Пикассо пабло «авиньонские девицы» описание картины, анализ, сочинение

Пикассо Пабло

Картины «классического» периода

На протяжении всей жизни любого художника по обыкновению прослеживается изменение почерка, характера или даже стиля.

Это явление можно заметить и у самых знаменитых живописцев — от почти что вынужденного перехода Моне к абстракции в конце жизни, до перехода Ван Гога к ярко выраженной цветовой палитре.

Хотя подобные изменения характерны для большинства мастеров живописи, особенно сильно они наблюдаются в картинах Пабло Пикассо.

Его карьера, которая охватывала почти 80 лет, имела успех не только в живописи, но и в скульптуре, керамике, дизайне и сценической деятельности. Поэтому стремление Пикассо к экспериментам неудивительно.

Для прослеживания стилистической эволюции Пабло Пикассо искусствоведы разделяют его творчество на несколько периодов: «ранний период», «голубой период», «розовый период», «африканский период», «кубизм», «классический период», «сюрреализм», военный и послевоенный периоды и период поздних работ.

Ранний период

Пикассо начал писать в раннем детстве — в его первых картинах образы обладали максимальным сходством с оригиналом, как и цветовая палитра.

Пикассо Пабло

«Портрет матери художника», 1896 год

Пикассо Пабло

«Знание и милосердие», 1897 год

Пикассо Пабло

Картины раннего периода

«Голубой» период

С 1902 года Пабло Пикассо начал писать в стиле, в котором были ярко выражены темы старости, смерти, нищеты и печали. В цветовой палитре художника начали преобладать голубые оттенки. В этот период Пабло писал, в основном, образы низших слоёв общества: алкоголиков, проституток, нищих и других людей.

Пикассо Пабло

«Свидание (Две сестры)», 1902 год

Пикассо Пабло

«Завтрак слепого», 1903 год

Пикассо Пабло

Картины «голубого» периода

«Розовый» период

В 1904 году Пабло Пикассо начал отдавать предпочтение розовым тонам, создавая образы из мира театра и цирка. Его персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, акробаты или танцовщики.

Пикассо Пабло

«Акробат и молодой Арлекин», 1905 год

Пикассо Пабло

«Акробаты (Мать и сын)», 1905 год

Пикассо Пабло

Картины «розового» периода

«Африканский» период

Короткий период, который пришёлся на 1907-1908 годы, был навеян архаичным искусством Африки, с которым Пикассо познакомился на выставке в музее Трокадеро. Для художника это стало настоящим открытием — простые, а где-то даже примитивные, формы древних скульптур показались Пабло Пикассо удивительной особенностью, которая несла в себе огромный художественный заряд.

«Авиньонские девицы», 1907 год

«Автопортрет», 1907 год

Картины «африканского» периода

Кубизм

Увлечение африканской скульптурой привели Пабло к абсолютно новому жанру.

Отказ от реалистичной имитации окружающего мира привёл художника к упрощению очертаний человеческих образов и предметов, которые затем стали превращаться в геометрические блоки.

Вместе с французским художником Жоржем Брако, Пабло Пикассо стал родоначальником кубизма — направление, отвергающее традиции натурализма.

«Скрипка и гитара», 1913 год

«Портрет Амбруаза Воллара», 1915 год

Кубизм

«Классический» период

На переход с кубизма на живопись, которая была бы более «читаемой», повлияли как внутренняя потребность Пикассо, так и внешние факторы.

В этот период художник сотрудничал с балетной труппой Сергея Дягилева, а также женился на Ольге Хохловой.

Не удивительно, что она хотела бы узнавать себя в портретах, но одно лишь пожелание жены никак не повлияло бы на творчество Пикассо, если бы не его тяга к переменам.

Портрет Ольги в кресле, 1917 год

Купальщицы, 1918 год

Картины «классического» периода

Сюрреализм

Знакомство с Марией Терезой Вальтер, а также общение с сюрреалистами, повернули Пабло Пикассо в сторону сюрреализма. Переход к этому направлению можно описать его же выражением: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так, какими я их вижу».

Фигуры на пляже, 1931 год

Женщина с цветком, 1932 год

Сюрреализм

Война и послевоенный период

Нависшая над Европой угроза, а также страх перед войной, заставили Пикассо если не прямо отражать настроение на полотне, то придавать картинам мрачность и трагизм. Послевоенное же творчество художника можно назвать счастливым — в работах художника прослеживается остроумие и отсутствие мрачных сюжетов.

«Плачущая женщина», 1937 год

«Палома с целлулоидной рыбой», 1950 год

Картины военного и послевоенного периодов

Поздние работы

Вплоть до своей смерти Пабло Пикассо продолжал рисовать. Однако, в отличие от его предыдущих работ, произведения, созданные в это время, не классифицируются в определенный стиль, так как многие его работы включают в себя разнообразные элементы прошлых периодов. Работы последних 15 лет творчества Пикассо очень разнообразны и неравны по качеству.

«Жаклин с цветами». 1954 год

«Алжирские женщины (версия О)», 1955 год

Картины последнего периода

Источник: https://zagge.ru/evolyuciya-kartin-pablo-pikasso/

"Авиньонские девицы"

Пикассо Пабло

П. Пикассо «Авиньонские девицы», 1907 г.

    Картину
Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» принято считать началом эры кубизма.
Наверное, с этим можно согласиться. Более того, можно привести массу доводов,
что это именно так. Многие авторы статей о кубизме, даже не утруждают ни себя,
ни  читателя никакими доводами или доказательствами,
приводя это утверждение a priori, не подвергая его ни малейшему сомнению.

    Ради
терминологической дотошности и справедливости ради надо отметить, что картину
«Авиньонские девицы» никто из серьезных искусствоведов не относит к периоду кубизма, но
подразумевается, что кубизм «родился здесь», хотя сама картина относится к
«африканскому»(1) — предшествующему кубизму
— периоду творчества Пикассо (1907-1909 г.).

 Именно это подразумевание, а иногда прямое
указывание, типа: «Первым произведением кубистического цикла в творчестве
Пикассо явились его «Авиньонские девицы», —  меня настораживает.

Именно такие
подразумевания и указания, а не сложность объяснения метода кубизма, на которую
ссылаются некоторые авторы статей, по моему глубокому убеждению, запутывает
четкое определение «что есть кубизм».

    Действительно,
если «Авиньонские девицы» открывают кубизм, следовательно, в ней должен быть
заложен новый (пусть еще не совершенный) метод. Но его там нет.

                       Пикассо Пабло                    Пикассо Пабло
                             П. Пикассо 1907 г.                                  К. Шмидт-Ротлуф 

    Существует
бесспорное визуальное сходство изображений у Пикассо и художников группы
«Мост».

И сходство не ограничивается визуальным рядом: построением композиций,
деформацией фигур, стремлением к обобщенности форм, почти полным отсутствием
плавных линий и преобладанием острых углов, сходство простирается дальше: в
построении пространства, в отношениях «фигура-фон» и даже наличием родовых
пятен уходящего в прошлое искусства «жизнеподобия»: сюжета (нарратива) с непременным
переживанием катарсиса. Правоту утверждения последнего косвенно доказывает сам Пикассо. Известно, что он не мог принять укоренившееся с
легкой руки галеристов название «Авиньонские девицы», упорно называя ее
«Авиньонский бордель», подчеркивая тем самым значимость сюжета и свою еще не
преодолимую зависимость от него.

    Возникает
закономерный вопрос: «Почему картины «мостовиков» не трактуются «кубическими»,
в отличие от картины «Авиньонские девицы»? 
Пикассо Пабло Пикассо Пабло
                   П. Пикассо, 1907 г.         Эрнст Людвиг Кирхнер, 1905 г.          Карл Шмидт-Ротлуф

    Даже
поверхностный анализ картины «Авиньонские девицы» предполагает сделать вывод,
что никаких открытий и новой формы для искусства того времени в ней нет.  Стилистический и композиционный хаос(2) скорее говорит о творческом кризисе автора и
крушении метода предыдущего периода, чем об открытии новых перспектив.

    Мы даже
можем предположить, чем мог быть вызван столь глубокий творческий кризис
Пикассо. Скорее всего, он явился потрясением от внезапного осознания своей
провинциальной отсталости.

Новости о последних достижениях художников Германии
для молодого амбициозного Пикассо вряд ли могли принести чувство удовлетворения
и творческого покоя.

 Его быстрый и проницательный ум подсказывал,
что парижская богемная элита, принадлежности к которой он так стремился, утеряла
пальму первенства и авангардности, превращаясь (о, ужас!) в сообщество провинциальных
художников.

    Это означало
конец творческой безмятежности в лоне культивируемой — аж с эпохи Возрождения —
эстетики прекрасного.

Что мог противопоставить Пикассо пришедшей эпохе
экспрессионизма, чтобы сохранить достигнутые позиции? чтобы сохранить и развить
успехи последних лет? Язык его лучших произведений: «Актер», «Девочка на шаре»
и даже амбициозной по замыслу и размерам картины «Семейство комедиантов», оказался
чрезмерно громоздким и устаревшим.

Печальные Пьеро, задумчивые гимнасты и
акробаты с их индивидуальными печалями и элегиями, оказались неуместными в
надвигающейся эпохе резких социальных и политических сломов и сдвигов. Наступало
время Доры Маар, терзающей душу женским рыданием, но Пикассо еще не обрел язык,
способный отобразить этот вопль отчаяния.

    Известно,
что во время работы над картиной «Авиньонские девицы», художник почти не
выходил из мастерской и ни с кем не общался. Попытка «взять штурмом бастион»
нового и еще непонятного для него экспрессионизма, скорее напоминала агонию,
чем рассчитанный шаг развития. Не удивительно, что результат шокировал даже его близких
друзей.

    Увлечение
африканским искусством, с помощью которого он хотел вырваться за пределы ставшей
ненавистной ему эстетики прекрасного, дало ощутимые результаты, но главная
проблема не разрешилась. Для обретения нового языка и новой формы судьба
уготовила ему другое увлечение, хотя и не столь экзотическое.

__________________________________

(1). Активную фазу кубизма принято
считать с 1909 по 1917 год.* В свою очередь, кубизм (вполне оправданно) делят
на 3 периода:                                                                                         1.
сезанновский (1907-1909); 

     2. аналитический (1909-1912); 

     3.
синтетический (1913-1917).

(2). Обратите внимание на то, как
трактованы головы двух левых фигур: и цветом, и светлотой, и стилистически, они
вырываются из общего контекста. 

  • Закономерности развития искусства от импрессионизма до наших дней:
  • (см. посты)
  • __________________________________________________________________________________
  •  (продолжение
    следует)

Источник: http://newart-paintab.blogspot.com/2013/02/blog-post_15.html

Пабло Пикассо «Авиньонские девицы». Описание картины

Картина «Авиньонские девицы» или в первоначальном варианте «Философский бордель» по-настоящему эпатировал публику. Даже друзья мастера не приняли дерзкое произведение.

В 1906 году Пикассо увлёкся африканской культурой, открытие и исследование которой ознаменовал начало века. На мастера оказали огромное влияние скульптура и грубые негритянские маски, обладающие магической силой. Этот богатый культурный пласт стал эффективным толчком для Пикассо, разительно обновив его методы и стиль.

«Авиньонские девицы» сочетают в себе непосредственное влияние африканского искусства и творчества импрессионистов, в частности, Сезанна («Купальщицы»).

Сюжет навеян посещением одного из борделей Барселоны. Как утверждал сам Пабло Пикассо, ни над одной картиной он так скрупулёзно не работал, потратив на неё целый год.

Искусствоведы считают это полотно отправной точной кубизма, ведь здесь фигуры девушек представлены не в реалистичном понимании, а в виде геометрических фигур и объёмов — острые углы, точные простые линии, конструктивность.

Группа девушек на фоне занавески создаёт абсолютно новую реальность. Впоследствии такое авангардное представление человека станет фирменной «фишкой» мастера, благодаря чему узнать его индивидуальный стиль не составит труда даже человеку совсем далёкому от изобразительного искусства.

Не сразу бросается в глаза небольшой, несколько схематичный натюрморт внизу полотна – это изображение фруктов, подчёркивающее расслабленно-откровенную обстановку борделя Каррер д’Авиньо.

Также эту работу можно рассмотреть как конгломерат всех периодов художника – правые девицы нарисованы в африканских масках, знаменующих рождение кубизма, остальные же нарисованы в антураже голубых или розовых тонов, напоминающих зрителю об ушедших «голубом» и «розовом» периодах.

Читайте также:  Сонаты для фортепиано шуберта: история, видео, содержание

Интересно то, что согласно рентгеновским снимкам первоначальный вариант картины был совсем другим – на полотне помимо девушек присутствовали моряки и студент-медик с черепом в руках. Однако отчего-то Пикассо отказался от первоначальной задумки, и изобразил лишь пять обнажённых девушек.

Картина явилась своего рода психологическим вызовом обществу, и не глядя на негодование оного, Пикассо очень любил эту работу, возведя её в разряд хрестоматийной. Мастер решился продать её лишь в 1924 году.
Пикассо Пабло

Картина испанского художника Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» 1907 г. Холст, масло. 243,9 x 233,7 см. Нью-Йоркский музей современного искусства

Источник: http://picasso-picasso.ru/pablo-pikasso-avinonskie-devicy/

Авиньонские девицы

?

Авиньонские девицыart_shmartOctober 2nd, 2008Помнится здесь уже заходил разговор о Пабло Пикассо, если не изменяет память о «Гернике». Ну что ж, полагаю было бы не разумно обойти вниманием ещё один из многочисленных шедевров великого испанского художника, «Авиньонских девиц», тем паче, что с неё-то и начался кубизм, как принято считать в современном искусствознании.Пикассо Пабло Пабло ПикассоАвиньонские девицы (Les Demoiselle d'Avignon) — 1907 г.Холст, масло. 243,9 233,7Музей современного искусства, Нью-Йорк.«Авиньонские девицы» — первая картина кубического периода Пикассо, написана в 1907 году. Вдохновением для данной картины, возможно послужила картина Поля Сезанна «Купальщицы», а также выставка иберийской скульптуры, прошедшая в Париже в 1906 году. Первоначальное название картины — «Философский бордель», окончательное название «Авиньонские девицы» дал писатель Андре Салмон, друг художника.Картина навеяна борделем в квартале Калле д’Авиньон Барселоны. на картине изображено пять обнажённых женщин, написанных в разной манере. Две правые фигуры с лицами напоминающими маски — начало нового течения в живописи, кубизма. Женщины написаны в розового-охристых тонах, фон в голубых тонах, прослеживается влияние «розовых» и «голубых» периодов творчества Пикассо.Картина наделала много шуму среди парижских художников. Под впечатлением от картины Жорж Брак написал свою «Обнажённую», также влияния данного полотна просматривается в творчестве Андре Дерена и Робера Делоне.В 1920 году картину приобрёл коллекционер Жак Дусе, до этого картина не выставлялась. Впервые полотно попало на выставку в 1937 году.

Благодарю доблестного борца с невежеством http://ru.wikipedia.org/

Авиньонские девицы.В 1905 г. Пикассо создает свою знаменитую серию «Акробаты», «Девочка на шаре», «Семья акробатов» и другие композиции «розового» периода, исполненные мягкого лиризма, еще более детализированные, близкие к натуре, чем предыдущие работы. Они не предвещают того перелома в творчестве художника, который наступает внезапно и со всей резкостью проявляется впервые в большой композиции «Авиньонские девицы». Эта картина была начата в 1906 г. в манере, довольно близкой предыдущим: портрет Гертруды Стайн, «Две обнаженные женщины» (обе картины написаны в 1906 г.). Но когда она была закончена, в 1907 г., в ней не осталось ничего, что напоминало бы прежнего Пикассо «розового» периода. Пять обнаженных женских фигур, изображенных в разных ракурсах, заполняющих почти всю поверхность холста, как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня. Тела предельно обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон картины, создают ощущение распада и дисгармонии.

Авиньонские девушки. П. Пикассо. 1907 год.

Картина Авиньонские девицы (Нью-Йорк, Музей современного искусства), которую Пикассо решился выставить лишь много лет спустя после ее создания, является одним из самых революционных произведений начала 20 в. На первый взгляд, это всего лишь вариация традиционного сюжета — купальщицы на фоне пейзажа. Однако нарочитые смещения форм создают эффект, автономного пространства.

Холст более не рассматривается как окно в иллюзорное пространство. Картина теперь не считается подражанием природе и вообще чему бы то ни было; отныне она самоценный, независимый объект.

В картине Авиньонские девицы изображение состоит из нескольких фрагментов живописных плоскостей, которые оказываются не жестко скрепленными, а находящимися в свободном движении друг относительно друга. Если зритель смотрит на верхний правый угол картины, он с большим трудом может обнаружить плоскости, разграничивающие объемы предметов и пустое пространство.

Такого разделения — одного из основополагающих понятий для всей предшествующей западноевропейской живописи — в этой работе не существует. Искаженные формы со срезанными углами и совмещением фрагментов разных пространственных планов передают ощущение необработанности первичной материи.

В поисках первобытной энергии и мощи Пикассо, как уже отмечалось, обращался к мотивам иберийской скульптуры и африканских резных деревянных масок — формам примитивного искусства, которые в начале века вызывали огромный интерес у парижских художников и любителей искусства.

Замысел и композиция картины Авиньонские девицы соответствуют эстетике кубизма — направления в искусстве, которое создали ок. 1909 Пикассо и Брак. Первая фаза развития этого течения (1909—1912) получила название «аналитический кубизм»: предметы, все еще узнаваемые, как бы разложены на составляющие их абстрактные геометрические формы.

Направление развития кубизма на ранней стадии можно последовательно проиллюстрировать картинами Пикассо: Сидящая женщина (1909, Лондон, коллекция Пенроуз), Портрет Канвайлера (1910, Нью-Йорк, частное собрание) и Моя красавица (1911, Нью-Йорк, Музей современного искусства).

Постепенно сюжет теряет свое значение; различие между предметами и свободным пространством исчезает, композиция становится все более дробной. Вопреки расхожему мнению, в цели Пикассо и Брака не входило изображение предмета одновременно с разных точек зрения.

Скорее они стремились использовать предметы как средство исследования новых пространственных отношений, которые могли существовать только внутри самой картины и не были связаны со зрительным восприятием реального мира.Картина произвела глубоко удручающее впечатление на друзей художника. Одни сочли ее мистификацией, другие заговорили о душевной болезни автора. Ж.

Брак, увидевший «Авиньонских девиц» одним из первых, возмущенно заявил, что Пикассо хочет заставить его «есть паклю и пить керосин». По свидетельству Гертруды Стайн, известный русский коллекционер С. И.

Щукин, большой поклонник живописи Пикассо, будучи у нее после посещения мастерской художника, чуть ли не со слезами на глазах воскликнул: «Какая потеря для французской живописи!» Маршаны, до того скупавшие все работы Пикассо, отказались приобрести эту картину, значение которой в 1907 г. поняли, кажется, только два человека – Гийом Аполлинер и Даниель Анри Канвейлер.

Именно эта картина, так и оставшаяся непризнанной, знаменует начало нового, «негритянского» периода в творчестве Пикассо и нового направления в мировом искусстве – кубизма.«Картина «Авиньонские девицы» не является в собственном смысле кубистской картиной, – пишет крупнейший английский исследователь Джон Голдинг. – Кубизм реалистичен… в некотором смысле это – искусство классическое.

«Девицы» же производят впечатление крайней напряженности… Вместе с тем этот холст, бесспорно, отмечает перелом в творчестве Пикассо и, более того, начало новой эры в истории искусства. Он является логической отправной точкой в истории кубизма.

Анализ картины отчетливо показывает, что большинство проблем, над которыми позднее будут совместно работать в процессе создания стиля Брак и Пикассо, здесь уже поставлены, может быть, еще неумело, но впервые достаточно ясно».По свидетельству Г. Стайн (портрет которой осенью 1906 г.

заканчивал Пикассо), именно в период работы над «Авиньонскими девицами» художник благодаря Матиссу познакомился с африканской скульптурой. М. Жорж-Мишель в книге «Живописцы и скульпторы, которых я знал» вспоминает о посещении Пикассо вместе с Аполлинером экспозиции негритянского искусства в Музее этнографии Трокадеро.

По словам Жорж-Мишеля, Пикассо «вначале легкомысленно развлекался, но затем страстно увлекся безыскусственными варварскими формами». Можно добавить, что в 1906 г. Пикассо познакомился с Дереном, который находился тогда под сильным впечатлением от африканской скульптуры, открытой им в Британском музее.

Поэт и критик Андре Сальмон, всемерно поддерживавший новое направление в искусстве, был первым указавшим на связь между созданием знаменитой картины и африканской скульптурой. Сальмон пишет, что в 1906 г. Пикассо переживает значительный кризис. «День и ночь он тайно трудится над картиной, пытаясь воплотить в ней свои новые идеи.

К этому времени художник уже увлекся искусством негров, считая его более совершенным, чем египетское. Причем особенно он ценил его конструктивность, считая, что дагомейские или полинезийские образы предельно лаконично передают пластическую сущность предмета».

По свидетельству Сезанна, Пикассо явно отдавал себе отчет в том, что в африканской скульптуре его привлекает безыскусственная пластичность, непосредственность. В связи с этим следует упомянуть также замечание русского критика Тугендхольда в статье о коллекции С. И. Щукина. «Когда я был в мастерской Пикассо, – писал Тугендхольд, – я увидел там черных идолов Конго, я вспомнил слова А.

Н. Бенуа о… предостерегающей аналогии между искусством Пикассо и религиозным искусством африканских дикарей и спросил художника, интересует ли его мистическая сторона этих скульптур… Нисколько, ответил он мне, меня занимает их геометрическая простота».Геометрическая простота фигур – именно то, что прежде всего бросается в глаза в «Авиньонских девицах».

Причем лица двух правых фигур прямо ассоциируются с африканскими ритуальными масками. По рисунку и цвету эти головы резко отличаются от остальных, и композиция в целом производит впечатление незаконченности.

Рентгенограмма картины показала, что обе эти фигуры, самые новаторские и в то же время самые «негритянские», были написаны вначале в той же манере, что и остальные, но вскоре переписаны заново. Предполагают, что они были переработаны после посещения художником этнографического музея, когда он «страстно увлекся» африканской скульптурой.«Я сделал половину картины, – объяснял Пикассо, – я чувствовал, что это не то! Я сделал иначе. Я спросил себя: должен ли я переделать все целиком. Потом сказал: нет, поймут, что я хотел сказать».1906 г. был определяющим для дальнейшей направленности его творчества, именно в это время Пикассо переходит от реализма сентиментального к реализму пластическому. Пикассо больше не удовлетворяют его предыдущие достижения. «Все это от чувства!» – заявил он в 1906 г. другу по поводу своих предыдущих работ. Уяснение этого момента (отрицание чувства, переживаний как основы творческого импульса) очень важно для правильного понимания тех задач, которые были поставлены пионерами кубизма.В этом смысле весьма характерны известные афоризмы Ж. Брака – одного из основателей этого направления: «Я люблю правило, которое корректирует переживание», «Чувства деформируют, рассудок – формирует», «Эмоция не должна передаваться взволнованным трепетом. Она не усиливается и не имитируется. Она есть завязь, произведение – распустившийся цветок». Однако эти формулировки появились позднее, когда Брак в тесном сотрудничестве с Пикассо уже далеко ушел по новому пути. Вначале шокированный больше других «Авиньонскими девицами», он вскоре оказался первым признанным представителем направления, которое именно его работам обязано своим названием.

Автор реферата не известен, а адрес текста http://www.kultreferat.popal.ru/printout2035.html

По ссылке находится статья Е. Ракчеевой о рассматриваемом полотне.

Источник: https://art-shmart.livejournal.com/7181.html

Авиньонские девицы

Пикассо Пабло

Описание картины Авиньонские девицы

Тема картины была внушена Пикассо девушками публичного дома квартала Авиньон в Барселоне Я(он походил на улицу, где подростком жил художик). Обычная картина, тема которой — поститутки, представляет красивое нравоучение.

Читайте также:  Айвазовский "смотр черноморского флота в 1849 году" описание картины, анализ, сочинение

На подготовительных эскизах бок о бок с «Авеньонскими девицами» сидят моряки и студент-медик, держащий череп, — нечтно вроде memento mori, объеденяющей секс и смерть.

Окончательная версия картины представляет пять проституток перед наполовину прикрытой шторой, в нижней части композиции — натюрморт из плодов. 

Это — отличающееся от предшествующих, не дискурсивное (то есть последовательно рассказанное)  произведение художника.  Значение следует за символом и педставляется скорее как вызов. Близких Пикассо шокировала не столько тема, сколько манера, в которой выполненна картина: ее фигуры напоминают разобщенные доски изгороди, через которую глаз фиксирует события.

Источники картины различны. Предыдущим летом Пикассо провел «каникулы» в Госоле, прогретой солнцем деревне выше долины Андорры, в сердце Пиренеев.

Там он участвовал в жизни крестьян — сопровождал их на охоте, слшал легенды, гулял. По возвращении в Париж художник приобрел две каменные иберийские головы с сомкнутыми глазами и сжатыми челюстями.

К этому добавляется открытие африканской скульптуры, без сомнения решающее.

«Авиньонские девицы» выполненв в два периода ожесточенной работы — приблизительно по шесть месяцев для каждой из сторон, очень отличающихся друг от друга.

В первый период художник написал три центральные фигуры, за исключение головы женщины помещенные в левой части и выполненные в том же стиле, что и созданные в Госоле произведения и иберийские скульптуры. Обнаруживаются характерные моменты: тяжелые подбородки, огромные уши и выпученные глаза.

Пикассо наслаивал на полотно их тела, фиксируя угловатость груди и коленей, ориентировал их носы, презрев все правила живописи, установившиеся начиная с Ренессанса.

Писатель и коллекционер Гертруда Стайн познакомилась с этой картиной и написала: » Каждый шедевр родился на свет с дозой уродства в нем. Это уродство — знак борьбы  творца с целью создания новой ыещи новым образом».

Прекрасная брутальность выражена, главным образом, персонажами правой стороны, которая была выполнена возможно в июле с неслыханной, «дикой» смелостью: параллельные полосы, штриховки, надрезы, которыми исполосованы тела.ю узкие неодинаковые глаза.

Тела этих персонажей, с их чистыми цветами, — более угловатые, чем тела трех других женщин и сидящей проститутки внизу справа — с ногами и бюстом, повернутыми так, что она становится похожей на монстра.

Видение Пикассо в «Авеньонских девицах»  боизко примитивам, нагружено дедовскии страхами и отложившимися в паяти угрозами. Пикассо в рамках ретроспективы хотел изобразить что-то противоположное  «Турецким богиням» Жана Доминика Энгра. В Госоле за год до «Авиньонских девиц» он создал почти монохромную композицию «Гарем». Это как первый этап к созданию «Авиньонских девиц».

Для своих значимых работ художник всегда делал эскизы. «Авиньонские девицы» сопровождались многочисленными этюдами, среди которых — параллельно выполненные эскизы обнаженных. Существуют так же эскизы, выполненные китайской тушью.

Говорят о том, что знаменитая картина многим обязана Сезанну (будучи «отщепенцем» импрессионизма, он стал героем художников молодого поколения). Авеньонские девицы — предвестники кубизма, с которго начнется следующий год, ставший революционным для современного искусства.  Автору этой революции 26 лет.

Картина, будучи скатана, кочевала по мастерским художника , в конечном счете найдя приют в музее лишь спустя 32 года — своего рода шедевр в кредит.

В 1924 году она оказалась в частной коллекции одельера Жака Дусе, купивего ее по совету Андре Бретона за 25 000 франков, выплаченных в виде 12 ежемесячных взносов.

Обсудить на форуме

Источник: https://art-on-web.ru/pablo_pikasso/pictures/2030

«Авиньонские девицы» Пабло Пикассо

В Пушкинском музее 30 августа откроется выставка «Анатомия кубизма». Ее центральным экспонатом станет тетрадь с эскизами Пабло Пикассо к одному из его шедевров — «Авиньонским девицам». Рассказываем, почему Пикассо писал картину голым и при чем тут бордель.

— В заглавие выставки не зря вынесен термин «кубизм». И не зря ее центральным экспонатом станет тетрадь с набросками Пабло Пикассо к «Авиньонским девицам».

Пабло Пикассо, «Авиньонские девицы», 1907.

Именно с этой картины испанского художника, как считают эксперты, начался кубизм. Определить дальнейшую судьбу изобразительного искусства «Авиньонским девицам» удалось благодаря тому, что ее первыми зрителями стали художники-современники Пикассо: Жорж Брак, Андре Дерен, Анри Матисс.

Сам же испанец, работая над полотном, искал новый подход к изображению пространства и перспективы. Художник Поль Сезанн в одном из писем советовал Пикассо в качестве основы для изображения применять простые геометрические фигуры. И испанец воспринял это буквально.

Героинь «Авиньонских девиц» он как будто «сложил» из геометрических фигур. 

Пабло Пикассо. «Набросок сидящей женщины: обнаженная с драпировкой», 1907.

— «Авиньонских девиц» Пабло Пикассо создал в 1907 году. Над картиной художник, который обычно писал довольно быстро, трудился на протяжении девяти месяцев, а в летний период из-за страшной духоты в своей дешевой мастерской и вовсе работал голым. За почти год Пикассо создал огромное количество эскизов и набросков — 809.

Долгое время они хранились у самого художника. И, по мнению одного из главных биографов Пикассо Пьера Декса, «кажется, Пикассо старался избежать публичного показа подготовительных эскизов к своему огромному полотну, может быть из боязни быть втянутым в раздражавшую его до глубины души дискуссию об истоках его замысла».

Пабло Пикассо. «Женский бюст/ Набросок с кувшином, чашей и лимоном», 1907

— Изначально картина Пикассо носила другое название — «Философский бордель». Сюжет полотна был навеян посещениями публичного дома на улице Каррер д’Авиньо в барселонском Готическом квартале. Художник не раз бывал там в молодости. Уже позднее название картины сменилось на «Авиньонских девиц». Такой вариант придумал друг Пикассо — писатель Андре Сальмон.

Пабло Пикассо. «Три женщины. Этюд», 1907–1908 © ГМИИ им. А. С. Пушкина

— Параллельно с написанием «Авиньонских девиц» Пикассо переживал угасание чувств к Фернанде Оливье. С ней художник познакомился в 1904 году, когда только переехал в Париж с тремя сотнями франков в кармане, тайно мечтая прославиться. Девушка ревновала возлюбленного к полотну, которое он писал почти год. А когда увидела законченный вариант, не произнесла ни слова.  

Пабло Пикассо. «Дружба (II). Этюд», 1907–1908 © ГМИИ им.А.С. Пушкина

— Источниками вдохновения при работе над «Авиньонскими девицами» для Пикассо послужили картина Поля Сезанна «Купальщицы» и выставка масок Черного континента, которую он посетил в Этнографическом музее Парижа.

Сезанна Пикассо называл «наш общий отец». А в искусстве народов Африки, которое считалось примитивным, испанский художник, напротив, видел экспрессию и свободу от европейских изобразительных канонов.

 

Поль Сезанн, «Купальщицы», 1900.

— «Авиньонские девицы» раскололи критику и художественное сообщество. «Какая потеря для французской живописи», — сокрушался меценат Сергей Щукин. А арт-дилер Амбруаз Воллар назвал картину «работой безумца».

Анри Матисс увидел в картине издевку над сторонниками обновления искусства и над самим собой. А вот один из основателей кубизма Жорж Брак был впечатлен и воскликнул: «При взгляде на эту картину возникает ощущение, что вы пытаетесь заставить нас есть паклю или пить бензин и плеваться огнем».

Были и те, кто считал, что придет день, когда Пикассо повесится на фоне своего творения.

Обложка альбома Пикассо № 7 для «Авиньонских девиц» с изображением Орла, 1907.

— Публика впервые увидела «Авиньонских девиц» лишь спустя девять лет после их создания — в 1916 году. И никто не спешил покупать у Пикассо полотно.

Лишь в 1920-м картину приобрел модельер и коллекционер Жак Дусе. А впервые на выставку «Авиньонские девицы» попали в 1937 году.

Сегодня работа хранится в нью-йоркском Музее современного искусства и не покидает его постоянную экспозицию. 

Пабло Пикассо, «Набросок обнаженной с драпировкой», 1907.

— «Авиньонских девиц» не переставали анализировать даже спустя несколько десятилетий после их создания. В 1972 году арт-критик Лео Штейнберг предположил, что изобразив женщин на картине столь жуткими, Пикассо дал выход своему страху заразиться венерической болезнью. Кстати, ее художник все же подцепил в одном из борделей Барселоны и потом лечил долгие годы.

Подписывайтесь на наш канал, чтобы узнавать еще больше интересного!

БОЛЬШЕ О ЖЕНЩИНАХ ПИКАССО МОЖНО УЗНАТЬ В НАШЕМ МАТЕРИАЛЕ ПО ССЫЛКЕ

Пабло Пикассо, «Обнаженная в красном кресле», 1932 © Picasso/DACS

Источник: https://zen.yandex.ru/media/id/5a5d038ffd96b195c8b50e0f/5b83caec9dd01100aa7040ab

Авиньонские девицы, Пабло Пикассо, 1907

Авиньонские девицы — Пабло Пикассо. 1907. Холст, масло. 243,9х 233,7
   Великая тайна рождения новых направлений в живописи не разгадана до сих пор.

Миллионы культурологов, искусствоведов, антропологов, социологов сотни лет ломают головы над этим секретом развития представления о красоте и правилах отображения мира людей в художественных полотнах. Но каждый раз натыкаются на случайный характер всех открытий в мире искусства.

«Когда б вы знали из какого сора растут стихи, на ведая стыда»… Эмоциональная попытка Ахматовой раскрыть секреты творчества лишь добавила тумана и загадочности…

   Картина «Авиньонские девицы», или как ее хотел назвать сам автор «Философский бордель», родилась действительно в борделе.

В этом пикантном заведении художник искал ответ на свои внутренние терзания, переживая угасание любви к женщине, которую еще недавно боготворил. Девицы легкого поведения принимали перед ним самые живописные позы, а перед глазами мастера их пышные формы приобретали геометрическое и безжизненное звучание.

Тела распадались на неестественные составляющие и не соединялись воедино. На лицах появлялись уродливые маски, отражающие трагичные и несчастные души «жриц» этого не самого шикарного заведения Барселоны.

   Около тридцати лет картина была доступна для обозрения лишь коллегам мастера. Для публики работа была слишком революционна, слишком необычна, слишком вызывающа. Коллеги относились к ней по-разному: от восхищения и блестящих пророчеств, до проклятий и полного пренебрежения.

   Искусствоведы ищут в картине созвучие с импрессионистами, с мастерами архаической Испании. Корни новой для самого художника эстетики, разумеется, лежат в народном искусстве. Пикассо всегда оставался испанцем во всем: в резкости, темпераменте, колорите и драматургии своих работ.

   В работе органично сошлись два «фирменных» цвета великого мастера — голубой и розовый. Подводя итоги предыдущих периодов творчества, мучительных поисков своего особенного пути в искусстве, автор решительно прорывается в новую, особенную художественную реальность, отрицая прошлое и смело глядя вперед. Именно с этой работы начинается тот самый Пикассо, которого весь мир считает гением современной живописи.

   Зритель до сих пор поражается смелости и совершенно особенной выразительности, которые делают картину шедевром. Именно эта картина завершила недолгую эпоху фовизма в искусстве, утверждая новую эстетику, новую программу, название которой — кубизм — надолго завладело умами лучших мастеров во всем мире.

Другие картины Пабло Пикассо

Источник: https://muzei-mira.com/kartini_ispanskih_hudojnikov/1679-avinonskie-devicy-pablo-pikasso-1907.html

Самые знаменитые работы Пабло Пикассо: описание

Символом мира считается голубь с оливковой ветвью от Пикассо. Этот человек был не только гениальным художником, импрессионистом и основателем кубизма, он был гуманистом, общественным деятелем и борцом за мир. Сейчас рассмотрим самые знаменитые работы Пикассо.

Читайте также:  Леонардо да винчи "тайная вечеря" описание картины, анализ, сочинение

Самые известные картины Пабло Пикассо:

1

 Наука и благотворительность (1897)

Внушительная работа юного шестнадцатилетнего Пикассо удивляет своим размахом и смыслом. Картина написана в стиле реализма. У постели больной женщины сидит доктор. Рядом стоит монахиня — она взяла заботу о ребёнке больной женщины.

Работа блестяще выполнена в классической манере академической живописи. Эта работа была отмечена почётной наградой и золотой медалью на разных выставках. Несмотря на грандиозный успех, Пикассо больше никогда не возвращался к академизму.

2

 Автопортрет в голубой период (1901)

Портрет написан художником в начале своего творческого пути и искания. В начале «голубого периода» он натыкается на непонимание со стороны зрителей. К тому же он погряз в безденежье, и его не отпускала чёрная полоса жизни. Автопортрет Пикассо — образ полного отчаяния и одиночества, душевного холода.

3

 Ребёнок с голубем (1901)

Картина французского или «голубого периода», когда молодой Пикассо проживал в Париже, показывает яркую индивидуальность начинающего импрессиониста.

Маленькая девочка в белом платье трогательно прижимает к себе голубя. Её коротко остриженные рыжие волосы контрастируют с холодным и безликим фоном картины. У ног девочки лежит ярко раскрашенный мяч. Вероятно, Пикассо изобразил на картине свою умершую в детстве младшую сестру.

Эта картина очень печальна. В тот период в жизни художника происходили различные трагические события, которые повлияли на стиль написания картин. В них преобладали оттенки голубого цвета, что дало соответствующее название периоду творчества Пикассо.

4

 Трагедия (1903)

Картина «Трагедия» — очередное полотно «голубого периода» в жизни Пикассо. Картина изображает трёх людей: женщину, мужчину и ребёнка в самый тяжёлый момент их жизни. Люди отчаялись, лишения и бедность подкосили их. Они стоят босыми на берегу моря, им холодно, они кутаются в свои жалкие одежды.

Мужчина не знает, что делать, чтобы спасти семью. Ребёнок ищет поддержки у отца, но тот погружен в свои мысли. Синий цвет картины подчёркивает невыносимую тоску и бедность низших слоёв общества, их трагическую судьбу.

5

 Старый гитарист (1903)

Это полотно также написано в знаменитый «голубой период» творчества Пикассо. Трагическая составляющая картины подчёркнута холодной цветовой гаммой. Старый, слепой, истощённый музыкант сжимает свою единственную подругу — старую гитару. Его физические и духовные страдания очень быстро передаются зрителю. Возле этой картины начинаешь ощущать неизбежность смерти и невыносимое одиночество.

6

 Жизнь (1903)

Эта картина также написана в «Голубой период» творчества и признана мировым шедевром, хотя Пикассо не любил эту работу и считал её незавершённой. Сюжет картины описывает четыре основных периода в жизни человека: рождение, любовь, одиночество и смерть.

На фоне голубого, плавно переходящего в зелёный, изображены статичные и абсолютно без эмоций человеческие фигуры. Слева — влюблённая пара, справа — одинокая мать с новорождённым ребёнком, в центре вверху — прощание и внизу в центре смерть.

7

 Девочка на шаре (1905)

Одним из самых известных и монументальных полотен Пикассо является «Девочка на шаре». Сочетание статичности и движения, большого и маленького, основательного и хрупкого создаёт удивительный контраст.

Мощная, застывшая глыба сидящей мужской фигуры акробата на абсолютно устойчивом кубе и хрупкая фигурка девочки, балансирующей на шаре, занимают всё пространство полотна. На заднем плане изображены маленькие фигурки женщины и ребёнка, собаки и белой лошади. Они уравновешивают композицию и делают её целостной.

8

 Семейство комедиантов (1905)

На смену «Голубому периоду» в жизни Пикассо пришёл «Розовый период» одиночества и бедности. «Семейство комедиантов» — картина, предвещающая смену живописного стиля Пикассо. Тональность и цветовая гамма его полотен сменилась. В них появились тёплые розовые, серые и жёлтые оттенки.

В те годы его увлёк мир циркового и театрального искусства. Персонажами таких картин стали жонглёры, акробаты, клоуны, наездницы. На картине изображена группа цирковых бродячих артистов. Акробаты, шуты, Арлекин, держащий за руку дочь, девушка на переднем плане — группа глубоко одиноких и обездоленных персонажей.

9

 Авиньонские девицы (1907)

Картина была написана в начале века, а выставлена только через тридцать лет. Авангардное полотно не было оценено его современником — А. Матиссом. Предполагают, что критика с его стороны была явной ревностью, ибо картина была настолько хороша, что впоследствии приобрела огромную популярность.

Видимо, Пикассо опережал своё время на шаг вперёд. Эта картина стала очередной ступенькой в творчестве художника, как кубиста. На этом полотне уже видны зарождающие черты этого стиля. Анре Сальмонт, друг художника, предложил назвать полотно «Авиньонские девицы».

Кстати, если вы хотите узнать нашу версию рейтинга самых красивых женщин в истории, переходите по ссылке.

10

 Сидящая женщина (1909)

Портрет Фернанды, своей постоянной натурщицы, Пикассо выполнил необычной манере. Кубизм только зарождался, и художник искал всевозможные способы изображения. Весь портрет разделён на мелкие детали.

Картина написана в светло-коричневых и зеленоватых тонах. Маленькая голова контрастирует с крупным телом. Изображение одновременно и объёмное, и плоское.

В отдельных сегментах присутствует градация тона — от светлого к тёмному, что даёт эффект объёма общего вида.

11

 Три танцора (1925)

Пикассо в конце своей жизни назвал своё первое сюрреалистичное полотно «Пляской смерти». Картина изображала любовный треугольник двух своих друзей и роковой женщины, любовь к которой привела к их трагической гибели.

12

 Сон (1932)

Картина написана в стиле сюрреализма. На картине художник изобразил Марию-Терезу Вальтер свою прекрасную возлюбленную. Ни одну женщину он не писал с большей любовью, и этому доказательство — картина «Сон».

Её красивое лицо изыскано, поза женщины расслаблена, голова слегка запрокинута и имеет форму разбитого сердца, её округлые изгибы полные неги. Руки, сложенные на животе подчёркивают будущее материнство натурщицы. Она в ожидание младенца — дочери художника.

Советуем посмотреть на картины знаменитого сюрреалиста Сальвадора Дали, опубликованные на нашем сайте most-beauty.ru.

13

 Девушка перед зеркалом (1932)

Очередной портрет Марии Терезии Вольтер написан в необычной манере. Художник ищет новые формы. На картине изображена молодая женщина перед зеркалом. Её округлый живот привлекает внимание, как и отражение в зеркале. Необычное цветовое решение, формы делают эту картину загадочной и таинственной. Это полотно в 2015 году было продано за рекордную сумму — 115 млн долларов.

14

 Герника (1937)

Открыть картину в высоком разрешении.

Бомбардировка нацистами города Герники в 1937 г. вызвала у Пикассо протест и возмущение. Под воздействием этого события он изобразил экспрессионистскую картину, полную ужаса, слёз и страданий. Размер картины потрясает — 3,4 на 7,8 метров — во всю стену мастерской художника. В Правой части изображены пылающие здания, из которых в ужасе бегут люди, в основном женщины.

Одна женская фигура охвачена огнём в проёме окна, в левом углу картины кричащая от горя мать с мёртвым ребёнком на руках. Растерзанная женщина с раскинутыми руками — символ смерти. Лампа и фонарь — символ внезапного нападения среди ночи. Эта картина напоминает коллаж из фигур, будто вырезанных из утренних газет. Наполненная эмоциями картина производит неизгладимое впечатление.

15

 Бюст Женщины (1937)

Один из немногих изображений Доры Маар, которое передаёт её красоту. На сложном зелёном фоне с распущенными волосами изображена кареглазая Дора. Её персиковое румяное лицо излучает нежность. Ранее Пикассо писал свою любимую натурщицу в сценах плача или неистового горя. По прошествии трагедии в Гернике, этот портрет немного поднимает настроение художника.

16

 Плачущая женщина / Дора Маар с платком (1937)

Образ женщины в творчестве Пикассо обыгрывался множество раз. Ему терпеливо позировали самые красивые женщины. Одной из них была его близкая подруга — красавица Дора Маар. Серия «Плачущая женщина» довольно большая и затрагивает различные эмоциональные переживания: от глубокого горя и отчаяния до слёз радости.

Картина «Плачущая женщина», для которой позировала Дора Маар, изображает горе и страдание в стиле кубизма. Яркие краски и угловатые формы подчёркивают плоскость изображения. Необычайный эффект достигается путём изображения нижней части лица, просвечивающейся сквозь ткань платка.

Красная шляпка с ярким синим цветком, разноцветные тонкие полосы волос, «вдребезги» разбитые стёкла глаз создают необычайное эмоциональное восприятие картины. В этом всё волшебство и гений Пикассо — из раздробленных частей создать цельный образ.

17

 Голова быка (1942)

Бык — это символ неуправляемой силы и жестокости, неотвратимости беды. Бык Пикассо — символ Второй мировой войны. Необычное скульптурное изображение головы быка выполнено Пикассо из деталей обычного велосипеда. Мордой быка стало кожаное велосипедное сидение, а рогами стал металлический руль. Лаконизм — в этом весь Пикассо.

18

 Дон Кихот (1955)

Простой набросок, чернильный эскиз изображает персонажей культового испанского произведения «Дон Кихот». Символичность рисунка блестяще отображает характеры персонажей. Дон Кихот сидит, понурившись, на своём старом и унылом Росинанте.

В его руке копьё для сражения с мельницами, которые изображены на горизонте. Рядом на ослике восседает увесистый и основательный Санчо Панса.

Этот рисунок стал классическим и бесспорным иллюстративным изображением героев бессмертного романа Сервантеса.

19

 Чикагский Пикассо (1967)

В 1967 году в Чикаго на площади возле Daley Center была установлена большая скульптура, автором которой является Пабло Пикассо. Эту скульптуру называют Чикагским Пикассо. Она полюбилась не только жителям города, но его многочисленным гостям.

Художник не давал намёков, что или кого он изобразил, но подозревают, что это образ Лидии Корбет, которая позировала художнику. В скульптуре можно узнать её по высоко поднятому «конскому» хвосту и длинной шее.

20

 Поцелуй (1969)

Среди работ Пикассо есть серия полная страсти и романтизма — «Поцелуй». Среди них выделяется картина 1969 года, когда творчество художника достигло наивысшего мастерства. Далёкая от реализма картина изображает целующуюся пару. В картине накал страстей подчёркивается большим количеством всевозможных линий: линии на обоях, линии позади мужской фигуры, завитки волос в виде тех же линий.

Эта картина изображает различие чувств мужчины и женщины, эмоциональную дистанцию между партнёрами. Женщина изображена более чувственной и трепещущей, а мужчина наоборот — отрешённым и безразличным. Мысли мужчины витают где-то в другом месте, но не рядом с любящей женщиной.

Это одна из самых интересных картин Пикассо по мнению редакции most-beauty.ru. Для усиления драматизма Пикассо использует для написания картины различные технические приёмы и монохромную живопись.

21

 Купальщица (1971)

Тема купальщиц поднималась Пабло Пикассо в течение всей его жизни. Это целая серия работ, посвящённая женскому телу и женской красоте.

Символические знаки, в основе которых использовались иберийские узоры, символы, сложные формы и таинственные обозначения Пабло Пикассо использовал, чтобы изобразить таинственность и величие женщины.

Обнажённые фигуры на фоне моря в различных художественных стилях получали с каждым годом всё новое и новое развитие.

Очередную «Купальщицу» Пикассо написал за два года до смерти. В зелёных волнах бурного моря плещется обнажённая женщина. Её плавные формы сливаются с волнами, а широко раскрытые миндалевидные глаза сияют радостью от купания.

Послесловие

Автопортрет, Пабло Пикассо, 1907.

Гений Пикассо, его творческая активность, прогрессивность, любовь к жизни подарили миру исключительные шедевры живописи и скульптуры. Пабло Пикассо считается самым популярным и дорогим художником в мире. Каждая его работа оценивается в десятки миллионов долларов. Также его считают лучшим художником последнего столетия.

Редакция most-beauty.ru просит вас написать какие работы Пабло Пикассо производят на вас наибольшее впечатление.

Источник: https://most-beauty.ru/drugoe/kartiny-pikasso.html

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector