картина выполнена в темных тонах. Единственно светлое пятно это маленькое окошко, из которого проникает в комнату солнечный свет. Встреча мамы с сыном было очень желанной и долгожданной. И благодаря естественному освещению комнаты мы можем видеть это.

Художник в своей картине показал нам, как раньше жили люди. Их жизнь была очень сложной и трагичной. Для того что бы выжить им приходилось совершать различные поступки. Разлука матери и сына это вынужденная мера для того, что бы выжить и не умереть от голода. Глядя на картину понимаешь, как страдает мать от разлуки с сыном, а маленькому мальчику приходится работать в столь раннем возрасте.

Сочинение №2

Свидание бывает романтическое, а бывает – тюремное… Но тут совсем другое! Значит, в старые времена так могли назвать встречу матери с работающим сыном.

На картине темноватая комната, не самая чистая. Тут какие-то обрывки, разбитый кувшин. Справа сидит женщина в платке Вид у неё грустноватый, серьёзный. Она почти закрывает себе рот рукой.

Психолог бы сказал, что она не хочет высказать то, что думает. Наверняка, мысли у нее не самые приятные, мнение по поводу работы сына точно плохое. Но она понимает, что от её высказываний ничего не измениться.

И тогда зачем расстраивать сына, если лучше его подбодрить… Ему и так тяжело.

Сын рядом стоит. Ему лет пятнадцать, но он такой слабенький, что выглядит моложе. Он в грязном черном фартуке, который ещё местами и порван. Наверное, работает он в кузнечном цеху… Сын жадно ест булку. Держит её двумя руками, спешит есть. Наверняка, он очень голоден.

А булку эту привезла ему мама – сама испекла. Наверное, сыну приходится работать, так как семье не хватает денег. Мог бы ещё бегать и играть на улице, а приходится в душном цеху вкалывать.

Может быть, у них нет отца — погиб, а дома ещё много маленьких братьев и сестёр, поэтому просто приходится работать.

И не факт, что так легко маме было испечь эту булку. Наверное, пришлось копить, экономить муку. Видно, что рядом с этой женщиной палка, то есть посох и узелок. То есть пришла она явно не их этой же деревни. Одежда на ней довольно теплая – на улице не лето, скорее всего.

Мальчик может тоже, чтобы не расстраивать маму, говорить, что всё нормально, что не так уж тяжело… Но она видит, как он выглядит, с каким аппетитом он ест.

Я не думаю, что в те времена (пару веков назад) за правилами детского труда очень следили. То есть он работает не меньше взрослых, еды ему дают не больше… А нагрузка вполне взрослая! И его ещё могут все гонять, могут обижать. Посылать за кофе, то есть за… квасом.

Мне от этой картины грустно. Не хотелось бы работать в таких условиях… Лучше уж закончить два института! Хотя студенты тоже иногда не доедают. К ним тоже приезжают обеспокоенные родители с гостинцами. Но я надеюсь, что условия сейчас получше! Но когда-нибудь я сам на себе проверю.

Другие темы:

← Первый фрак↑ Маковский ВладимирРыбак. Финляндия →

`

Популярные сочинения

  • Сочинения по картинам Брюллова
    Описание картин Брюллова
  • Ум с сердцем не в ладу — сочинение
    Очень часто можно услышать фразу, что «ум с сердцем не в ладу». От кого угодно – мужчины, женщины, старика, да даже от вполне молодого человека. И я считаю, что эта фраза, хоть и имеет, как правило
  • Сочинение Я хочу стать врачом
    В нашем классе некоторые ребята уже знают, кем хотят стать. Те, кто хорошо успевает по какому-нибудь предмету, уверены, что это их будущая специальность — математика, биология или история. Другие хотят получить такую же профессию, как их родители.

Источник: https://supersochinenie.ru/sochineniya/po-kartinam/makovskij-vladimir/svidanie

Искусство жидовствующих

Так случилось, что некоторые особенности иудаизма имели огромное влияние на пути и темпы развития еврейского искусства.

Возможно, заповедь Торы о запрете на изображение тела и лица человека была причиной появления неправильного мнения о том, что евреи – “народ без искусства”.

На страницах этой статьи еженедельник “U-JEW” развенчает неправильное представление, рассказав о произведениях искусства, созданных талантливыми евреями.    

Натан Альтман: “Портрет Анны Ахматовой”.

Портрет Анны Ахматовой, написанный знаменитым художником Натаном Альтманом, – лучшая его работа в этом жанре. Художник познакомился с талантливой поэтессой в “Бродячей собаке” – месте, где была сконцентрирована вся творческая интеллигенция.

Будучи обладательницей своего потрясающего портрета от гениального Амедео Модильяни, поэтесса согласилась на предложение Натана позировать ему. Есть сведения о том, что Альтман начал с дружеского шаржа на Ахматову, ныне малоизвестного.

А уже потом приступил к серьезной работе, которая продолжалась долгими сеансами в мастерской на Васильевском острове, где Анна и Натан жили неподалеку друг от друга.

Читайте также:  Коринт ловис "персей и андромеда" описание картины, анализ, сочинение

В любом портрете скрыт свой подтекст. Портрет Ахматовой создавался Альтманом, когда Анна Андреевна была одна, покинув Царское Село и дом Гумилева. Наступил ее окончательный разрыв с супругом, и впереди ждала неизвестность. Вот что писала сама Анна Ахматова об этом портрете:

  • Как в зеркало, глядела я тревожно
  • На серый холст, и с каждою неделей
  • Все горше и страннее было сходство
  • Мое с моим изображеньем новым…

Портрет Ахматовой вызвал подлинную сенсацию на одной из художественных выставок в Петербурге в 1915 году. Известный критик Л.

Бруни писал, что “это не вещь, а веха в искусстве”… Магия Альтмана сохранилась и много лет спустя, когда уже существовали и другие портреты поэтессы, да и сама Ахматова очень изменилась.

Интересно, что сама Ахматова от картины этой не была в восторге, снова и снова повторяя, что портрет Альтмана она не любит, “как всякую стилизацию в искусстве”.

Исаак Левитан: «Солнечный день. Весна».

Картина представляет собой деревенский пейзаж с двумя деревянными домиками, которые окружены берёзами и другими деревьями. На момент написания этой картины Левитану было 16-17 лет. Он обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.

Учителем Левитана был известный пейзажист Алексей Саврасов, чье влияние красной линией проходит через все раннее творчество Левитана. Саврасов передал Левитану “тайну мотива”. Рассказывая об этой картине, искусствовед Владимир Петров подчеркивал: “Так, очень близка к саврасовским пейзажам картина «Солнечный день.

Весна» (1877) – изображение уютного деревенского уголка, где под деревьями, среди кустов, рядом с избой и сарайчиком копаются в покрытой новорожденной травой земле курицы.”

Осип Мандельштам: “Шум времени”.

Это первое прозаическое произведение Мандельштама. Повесть была написана для одного из последних непартийных изданий “Россия”, по просьбе Исайи Лежнева – редактора этого журнала. Прочитав эту книгу, Лежнев был горько разочарован – совсем не этого он ожидал от Мандельштама.

Ему хотелось видеть рассказ о другом детстве — своем собственном или Шагала, и поэтому история петербургского мальчика показалась ему пресной. Потом Тихонов и Эфрос вернули рукопись Мандельштаму и сказали, что ждали от него большего.

Рукопись путешествовала по редакциям многочисленных литературных журналов и альманахов, но безуспешно –  все отказывались печатать эту штуку, лишенную фабулы и сюжета, классового подхода и общественного значения».

«Шум времени» выбивался из общего ряда произведений мемуарного жанра, характерных для того времени, и стоял особняком. «Шум времени» недружелюбен по отношению к возможному читателю. Все дело в задаче, поставленной автором. Задача этой повести – раз и навсегда покончить с прошлым и не оборачиваться.

Вопреки детской и родовой нежности, теплоте семейных воспоминаний, дать точную схему, пластичную формулу эпохи, которая уходит и никогда больше не повторится. Автор дает понять, что сочувствует революционным переменам. Память тут не сентиментальна, а функциональна, она действует как ускоритель.

Она работает над сепарацией, подготавливает разрыв, без которого невозможно стать собой. Повесть была опубликована в 1925 году.

Борис Пастернак: “Доктор Живаго”

Раздумьями над ходом истории, отношениями человека с эпохой, наполнен роман Бориса Пастернака “Доктор Живаго”.

«Доктор Живаго» создавался писателем в течение десяти лет (с 1945 по 1955 год) и является вершиной его творчества как прозаика. В романе повествуется о судьбе человека в эпоху революционных преобразований.

События романа показаны сквозь призму восприятия главного героя, поэтому сюжет, в первую очередь, связан с судьбой молодого врача Юрия Живаго.

По мнению Пастернака, судьба человека не связана напрямую с исторической эпохой, в которой ему приходится жить, ведь не человек должен служить эпохе, а эпоха развивается так, чтобы человек осуществил себя с наибольшей выразительностью и свободой.

Главный герой романа не боролся с обстоятельствами, но и не приспосабливался к ним, оставаясь личностью при любых условиях.

Рассказывая о жизни российской интеллигенции в период от начала столетия до Великой Отечественной войны, книга затрагивает вопросы, которые волновали всегда и всех: тайну жизни и смерти, проблемы русской истории, интеллигенции и революции, христианства, еврейства.

Академик Д. С. Лихачёв писал о романе «Доктор Живаго», как об автобиографии, в которой удивительным образом нет внешних фактов, совпадающих с реальной жизнью автора. И, тем не менее, Пастернак как бы пишет за другого, но о самом себе. Это духовная автобиография Пастернака, написанная им с предельной откровенностью.

Ольга Ивинская свидетельствует: «Само имя «Живаго» возникло у Пастернака, когда он случайно на улице «наткнулся на круглую чугунную плитку с „автографом“ фабриканта — „Живаго“… и решил, что пусть он будет такой вот, неизвестный, вышедший не то из купеческой, не то из полуинтеллигентской среды. Этот человек и будет его литературным героем».

Реальным человеком, который явился прототипом доктора Живаго, вероятно, был врач Дмитрий Дмитриевич Авдеев, сын купца второй гильдии, с которым Пастернак познакомился во время эвакуации в Чистополь, где писатель жил с октября 1941 по июнь 1943 года.

В апреле 1954 года в журнале «Знамя» была опубликована подборка стихотворений под общим названием «Стихи из романа в прозе „Доктор Живаго“». Предваряя её, автор писал, что стихи были обнаружены среди бумаг героя романа — врача Юрия Андреевича Живаго. В публикацию вошли 10 из 25 стихотворений, которые составили «последнюю, заключительную главу романа».

23 октября 1958 года Борису Пастернаку была присуждена Нобелевская премия. Власти СССР восприняли это событие с негодованием, поскольку сочли роман антисоветским.

Из-за развернувшейся в СССР травли, Пастернак вынужден был отказаться от получения премии. Лишь 9 декабря1989 года Нобелевский диплом и медаль были вручены в Стокгольме сыну писателя Евгению Пастернаку.

В СССР роман в течение трёх десятилетий распространялся в самиздате и был опубликован только во времена«перестройки».

Барух (Борис) Шац: “Матитьягу Хасмоней”

Cреди евреев были также выдающиеся скульпторы. Нельзя обойти вниманием произведение Дова Баруха (Бориса) Шаца — “Матитьягу Хасмоней” (1894), его наиболее замечательное произведение парижского периода.

Образ еврея — борца за освобождение и независимость своего народа был реакцией Шаца на настроения европейских евреев того времени.

Юдель Пэн: “Часовщик”.

Юдель Пэн был учителем знаменитого Марка Шагала. В основном, его картины – это бытописание еврейской бедноты, жителей местечек. Однако его картина «Часовщик», написанная в 1914 году, имеет гораздо более глубокий философский смысл это целое размышление о Времени.

Газета в руках патриархального старика-часовщика называется «Хайнт» («Сегодня»), и на первой ее странице аршинный заголовок «Большое наступление в Карпатах» предвестник новой эпохи.

Но часовщик читает последнюю страницу видимо, рекламные объявления…

 Марк Шагал: «Над городом».

Эта картина – одно из самых известных произведений художника. На полотне изображены художник и его супруга Белла. Они летят над Витебском, над родным городом. За ними остаются покосившиеся домики и полутьма.

В своем творчестве Шагал всегда стремился показать человеку, насколько у него мало времени, а он тратит его впустую. В его картинах часто нет связи и детализации объектов. Однако увидевший их никогда не пройдет мимо и навсегда запомнит эти полотна. Этой картиной Марк Шагал погружает нас в сон наяву, в котором мы там, где хотим быть и делаем то, что хотим.

В картинах марка Шагала нет понятия законов физики – там они просто не работают, его картины полны алогичности и иррациональности. Две парящие в небе души — изящны и грациозны, трепетны в своем романтическом мире. Все подчеркивает их близость и чувства.

Это влюбленные и независимые от обыденности люди, без порока и алчности, только в своем, идеальном представлении об окружающем. Очень точны мелочи, это заметно по внешнему виду Беллы, по ее туфелькам и нарядному платьицу, по влюбленным глазам и проплывающему городу, признаку того, что все, что внизу сейчас их не касается и мирская жизнь немного подождет.

В полете они не обращают ни на что внимания, их не беспокоит прохладность воздуха и легкая затемненность города, они сами по себе. Они едины в своем порыве любви.

Шолом-Алейхем (Соломон Наумович Рабинович): «Тевье-молочник».

Юмор, лёгкость изложения, умение сказать о сложном – просто, о грустном – весело – то, что всегда привлекало к произведениям Шолом-Алейхема. Произведения классика затрагивают самые грустные социальные темы – бедность, унижение, дискриминацию, при этом всегда несут в себе примиряющую ноту юмора и живительный свет надежды. Поистине «мир вам».

Рассказы о философствующем молочнике Тевье стали настоящей классикой мировой литературы. Устами простого молочника из местечковой Анатовки говорят  простые человеческие истины.

Они не касаются вселенских проблем, но раскрывают целую вселенную мудрости сквозь самые бытовые темы: согласие в большой семье, как выдать пять своих дочерей замуж за порядочных людей, как заработать побольше денег, от которых зависит существование.

Со свойственным ему элегантным юмором Шолом-Алейхем наделяет маленького еврейского человека огромной душевной силой, которую невозможно сломать никаким невзгодам.

Бруно Шульц: «Коричные лавки».

Произведение состоит из глав-рассказов и представляет собой единое повествование с общим сюжетом и системой персонажей. Это история семьи лавочника Иакова, фантазера и чудака, рассказанная его сыном. История болезни и смерти отца и взросления сына.

Действие происходит в маленьком городке в Галиции, но романы Шульца не являются повествованием о линейном времени.

Действие «Коричных лавок» развивается по принципу циклического времени, начинается главой «Август» и завершается тринадцатым «ненастоящим» месяцем, случившимся в «тот особый год-выродок».

Рассказ мог бы начинаться с любого сюжетного эпизода, и последняя строчка романа выполняет кольцевую роль конца и начала.

Начало «Коричных лавок» почти не предвещает неизбежной катастрофы. Шульц рисует картину августовской полноты лета, атмосферу жизни большого дома-ковчега. Способ его бытописания, на первый взгляд кажущийся импрессионистическим, на самом деле обладает высокой степенью символической связности.

Человек, природа, вещи едины, мир вещей переводится на язык духовного содержания, явления природы в гармонии с событиями, происходящими с людьми.

Материальное так же значимо, как и духовное, и является его выражением. Главная тема романа – инициация или рождение духовного человека – воплощалась через отношения отца и сына, их диалог. Вот что сам писатель говорил о своем романе:

«Я считаю «Лавки» автобиографической повестью. Не только потому, что она написана от первого лица и что в ней можно обнаружить события и переживания детства автора.

«Лавки» – автобиография, или, скорее, духовная родословная, родословная kat'exochen, поскольку в ней показано духовное происхождение вплоть до тех глубин, где оно уходит в мифологию, теряется в мифологическом бреду.

Мне всегда казалось, что истоки индивидуального духа, если достаточно далеко проследить их, теряются в каких-нибудь мифических дебрях. Это последнее дно, дальше которого проникнуть нельзя».

Маурицио Готтлиб: «Уриэль д'Акоста и Юдифь».

Это – одна из лучших картин художника. Впервые была представлена во Львове при жизни художника. Далее она самым таинственным и непостижимым образом оказалась в Эрмитаже – единственная в российском музее вообще.

История умалчивает о том, как и когда она оказалась затем в далёкой Мексике, факт, что на выставку в Израиль она прибыла из Мехико-Сити от семьи Хольцер.

Маурицио много читал и был увлечён судьбой Уриэля д'Акосты, еврейского философа-вольнодумца, дважды отлучённого от синагоги.

И хотя на самом деле трагедия Карла Гуцкова «Уриэль д'Акоста» изобилует неточностями, как в передаче фактов, так и в обрисовке личности героя, Готлиб покорён им и пишет вдохновенную, полную лиризма картину: «Уриэль д'Акоста и Юдифь». Именно в образе Юдифи, дочери раввина, он впервые изображает свою возлюбленную Лауру.

Это далеко не полный список гениев-евреев, которые внесли свою лепту в мировое искусство. В конце концов, человек рожден для творчества и евреи – не исключение.

Кем они себя ощущали в своем творчестве? Евреями или частью тех этносов, рядом с которыми проживали? Были среди них разные.

И те, кто живо интересовались еврейскими обычаями и еврейской жизнью, описывая ее в своих произведениях, и те, кто, зная о своем происхождении, раскрывали темы, не связанные с еврейством. Но это не умаляет ценности их наследия.

Источник: https://ujew.com.ua/magazine/u-jew-vyipusk-37/iskusstvo-zhidovstvuyushhix

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector