Альтдорфер «кающийся святой иероним» описание картины, анализ, сочинение

Альтдорфер

Галерея Уффици во Флоренции.

Портрет Джиневры де Бенчи

Альтдорфер

Портрет Джиневры де Бенчи (копия учеников). Около 1474–1480 годов. Темпера, масло, доска. 38,1×37 см. Национальная галерея искусств (Вашингтон, США).

До Леонардо да Винчи художники изображали абстрактных женщин, воплощавших идеал красоты своего времени. Леонардо стал писать конкретных людей, неповторимых в своей индивидуальности.

Картина посвящена светской тематике: на ней изображена поэтесса и интеллектуалка XV века Джиневра де Бенчи, вышедшая замуж в 17 лет за человека вдвое старше ее. Она была платонической возлюбленной венецианца Бернардо Бембо, который, вероятнее всего, заказал портрет девушки Леонардо.

Джиневра на полотне схожа со скульптурным изображением «Дама с букетом (Флора)» Верроккьо, созданным примерно во время написания портрета. По версии некоторых искусствоведов, например В. Н. Гращенкова, до наших дней полотно дошло в виде фрагмента: предположительно существовала и его нижняя часть, где были изображены руки.

Цветовая гамма, использованная в работе, — золотистые, коричневатые, темно-зеленые, оливковые и голубые тона — типична для Леонардо. Портрет Джиневры де Бенчи — единственное полотно да Винчи, находящееся за пределами Европы.

Обращает внимание расположение фигуры на полотне. По традиции во времена Леонардо да Винчи женщину могли писать, когда она соглашалась стать женой, если выходила замуж или же умирала. Художник изобразил модель повернутой влево и с можжевельником на затылке — символом целомудрия.

Эти детали могут свидетельствовать, что Джиневра де Бенчи помолвлена, так как на свадебной картине она была бы обращена вправо, чтобы вместе с портретом мужа составлять пару. Однако если это действительно так, портрет не демонстрирует приданого невесты: молодая девушка изображена без обилия драгоценностей, парчового.

Гипотеза о том, что портрет Джиневры де Бенчи создан по поводу помолвки или свадьбы, очень популярна.

«Мадонна с гвоздикой»

Первая самостоятельная работа Леонардо да Винчи, выполненная без чьей-либо помощи, стала известна миру лишь в 1889 году, когда на распродаже имущества вдовы из небольшого городка Гюнцбурга полотно за 22 марки купил один делец.

Вскоре он перепродал его пинакотеке уже за 800 марок как работу Верроккьо. К большому разочарованию перекупщика картина была оценена в 10 раз дороже как произведение великого Леонардо.

Ценители, съехавшиеся взглянуть на вновь обретенное произведение да Винчи, назвали работу лишь копией утраченного оригинала.

Позже искусствоведы обнаружили сходство лика Мадонны на полотне и женской головы на наброске, который хранится в Лувре.

Многие видят в «Мадонне с гвоздикой» кисть ученика Леонардо да Винчи Лоренцо ди Креди: броши на этой картине и «Мадонне Дрейфус» (1470–1475) практически идентичны. В пользу авторства Леонардо говорят строки из книги Дж.

Вазари, в которой он, восхищаясь великолепным мастерством художника, упоминает о фотографической точности изображенного графина с цветами, у которого запотели стенки, а капельки воды на них выглядели как настоящие.

«Мадонна с гвоздикой» знаменовала отказ Леонардо от графического стиля Верроккьо и переход к экспериментам с трехмерным пространством и светом.

Альтдорфер

Мадонна с гвоздикой (фрагмент).

В то время как Мадонна находится в спокойном благоговении, младенец Иисус замер в энергичном движении. Ребенок пытается взять пунцовую гвоздику, которую держит в изящной руке его мать. Тонкие острые листья цветка выступают символом страстей Господних, и Иисус протягивает к нему руки с ликом, исполненным скорби, не свойственной детям. Он словно предвидит свое грядущее.

Альтдорфер

Мадонна с гвоздикой. 1478 год. Масло, доска. 67×42 см. Старая пинакотека (Мюнхен, Германия).

«Мадонна Бенуа»

В 1472 году, после окончания школы у Верроккьо, Леонардо да Винчи стал членом «Гильдии Святого Луки», которая объединяла флорентийских художников. В последние годы обучения молодой мастер уже получал и собственные заказы. В частности, Леонардо создал несколько рисунков и картин, которые произвели большое впечатление на его современников.

Среди этих работ были и первые изображения Мадонн, самой известной из которых стала «Мадонна Бенуа» («Мадонна с цветком»).

Картина была написана на деревянном основании масляными красками, с помощью них да Винчи смог достичь большей по сравнению с темперой прозрачности и фактурности изображаемого, что для большинства флорентийских художников было в новинку.

Картина «Мадонна Бенуа», или «Мадонна с цветком», прошла сложный путь, прежде чем явила себя миру. Современники Леонардо да Винчи восприняли это полотно с восторгом, было сделано множество копий, а в XVI веке оригинал оказался утерян.

Через 300 лет гастролировавшие в Астрахани бродячие актеры продали местному ценителю искусства Александру Сапожникову старую, потемневшую от времени картину. Когда его внучка выходила замуж, то получила в приданое безымянное полотно, о ценности которого никто не знал.

К счастью, ее супругом оказался молодой архитектор и будущий президент Академии художеств Леонтий Бенуа, который отвез картину в Берлин и показал искусствоведам.

Авторство да Винчи не было признано, и лишь спустя восемь лет в 1914 году к Бенуа приехал один из берлинских специалистов, профессор Моллер Вальде, который изучил рукописи великого художника и нашел среди эскизов подтверждение тому, что картина принадлежала кисти Леонардо.

Тема картины традиционна для живописи эпохи Ренессанса — Мадонна как олицетворение не только святости Девы Марии, но и материнства и женственности. Образ Богоматери Леонардо написан по-новому.

Естественная поза, занимаемая Пречистой, простые черты лица, на котором ярко отражаются эмоции: юная мать протягивает младенцу цветочек и смеется от того, что тот не может его поймать пока еще неловкими руками.

Одной из отличительных художественных черт «Мадонны Бенуа» стала сдержанность цветовой палитры, что также не было характерным для живописи того времени.

Акцент в картине сделан на игру светотени, благодаря которой фигуры Мадонны и младенца получили необходимый визуальный объем.

По мнению современных искусствоведов, именно об этой картине в 1591 году писал исследователь М. Ф. Бокки в книге «Достопримечательности города Флоренции»:

«Дощечка, расписанная маслом рукой Леонардо да Винчи, превосходная по красоте, где изображена Мадонна в высшей степени искусно и старательно. Фигура Христа, представленного младенцем, прекрасна и удивительна, его поднятое лицо единственное в своем роде и поразительно по сложности замысла и тому, как этот замысел удачно разрешен».

На картине тщательно прорисованы детали. Светло-голубое небо в окне поддерживает перспективу и создает впечатление бесконечной дали.

Альтдорфер

Мадонна Бенуа (фрагмент).

Цветок в руках Мадонны выступает символом грядущих страстей Господних. Крестообразное соцветие — аллегория того, что уготовано младенцу Христу в будущем.

Альтдорфер

Мадонна Бенуа (Мадонна с цветком). 1478–1480 годы. Масло, перенесенное с доски на холст. 48×31,5 см. Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия).

«Святой Иероним»

Картину, заказанную флорентийскими властями, изображающую святого Иеронима, Леонардо да Винчи не закончил. Завершить работу ему помешал переезд в Милан в 1482 году, и полотно так и осталось в мастерской Верроккьо.

До нашего времени картина дошла в плачевном состоянии — сильно обрезанная и распиленная на две части, она служила, скорее всего, крышкой ларца.

Два фрагмента воедино составил кардинал Феш, который, как гласит предание, нашел нижнюю половину полотна в лавке, где оно служило столешницей.

После смерти кардинала папа римский Пий IX пожелал иметь работу великого мастера в картинной галерее Ватикана и заплатил за нее в 1845 году 2,5 тысячи франков.

Сюжет картины незамысловат: рядом с Иеронимом мирно лежит лев, который, согласно легенде, привязался к святому после того, как тот вынул из звериной лапы жало. Худое изможденное тело праведника прорисовано с анатомической точностью, которой Леонардо учился, препарируя трупы. Впервые в истории живописи лев на картине изображен реалистично.

Альтдорфер

Кающийся Святой Иероним работы Альбрехта Альтдорфера. 1507 год. Масло, доска. 23,5×20,4 см. Музейный центр Берлин-Далем (Берлин, Германия).

После того как святой Иероним помог хромому льву, тот стал праведнику верным другом и остался жить при монастыре. В житии преподобного Герасима (Иорданского) можно прочесть историю о том, как льву Иеронима поручили стеречь монастырского осла, пока тот возил дрова. И вот однажды лев заблудился, а осла в это время увели разбойники.

Монахи не поверили льву и решили, что он съел осла, поручив невиновному зверю много работы во искупление его греха. Однажды лев увидел в караване пропавшего монастырского ослика, он вернул его монахам и тем самым доказал свою невиновность. Лев до конца своей жизни сопровождал Иеронима.

Именно поэтому в западно-европейской живописи святого всегда изображают в сопровождении царя зверей.

Источник: https://nemaloknig.com/read-339052/?page=3

Святой Иероним. Популярные сюжеты

Альтдорфер

Это один из великих учителей и столпов западной церкви. Он родился в 342 году в Стридоне на границе Далмации и Паннонии. У родителей были возможности и средства дать ему прекрасное воспитание и образование, которое он получил в Риме под руководством лучших учителей того времени, изучая риторику и философию. Ещё юношей он увлёкся аскетизмом. В  370 году он путешествовал в Святую землю на поклонение Гробу Господню, затем поселился в Халкидской пустыне, центре сирийского подвижничества, и в течение 5 лет вёл строгую жизнь отшельника, проводя время в учёных занятиях. В  378 году в Антиохии он принял сан священника. Для пополнения знаний совершил путешествие в Константинополь.

Читайте также:  Бобби макферрин: биография, лучшие песни, интересные факты

Большая учёность, выступления против еретиков, суровый аскетический образ жизни, а также знакомство со знаменитыми богословами и церковными иерархами сделали широко известным имя Иеронима, и в  381 году римский папа Дамас вызвал его из Константинополя в Рим для участия в проходившем там церковном соборе. После собора Иероним остался в Риме, служил секретарём папы Дамаса и посвятил себя богословско-литературным наукам.

После смерти папы Дамаса Иероним удалился в Палестину, в Вифлееме основал монастырь, в котором провёл остальные 33 года своей жизни. Умер св. Иероним в 420 году.

Более всего прославился он прекрасным переводом с  еврейского языка на латынь всех книг Ветхого Завета и с греческого на латынь — всего Нового Завета. Его перевод так хорош по точности и красоте выражений, что был принят католической церковью в качестве официального текста Библии.

Святого Иеронима любили изображать едва ли не  все западноевропейские художники, а такие великие мастера, как Беллини, Караваджо и Рибера, писали его не один раз.

Художников привлекали в Иерониме его суровый стоицизм, его умение и воля отказаться от привычного и желанного для огромного большинства людей комфорта, даже от простейших домашних удобств, даже от повседневного общения с  людьми, во имя воспитания своей души, преодоления страстей, отвлекающих от богопознания и искания истины.

Святой Иероним был одним из благороднейших и образованнейших людей своего времени и  всей своей жизнью подтвердил, что самосовершенствование человека невозможно без самоограничения его в своих потребностях, так как сказано Господом: «Никто не может служить двум господам: ибо или одного будет ненавидеть, а другого любить; или одному станет усердствовать, а  о другом нерадеть. Не можете служить Богу и маммоне. Посему говорю вам: не заботьтесь для души вашей, что вам есть и что пить, ни для тела вашего, во что одеться. Душа не больше ли пищи, и тело одежды?» (Мф. 6:24–25). И далее следует вывод из сказанного: «Ищите же прежде Царства Божия и правды Его, и это все приложится вам» (Мф. 6:33).

И если человек сумел следовать этому требованию, то есть служит прежде всего духу, а не маммоне, он всегда вызывает интерес и заслуживает уважение современников, а может быть, и  потомков, смотря по итогам жизни.

Теперь обратимся к картине Джованни Беллини «Читающий Святой Иероним в пейзаже» из Национальной галереи искусств Вашингтона. Это одна из тех картин, нередких у этого художника, которые требуют неторопливого, внимательного рассматривания и размышления из-за обилия в них символических образов, служащих для всесторонней характеристики героя произведения.

Святой Иероним один в каменистой пещере, он сидит на огромном камне, который служит ему стулом, а раскрытую книгу положил перед собой на другой камень, заменяющий ему рабочий стол. За его спиной слоистая скала — символ прочности, надёжности, а также один из символов Христа.

Эта скала-символ как раз и  напоминает зрителям, что Иероним — один из столпов, на которых держится западная церковь.

Камни у входа в  пещеру, символизирующие силу, твёрдость и  умерщвление плоти, характеризуют духовную мощь Иеронима и его суровый аскетический образ жизни, что подчёркнуто ещё и предельно скудным одеянием святого, и отсутствием самых простых жизненных удобств: у него нет ни стула, ни стола, ни кухонной утвари, ни постели для сна.

По каменистому полу пещеры ползёт ящерица — символ логики и страстного стремления к духовному совершенству. А  источник, возле которого она ползёт, указывает на то, где истоки духовности: они в христианстве (ведь источник — символ таинства крещения, которое является вторым рождением человека в духе; символ возрождения и обновления).

На то, что Святой Иероним был монахом, указывают кролики, белка и орёл. Становясь монахом, христианин отрекается от всех мирских условий жизни, чтобы всецело посвятить себя служению Богу, и даёт три обета: обет безбрачия, обет нестяжания и обет послушания.

Отказ от женитьбы и семейной жизни (первый обет) обозначают кролики — символы похоти и плодовитости; отказ от владения собственностью, имуществом (второй обет) обозначен белкой — символом скупости и жадности; обет же послушания обозначается орлом.

В зависимости от содержания произведения орёл может обозначать или положительные качества: силу, могущество, смелость, прозорливость, или же отрицательные: высокомерие, гордыню. В данном случае орёл символизирует именно гордыню: он сидит на мёртвой, засохшей ветке и в тени.

Кроме того, надо учесть, что он, как кролики и белка, находится вне пещеры, у входа, как то, от чего отрёкся, что преодолел святой.

Из пещерного входа, как из окна, виднеется очаровательная даль: выступающая из морской глади пологая гора с  крепостью на её вершине, синяя гладь моря, едва различимые белые строения на дальнем его берегу и надо всем ясное голубое небо.

Этот красивый безмятежный вид из пещеры тоже символичен: в нём воплощено то состояние блаженства, которого достигает верующий в результате духовных подвигов самовоспитания; а  также тот идеал гармонического существования человека, общества и природы, достигать которого учил святой Иероним.

Можно, по-видимому, сказать так: всё изображённое внутри и  возле пещеры означает путь и средства достижения цели Иеронимом, а вид из пещеры — сама цель его стремлений.

Действительно, крепость на горе  — символ обретённого в Боге убежища от злых дел, страстей и помышлений, а небо — тот Божий рай, населённый душами праведников, где царят мир, любовь, справедливость.

Но среди великих раннехристианских святых не один Иероним был аскетом, жил в пещере, основывал монастыри и монашествовал. Такими были, например, Павел-отшельник и святой Антоний.

Для различения святых художники использовали различные атрибуты, то есть опознавательные знаки в виде рукотворных предметов (ваза, книга, крест, копьё, стрела, меч и  т. д.), в виде растений (лилия, роза, яблоки, пальмовая ветвь и  т.д.), в  виде животных (лев, дракон, орёл и т. д.).

Однако выбор предметов в качестве атрибута не случаен, но всегда связан с каким-то эпизодом из жизни святых. Так один из атрибутов Иоанна Богослова — чаша, которую он держит в руке и из которой, извиваясь, выползают змеи.

Этот атрибут напоминает нам, что святого хотели отравить, но он, помолившись, взял чашу с отравленным вином, осенил её крестным знамением, и яд вышел из чаши в виде змей. Так были разрушены козни язычников, посрамлены они сами и их вера.

Атрибутом апостола Андрея является крест в виде буквы Х. На таком кресте апостол был распят. С тех пор крест такой формы называется андреевским.

Одним из атрибутов Иеронима был лев, изображённый на картине Беллини возле ног святого. Во время своего пустынножительства святой Иероним повстречал льва, страдавшего от боли в лапе, бесстрашно осмотрел больное место, вынул из лапы большую занозу и вылечил льва, который в знак благодарности стал всюду неотлучно сопровождать святого.

Таким образом, лев на картинах, изображающих Иеронима, является не только опознавательным знаком святого, но и напоминает зрителям интересное событие из его жизни, а кроме того характеризует его как человека бесстрашного, мужественного, сильного духом.

Иеронима и изображали часто, особенно Тициан и  Рубенс, могучим и сильным, как и его лев, стариком.

Другим атрибутом Иеронима является кардинальская шляпа, которая служит указанием, что святой Иероним находился некоторое время на службе у римского папы. Кардиналом Иероним никогда не был, но служил у папы библиотекарем.

В живописи наиболее распространены два сюжета с изображением святого Иеронима. Прежде всего это кающийся святой Иероним, бьющий себя в грудь камнем, иногда стоя на коленях перед распятием. Таким видим мы его на картинах Боттичелли, Леонардо да Винчи, Веронезе.

Другие художники, например, Антонелло де Мессина, Дюрер изображали святого Иеронима учёным старцем, работающим за столом в своём кабинете. Характер изображения зависел от того, какие человеческие качества больше ценил сам художник.

Те, для кого важнее был культ знаний, разума, изображали святого Иеронима учёным, а те, кто больше ценил самосовершенствование человека, изображали святого Иеронима кающимся аскетом. Многогранная личность святого Иеронима давала возможность выразить художникам в своих работах разные идеи.

© Все права защищены http://www.portal-slovo.ru

Источник: https://www.portal-slovo.ru/art/35864.php

Альбрехт Альтдорфер — Немецкий Художник — Биография

Немецкий художник. Мастер живописных картин и гравюр на исторические и религиозные сюжеты. Работал в технике ксилографии и других видах гравюры. Один из первых начал делать офорты. Глава и самый выдающийся представитель дунайской школы живописи. Самым известным произведением выдающегося живописца стала грандиозная картина «Битва Александра».

Альбрехт Альтдорфер родился 2 июня 1480 года в городе Регенсбург, Германия. В детстве увлекся живописью. В 1506 году впервые начинает ставить на гравюрах свою подпись, созданную в подражание знаменитой монограмме Альбрехта Дюрера. Первые известные исследователям живописные работы художника датированы 1507 годом.

     В 1511 году юноша совершил путешествие по Дунаю и к Австрийским Альпам. С 1513 года служил Максимилиану I в Инсбруке , где получил несколько поручений от императорского двора. С 1516 по 1518 год работал в монастыре Санкт-Флориан близ Линца.

     Альтдорфера считают учеником Альбрехта Дюрера, хотя это и не вполне доказано, но во всяком случае принадлежит к самым даровитым и оригинальным художникам, которые следовали направлению Дюрера.

     Картины Альтдорфера, полные фантазии и поэзии, производят чарующее впечатление. Они богаты жизненным содержанием, благодаря насыщенности бытовыми деталями и богатству пейзажных фонов. Фигуры и пейзаж одинаково разработаны, с любовью, умно и старательно.

Читайте также:  Кустодиев борис "ярмарка" описание картины, анализ, сочинение

     Живописец писал очень чистые пейзажи, являясь одним из самых ранних представителей пейзажной живописи в Европе. Главное произведение его кисти, изображающее победу Александра над Дарием, хранится в Мюнхене. Одна Мадонна со святыми принадлежит Амбразовскому собранию редкостей в Вене.

     Как гравер Альтдорфер принадлежит к так называемым «малым мастерам». Его работы важны для современной художественной промышленности, так как содержат массу превосходных орнаментов в стиле немецкого Возрождения.

     Начиная с 1517 года художник занимает различные должности в городском совете Регенсбурга. В 1526 году Альтдорфер получает должность главного архитектора этого же города.

  •      Альбрехт Альтдорфер скончался 12 февраля 1538 года в немецком городе Регенсбург.
  • Творчество Альбрехта Альтдорфера
  • Картины
  • «Отдых на пути в Египет» (1510)«Святая ночь (Рождество)» (1511-1513)«Победа Карла Великого над аварами у Регенсбурга» (1518)«Пейзаж с мостиком» (1522)«Битва Александра» (1529)«Сусанна в купальне» (1526)«Христос на кресте» (1528)«Христос на Масличной горе»«Святое семейство у фонтана» (1510) «Лесной пейзаж с битвой святого Георгия с драконом» (1510) «Святая ночь» (1511-1513)«Прощание святого Флориана с монастырем» (1530)«Пейзаж с семьей Сатира» (1507)«Причастие апостолов» (1516-1518)«Лот и его дочери» (1537)«Арест Иисуса Христа» (1509-1516)«Святые Мария и Иоанн Креститель рядом с распятым Иисусом Христом» (1512)«Большая пихта (ель)» (1512-1522)«Погребение» (1516)«Воскресение Иисуса Христа» (1516) «Пейзаж и дорога» (1518)«Иисус Христос в Гефсиманском саду» (1518)«Бичевание Иисуса Христа» (1518)«Мадонна с Младенцем» (1520-1525)«Прощание Иисуса Христа с Матерью» (1520)«Иисус Христос на Кресте» (1520)«Дунайский пейзаж» (1520-1525)«Портрет женщины» (1525-1530)«Рождество Пресвятой Богородицы» (1525)«Распятие» (1528)«Мученичество Святого Флориана» (1530)«Кающийся святой Иероним» (1507)«Усекновение главы Иоанна Крестителя» (1508)«Пилат умывает руки перед народом» (1509)«Святое семейство с ангелом» (1515)«Пленение святого Флориана» (1516-1518)«Поклонение волхвов» (1530-1535)«Фридрих I Победоносный»
  • «Святой Петр»

Источник: https://ruspekh.ru/people/albrekht-altdorfer

Гений французского Ренессанса Жорж де Латур Открытие в XX веке наследия Жоржа де Латура не только обогатило представление о французской живописи п..

Гений французского Ренессанса Жорж де Латур

Открытие в XX веке наследия Жоржа де Латура не только обогатило представление о французской живописи первой половины XVII столетия, но и ввело в мировую историю искусств новую яркую творческую фигуру. Один из самых своеобразных живописцев долго оставался забытым.

Знакомству европейской общественности с творчеством мастера способствовала выставка «Живописцы реальности во Франции XVII столетия», состоявшаяся в 1934—1935 годах в Париже, на которой было представлено двенадцать картин Латура.

Она активизировала научные изыскания, однако и сегодня далеко не все проблемы, и в первую очередь хронология произведений Латура, могут считаться решенными. Не всегда ясны и биографические сведения о нем.

Жорж де Латур родился в многодетной семье булочника в Лотарингии, в городке Вик-сюр-Сей близ Нанси. Детство его прошло в ремесленной среде.

В 1620 году, после женитьбы на Диане ле Нерф, происходившей из знатной семьи, художник по разрешению герцога Лотарингского переехал в Люневиль, где при герцогском дворе издавна работали мастера из разных стран. Архивные материалы рассказывают об активной коммерческой деятельности Латура и присущей ему практической хватке.

Латур — свидетель жестоких и трагических событий на земле его родной Лотарингии, которая превратилась в арену ожесточенных сражений во время Столетней войны. Бедствия войны сопровождались ужасающим голодом и эпидемией чумы. В 1636 году Люневиль сгорел; вероятно, в огне погибли многие произведения живописца.

Затем, по-видимому, он вместе с семьей переехал в Нанси. А в 1639 году, судя по документам, посетил Париж, где получил официальный титул «ординарного живописца короля».

Существует рассказ (возможно, легендарный) автора XVIII века о том, что, когда Латур преподнес Людовику XIII своего «Святого Себастьяна» (картину, действительно, замечательную), король приказал убрать из своих покоев все другие полотна.
Картины Латура на бытовые и религиозные сюжеты немногословны, просты, подчас суровы.

Жизнь в Лотарингии, сохранявшей в своей культуре местные, восходящие к Средневековью черты, наложила отпечаток на его искусство. Вместе с тем Латур — художник своего времени, глубоко чувствовавший то новое, что порождалось современной ему эпохой. Предположительно, он посетил Италию. Воздействие караваджизма он, вероятно, воспринял через фламандских караваджистов.

Латур любил писать картины больших размеров, наделяя крупные фигуры почти скульптурной объемностью. Группу его произведений составляют фигуры слепых музыкантов-рылейщиков, изображенных в рост, реже — поколенно.

В руках они держат рыли — народные струнные инструменты, отчасти напоминающие гусли.

Самый известный «Рылейщик» (Нант, Музей изящных искусств) еще Проспера Мериме поразил своей «низменной и жестокой правдой»; выразителен и мастерски написан изображенный в профиль слепой музыкант из собрания музея Прадо.

С такой же мерой суровой достоверности и интересом к народным типам художник писал святых и апостолов, похожих на нищих странников. В картине «Кающийся Святой Иероним» (Гренобль, Музей изящных искусств) видный богослов и христианский писатель IV века, один из учителей Церкви представлен Латуром как несломленный духом, но изможденный аскезой полуобнаженный старец.
Обращаясь к популярным караваджистским сюжетам — «Гадалка» (Нью-Йорк, Музей-Метрополитен), Шулер (Париж, Лувр), — живописец решал жанровые сцены сдержанно, без нарочитой развязности и отвлекающих внимание деталей. В картине «Шулер» каждый образ найден с поразительной точностью: наивный принаряженный юноша, коварная дебелая куртизанка, простодушная служанка и самоуверенный шулер, который приобщает зрителя к своей мошеннической игре. Главное здесь — не столько мимика лиц, сколько взгляды и жесты посетителей притона. Косой настороженно холодный взгляд куртизанки с ее набеленным, напоминающим маску плоским лицом определяет напряженный эмоциональный настрой картины. Звучные цветовые пятна четко выступают на темном глухом фоне.
Картина принадлежит к дневным сценам Латура, которые принято разграничивать от более многочисленных ночных сцен. Именно эти произведения принесли ему заслуженную славу. Приемы искусственного освещения, изображение свечи, факела, светильника — излюбленные у караваджистов. Но в искусстве Латура свет приобрел особое значение. Идущий широким потоком, рассеивая тьму, он подчеркивает строгую обобщенность композиций; под действием света загораются, бросая теплые рефлексы на лица, насыщенные сильным цветовым звучанием красные, коричневые, фиолетовые тона одежд. Свет у Латура — главное средство эмоционального воздействия картины, он создает впечатление торжественного величия, глубокой, подчас драматической содержательности происходящего. В полотнах нет активного действия; фигуры устойчивы, статичны, лица часто изображены в профиль. Ночные сцены написаны на религиозные сюжеты, но многие их них кажутся трактованными в жанровом духе. В каждом простом мотиве он стремится увидеть нечто возвышенное, важное, в явлениях жизни передать ощущение некоего таинства, и в этом волнующая привлекательность его искусства.

К шедеврам Латура принадлежат «Рождество» (или Новорожденный; Ренн, Музей изящных искусств) — одно из самых лиричных произведений мастера, «Поклонение пастухов», «Святой Иосиф-плотник» (оба — Париж, Лувр) и «Явление ангела Святому Иосифу» (Нант, Музей изящных искусств).

Вершина творчества Латура — «Святой Себастьян, оплакиваемый Святой Ириной» (Берлин, Государственные музеи). В безмолвии глубокой ночи, освещенные ярким уносящимся вверх пламенем факела, над распростертым телом пронизанного стрелой Себастьяна поникли скорбные фигуры оплакивающих его женщин. Художник передает не только общее чувство, объединяющее плакальщиц, но и оттенки этого чувства в каждой из фигур — оцепенелую застылость, скорбное недоумение, горький плач, милосердное сострадание. Художник нигде не допускает преувеличения, и тем сильнее воздействие его образов, в котором не столько лица, сколько движение, жесты, сами силуэты фигур обретают эмоциональную выразительность. Как красноречив, например, жест одной из женщин, разведшей руки в стороны, или скрещенные сухие пальцы другой, лицо которой почти целиком закрыто темным капюшоном. Взгляды женщин и основные композиционные линии направлены к телу Себастьяна. В его возвышенной наготе воплощено героическое начало, роднящее этот образ с созданиями мастеров французского классицизма.

Источник: https://www.inpearls.ru/679406

Читать онлайн "Национальный музей Стокгольм" автора Гордеева М. — RuLit — Страница 5

Жорж де Латур (Жорж де ла Тур) (1593–1652) Кающийся святой Иероним. Без даты. Холст, масло. 152×109

Жорж де Латур — один из крупнейших представителей лотарингской школы живописи XVII века, обладающий яркой индивидуальностью. Его творческая манера сложилась под влиянием утрехтских караваджистов (Дирка ван Бабюрена, Герарда ван Хонтхорста и других) и произведений итальянских последователей Микеланджело Караваджо. Однако художественный стиль де Латура является самостоятельным и оригинальным.

Он писал произведения большого формата на бытовые и религиозные темы, в которых преобладали профильные изображения персонажей в полный рост. Своих героев автор (как и караваджисты) изображал на нейтральном фоне, мастерски выделяя светом. Для его работ характерно реалистическое запечатление жизненных явлений и предметов быта.

На полотне «Кающийся святой Иероним» Латур изобразил одного из самых популярных в Европе святых. Коленопреклоненный отец церкви находится в небольшой келье, за его спиной — кардинальская шляпа, входящая в число главных атрибутов святого. Раскрытая книга знаменует собой тот факт, что герой является создателем канонического текста Библии на латинском языке.

Череп, лежащий за ней, — символ победы духа над плотью, камни, находящиеся в помещении, — епитимьи, которую Иероним наложил сам на себя. Обычно кающегося святого изображали с камнем в руке, которым он бил себя в грудь, но здесь Латур «дал» ему плеть, ею герой бичует себя, о чем свидетельствует ее окровавленный конец.

Колорит произведения строится на сочетании красного, различных оттенков охры и умбры и белого, что придает ему гармоничность.

Никола Пуссен (1594–1665) Дионисий. XVII век. Холст, масло. 98×73,5

Никола Пуссен является одним из мастеров, входящих в число лучших представителей европейской живописи, он был признанным главой национальной французской школы. Художник совершил множество путешествий, изучая опыт своих предшественников.

Он писал произведения на мифологические и религиозные сюжеты, а также сцены из древней истории. В творчестве Пуссена преобладала античная тематика. Древняя Греция представлялась ему как прекрасный мир, в котором живут и действуют идеальные люди.

В данном полотне центральное место принадлежит главному герою, вокруг суетятся очаровательные пухлые путти. Один, взлетев, венчает его лавровым венком, другой подает виноградную лозу, третий старательно завязывает Дионисию сандалию.

В некотором отдалении от молодого мужчины сидит прекрасная пастушка, облаченная в гиматий горчично-золотистого цвета.

Читайте также:  Мюзикл «звуки музыки»: содержание, видео, интересные факты, история

Под столом, в нижнем левом углу картины, лежат театральные маски как намек на то, что развитие культа именно этого древнегреческого бога привело к возникновению театра.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Симеон в храме 1661–1669. Холст, масло. 98,5×79,5

Рембрандт Харменс ван Рейн — едва ли не самый известный среди мировых мастеров кисти. Крупнейший представитель золотого голландского века живописи, он не только писал картины на религиозные, исторические и мифологические сюжеты, групповые и индивидуальные портреты, но и был великолепным рисовальщиком и гравером.

На представленном полотне — библейский сюжет, рассказывающий о том, что по истечении сорока дней Мария и Иосиф пришли из Вифлиема в иерусалимский храм. Старец Симеон около трехсот лет жил в ожидании этого момента. И когда он получил знак от Святого Духа, то пришел в храм, где встретил Святое Семейство и взял на руки Сына Божьего — свершилось пророчество Исайи.

Рембрандт изобразил Симеона дряхлым старцем, который неумело держит Ребенка на руках. Его взгляд направлен не на Младенца, праведник, скорее, придается размышлениям, осознавая важность произошедшей встречи. Темный колорит полотна позволяет мастеру сфокусировать внимание зрителей на действующих лицах сюжета, выгодно подчеркнув их сияющими мазками прозрачного света.

Давид Клёккер Эренстрахль (1629–1698) Чернокожий с попугаями и обезьянками 1670. Холст, масло. 144×120

Уроженец Гамбурга Давид Клёккер Эренстрахль занялся живописью довольно поздно. В 1648, чтобы посвятить себя ее изучению, он отправился в Голландию. В 1651 автор уже находился на службе у шведской королевы Марии Элеоноры. Через несколько лет он поехал в Италию совершенствовать мастерство. В Риме Эренстрахль учился у Пьетро да Кортоны.

В 1661 он вернулся в Швецию, был назначен придворным живописцем, а в 1674 получил дворянское звание. Кисти мастера принадлежат полотна на исторические, аллегорические сюжеты, портреты.

Он много работал в области анималистического жанра, изображая лошадей из конюшни Карла XII, собак с королевской псарни и других животных, например белого медведя, белку, попугаев.

Источник: https://www.rulit.me/books/nacionalnyj-muzej-stokgolm-read-445661-5.html

Читать

А. Борисюк

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ

Единственным критерием истины является опыт.

Леонардо да Винчи

ВВЕДЕНИЕ

Леонардо да Винчи. Гравюра Дж. Пофсельуайта, изданная в энциклопедии «The Gallery of Portraits with Memoirs». 1883 год.

Леонардо да Винчи — ярчайший представитель науки и искусства эпохи Ренессанса.

Изящный, аристократичный, с правильными чертами лица и ниспадающей до середины груди бородой, великолепно сложенный, в ярко-красном, вопреки моде того времени, плаще — таким в зрелом возрасте современники запомнили титана эпохи Возрождения — воплощение всесторонне развитой личности, о дарованиях и талантах которой великие умы XV–XVI веков могли только мечтать. Художник, скульптор, музыкант, поэт, филолог, анатом, физик, инженер — может ли один человек быть столь многогранным, каким был Леонардо да Винчи? Эпоха Возрождения, или Ренессанс, пришедшая на смену Средневековью, поставила во главу угла человека как личность и созидателя, сделав науку, искусство и гуманизм одним целым, и явилась благодатной почвой для развития гения Леонардо.

Он хотел все познать и во все вникнуть. Часто можно было видеть, как Леонардо наблюдает за полетом птиц или стоит с блокнотом в руках возле повешенного и делает тщательные зарисовки.

В свой дом он нередко приводил настоящих уродцев и увечных, на которых смотрел как на чудо природы.

Чтобы достоверно изобразить человеческое тело, Леонардо досконально изучил его внутреннее и внешнее строение, незаконно препарируя трупы.

Древние конюшни, построенные в Виджевано по проекту Леонардо да Винчи.

То, что сегодня кто-то назвал бы смелостью и упорством, в эпоху Ренессанса считали по меньшей мере странностью. Люди из низшего сословия боялись Леонардо да Винчи и называли его колдуном, а просвещенные не принимали многочисленных открытий гения.

Подумать только, как изменилась бы средневековая Европа, если хотя бы некоторая часть прогрессивных изобретений этого титана науки была воплощена в жизнь в те времена.

Современники Леонардо да Винчи признали лишь колесцовый замок спускового механизма пистолета, а остальные идеи нашли применение только спустя несколько веков.

Летательный аппарат, акваланг, водные лыжи, автомобиль, парашют, подводная лодка — это всего лишь малая толика изобретений Леонардо да Винчи, которые сравнительно недавно стали неотъемлемой частью жизни современного мира.

Памятник Леонардо да Винчи в Милане.

Он оставил после себя богатое наследие из семи тысяч страниц дневников и манускриптов, центральное место в которых неизменно отводилось человеку. В Леонардо все было необычно, даже почерк: да Винчи писал левой рукой в зеркальном отражении (справа налево).

Он оставил тысячи записей и комментариев к своим чертежам и рисункам. Вероятно, так ученый хотел зашифровать собственные изобретения, а может быть, это была естественная удобная для него манера письма.

Дополнительную сложность при дешифровке комментариев создают использованные им символы и знаки.

Статуя Леонардо да Винчи, украшающая галерею Уффици (Флоренция, Италия).

Говоря о гении Леонардо, невозможно не остановиться на одной из самых ярких граней этой личности — таланте живописца. Художником да Винчи стал в мастерской Андреа дель Верроккьо, где юные мастера учились правильно и реалистично рисовать. Несомненно, Леонардо обладал талантом живописца с самого детства, однако сумел вобрать и все лучшие традиции этого искусства эпохи Ренессанса.

Да Винчи постоянно занимался и вскоре превзошел по технике своего учителя. Фреска «Тайная вечеря» (1494–1498), полотна «Мадонна в гроте» (1483–1486), «Мадонна Литта» (1490–1491), «Джоконда» (1503–1519), «Иоанн Креститель» (около 1513–1516) — это настоящие звезды на небосклоне бессмертного творчества великого художника, которые еще при жизни мастера вызывали восхищение современников.

Многочисленные эксперименты с красками приводили порой к плачевным результатам (разрушению фресок «Тайная вечеря» (1494–1498) и «Битва при Анджиари» (1503–1506)), но именно желание Леонардо вникнуть в суть вещей, позволило ему достичь небывалых успехов.

Так, он открыл эффект сфумато, с помощью которого живописец может передать воздушную оболочку вокруг изображаемого на полотне.

Суть этого изобретения заключается в размывании границ предметов и человеческих фигур, благодаря чему создается эффект окутывания воздухом.

Персонажи его картин неизменно живые, одухотворенные, наделенные индивидуальностью.

Церковь Санта-Мария делле Грацие, где находится знаменитая работа Леонардо да Винчи «Тайная вечеря» (Милан, Италия).

Могила Леонардо да Винчи. Часовня Святого Губерта (Амбуаз, Франция).

Как художника и исследователя Леонардо интересовало не только строение тела человека, но и его движения, поведение, темперамент, характер, эмоции и их выражение. Современники говорили о нем:

«Леонардо да Винчи рисовал так хорошо, поскольку слишком много знал о том, что рисовал, и слишком много знал о вещах и явлениях потому, что хорошо рисовал».

У Леонардо как художника постоянно были клиенты, но разносторонние интересы не позволяли ему сосредоточиться на одном занятии — сроки выполнения заказов часто затягивались.

Бывали случаи, когда да Винчи, не доведя работу до конца, уезжал от ее покупателя, не объяснив причину.

Джорджо Вазари (1511–1574), известный итальянский художник эпохи Ренессанса и автор знаменитых «Жизнеописаний» — собрания биографий итальянских художников эпохи Возрождения, заметил:

«Леонардо достиг бы хороших результатов в науках и письменности, если бы не был таким многосторонним и непостоянным».

Вечным спутником в жизни Леонардо, как ни странно, было одиночество, о котором он так часто упоминал в дневниках. Да Винчи не был женат, не влюблялся, не имел близких друзей и не поддерживал отношения с родственниками.

Есть версии о его пылких чувствах к Джоконде и одному из собственных учеников, но это не более чем предположения.

По воспоминаниям современников, несмотря на свою отстраненность от людей, Леонардо был приятным и учтивым собеседником.

Леонардо да Винчи очень любил роскошь и, хотя не имел постоянного заработка, жил все же не по средствам: окружал себя дорогими вещами, носил эпатажные одежды, нанимал слуг и держал лошадей.

Он постоянно искал покровителей и, предлагая услуги военного инженера и художника, служил герцогам, переезжая из Флоренции в Милан, из Милана во Флоренцию, из Флоренции в Рим, а из Рима снова в Милан.

Чувство глубокого патриотизма не было знакомо Леонардо: он в равной степени и с легкостью предлагал проекты военных устройств как флорентийским, так и миланским властям, которые конфликтовали между собой.

Находясь при дворах разных правителей, да Винчи не ограничивался основными занятиями: он с удовольствием пел, играл на лире, декламировал стихи, организовывал праздники и торжества и даже демонстрировал прекрасные кулинарные способности. Собственным домом Леонардо обзавелся лишь в конце жизни.

По приглашению французского короля Франциска I художник и исследователь перебрался в небольшой замок Кло-Люсе недалеко от города Амбуаз. Это время было самым спокойным в жизни Леонардо.

Он привел в порядок рукописи, составил новые трактаты, которые в конце жизни по завещанию перешли к его ученику Франческо Мельци.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=566951&p=4

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector