Тициан «флора» описание картины, анализ, сочинение

Тициан

© предоставлено пресс-службой ГМИИ

Тициан «Мадонна с младенцем», 1507

Одна из самых ранних работ художника, среди известных на данный момент. На момент написания этой работы художнику было около 18 лет (согласно разным источникам он родился в 1488 или в 1490-м году).

В начале своего пути стиль Тициана был близок стилю другого мастера итальянского Возрождения – Джорджоне, причем настолько, что какое-то время атрибуция этой картины была под вопросом.

Вазари в своем известном труде «Жизнеописания знаменитых живописце, ваятелей и зодчих» писал о Тициане как о продолжателе традиций Джорджоне.

Если же говорить о самой картине, то и композиция довольно типична для стиля того времени – Мадонна изображена на фоне пасторального пейзажа, который, по мнению некоторых исследователей, напоминает родину самого художника – итальянскую область Кадоре (Тициан переехал в Венецию в возрасте 10-12 лет).

«Мадонна с младенцем» также имеет второе название – «Мадонна Лохиса» — по имени известного европейского коллекционера XIX века графа Гульельмо Лохиса (Guglielmo Lochis), жемчужиной собрания которого она была.  Сейчас эта работа хранится в Академии Каррара в Бергамо.

«Крещение Христа» (1512 год)

© public domain

Тициан. Крещение Христа. 1512 год.

Еще одна ранняя работа художника на библейский сюжет. На картине три персонажа – сам Христос, облаченный в белое и стоящий по колено в реке Иордан, Иоанн Креститель, а по диагонали от него – мужчина в черном, наблюдающий за таинством крещения.

По мнению исследователей, это Джованни Рам (Giovanni (Juan) Ram), непосредственный заказчик картины.

Если на выставке будет возможность подойти к картине поближе, то можно рассмотреть два обручальных кольца на руке мужчины в черном, считается что они символизируют земной брак Рама и его мистический брак с Богом – идея так называемого «мистического брака между Богом и человеком» была общим местом в теологии времен Возрождения.

Эту картину относят к периоду, когда Тициан выработал собственный стиль и его работы стали все менее походить на произведения Беллино и Джорджоне. Кроме того, в этой работе ему удалость достигнуть эффекта сфумато, знаменитого приема, изобретенного Леонардо да Винчи, позволяющего передать на картине воздух, окутывающий ее героев.

До конца XVI века эта картина находилась в собственности семейства Рам, затем была продана и спустя время, в 1750-м году, попала в коллекцию капитолийской Пинакотеки.

«Флора» (1515 год)

Тициан

© предоставлено пресс-службой ГМИИ

Тициан «Флора», 1515 год.

Несмотря на то, что этот портрет был написан Тицианом в возрасте приблизительно 25 лет и относится к раннему периоду его творчества, он является  квинтэссенцией того, что принято называть «тициановской красотой», чувственной и полнокровной. Кто изображен на картине – загадка.

Предполагают, что это могла быть Виоланте, дочь художника Якопо Пальмы Старшего, но никаких документальных свидетельств, которые могли бы подтвердить или опровергнуть сей факт, нет.

Также до сих пор исследователи гадают, кто предстает перед зрителями – непорочная дева, или же искусная куртизанка.

Ясно одно: эта золотоволосая юная девушка послужила художнику прототипом и других картин – «Женщина перед зеркалом» (Лувр) и «Саломея» (галерея Дориа Памфили), а также вдохновила художников следующих поколений – в частности, Рембрандта и Веласкеса. Катина принадлежит собранию Галереи Уффици, Флоренция.

«Портрет Томмазо или Винченцо Мости» (1520-1526 годы)

© public domain

Тициан. Портрет Томаззо или Винченцо Мосит. 1520-1526 годы

Портрет-загадка, существуют разные предположения относительного того, кто запечатлен на картине — согласно надписи на обороте на ней изображен Томмазо Мости.

Однако, поскольку он был духовным лицом, а портретируемый одет в светскую одежду, было сделано предположение, что на самом деле это его брат Винченцо, фаворит герцога Феррары, Модены и Реджио Альфонсо д'Эсте.

Сейчас находится в собрании Галереи Палатина Палаццо Питти во Флоренции.

La Bella/»Красавица» (1536 год)

© public domain

Тициан. Красавица (La Bella). 1536 год

На выставке в Москве можно увидеть еще один из самых прекрасных женских образов в истории мирового искусства – на этой картине изображена другая незнакомка в богатом одеянии из синего бархата, но также, как и Флора, с пышными золотистыми волосами, собранными в косу вокруг головы.

  Происходит потрет из урбинского собрания, поступил в коллекцию флорентийских герцогов Медичи в 1631 году с наследством  супруги Фердинандо II Медичи Виттории делла Ровере. Возможно, именно этот портрет упоминается в письме урбинского герцога Франческо Мария делла Ровере своему послу в Венеции Леонарди  как «Дама в синем».

Относится к собранию Галереи Палатино Палаццо Питти, Флоренция.

«Портрет Джулио Романо» (1536 год)

© public domain

Тициан. Портрет Джулио Романо. 1536 год.

На портрете изображен итальянский живописей и архитектор Джулио Романо (или Джулио Пиппи) – ученик Рафаэля и один из ярчайших представителей маньеризма. Портрет Тициан писал в Мантуе, у живописцев были совместные дела, и оставил его в подарок другу. На картине Романо изображен как архитектор, он держит в руках план обустройства церкви.

После смерти сына Джулиано Романо портрет был выкуплен семейством Гонзага (в 1562 году), а сейчас хранится в Мантуе в музее, расположенном в Палаццо де Те (Museo Civico di Palazzo Te), построенном по его проекту и им же расписанном.

Художник родился в Риме (отсюда и прозвище Романо, ставшее известнее фамилии Пиппи) и перебрался в Мантую по приглашению герцога Франческо Гонзаго.

  • Кстати, в ГМИИ есть и известная работа самого Джулиано Романо – «Форнарина» или «Дама за туалетом» как еще называют эту работу (зал №7 Искусство Италии VIII-XVIII веков).
  • «Портрет Антонио Порчия» (1535-1540 годы)

© предоставлено пресс-службой ГМИИ

Тициан. Портрет графа Антонио Порциа, 1535 — 1537 годы.

Антонио Порчия – дворянин из Порденоне (город в одноименной итальянской провинции). Эта картина — типичная для того времени работа на заказ, официальный портрет благородного мужа.

Если рассматривать эту работу в контексте творчества Тициана, то исследователи сходятся во мнении, что это одна из лучших работ зрелого периода художника. И к тому же один из самых больших его портретов.

Герой картины показан величественным, например, в глаза бросается массивная золотая цепь, напоминающая орден Золотого руна. В то же время портрет не выглядит тяжелым, не давит на зрителя, «воздуха» картине добавляет пейзаж за окном.

Картина долгие годы хранилась у потомков господина Порчия, а потом вместе с семьей переехала в Милан, где была унаследована Евгенией Висконти Литта Аресе, которая в 1891 году в свою очередь подарила ее городскому музею — Пинакотеке Брера, где картина хранится и по сей день.

«Даная» (1544-46 годы)

Тициан

© предоставлено пресс-службой ГМИИ

Тициан. Даная. 1544 — 1545 годы.

Даная – героиня картин многих художников. В древнегреческой мифологии дочь Акрисия, царя Аргосского и Евридики, мать Персея, имя которой упоминается в «Илиаде». Тициан также изображает «кульминационный момент» истории Данаи – Зевс проникает в ее темницу в виде золотого дождя.

Тициан написал целую серию картин (по разным данным 5-6 версий). Первая версия, которую и покажут на выставке в ГМИИ, была написана в период с 1544 по 1546 годы по заказу испанского короля Филиппа II, а сейчас принадлежит Национальному музею Каподимонте в Неаполе.

Все работы несколько отличаются друг от друга сюжетно, главные героини каждой из картин лежат в одинаковой позе (кстати, повторяющей позу Леды с утраченной картины Микельанджело). На неапольской версии картины рядом с Данаей – амур, в отличие от других картин.

Еще одна из них находится в музее Прадо, вторая в Эрмитаже, третья в Венском художественно-историческом музее.

Более всего похожи между собой «Данаи» из Прадо и Эрмитажа, отличаются главным образом служанки, которые ловят золотые монеты подолом платья, а на картине из венского музея служанка ловит монеты золотым подносом.

В свое время картина принадлежала коллекции знаменитой итальянской династии Фарнезе, до того как попала в коллекцию музея. Во времена Второй мировой войны эта работа Тициана была в числе похищенных нацистами произведений искусства, которые были найдены в шахте в Зальцбурге, и вернулась в Неаполь после окончания войны в 1947.

«Распятие» (1558 год)

© public domain

Тициан. Распятие. 1558 год.

«Распятие» было завершено Тицианом в 1558 году и сейчас принадлежит алтарю церкви Сан-Доменико в Анконе. Эта работа была заказом венецианского купца Петро делла Корнови, переехавшим с семьей из Венеции в Анкону. 

Композиция картины почти плоская, слева у подножия креста – Дева Мария в темно-синих одеждах, ее лица почти не видно, Святой Доминик обнимает крест, а Святой Иоанн стоит, раскинув руки, не в силах поверить в случившееся.

На тот момент написания этой картины Тициан занимался живописью уже более пятидесяти лет, и в этот период своего творчества обратился к исследованию трагедии и человеческих страданий, передать которые в своих работах он пытался в первую очередь с помощью цвета.

Вазари описывал этот стиль «позднего Тициана», как «сделанный из пятен» краски. Здесь преобладают темные тона, доминируют синий и черный, а белый, которого совсем немного, выглядит как вспышки света.

Для достижения необходимого ему эффекта в некоторых местах Тициан наносил краску не кистью, а пальцем.

Читайте также:  Сезанн "игроки в карты" описание картины, анализ, сочинение

«Благовещение» (1564 год)

© public domain

Тициан. Благовещение. 1564 год.

Это часть алтарного образа (Тициан кроме «Благовещения» работал также над еще одним образом в этой же церкви — «Преображением Господним»), заказанного тем же венецианцем Пьетро Корнови для часовни церкви Сан-Сальвадор в Венеции, где работа находится до сих пор.

  Над картиной Тициан работал с 1559 года и закончил ее к 1564-му. Хотя современники критиковали эту «Благовещение» за «грязные цвета», сейчас она воспринимается как одна из наиболее смелых его работ.

На картине Мария изображена напуганной, а не смиренно принимающей известие, как ее изображали ранее, а визуальный акцент смещен на архангела Гавриила и Святой дух в центре композиции.

«Венера, завязывающая глаза Амуру» (1565 год)

© public domain

Тициан. Венера, завязывающая глаза Амуру. 1565 год.

Эту картину уже можно было видеть в Москве шесть лет назад, она стала настоящей сенсацией выставки  «Россия-Европа-Россия». С  «Флорой» «Венеру» разделяют полвека, и, безусловно, меняется манера письма мастера.

Живопись здесь, вдохновившая позже Тернера и импрессионистов,  похожа на крупные светоносные цветные пятна, которыми обозначены царственные фигуры богини и нимф. Одному из Амуров Венера завязывает глаза, а нимфы подают ему лук со стрелами.

В то же время другой прижимается к ней, как дитя к матери, что сообщает полотну спокойствие и игривую атмосферу одновременно. Сейчас картина принадлежит коллекции римской Галереи Боргезе.

Тициан скончался почти через десять лет, в августе 1576 года во время эпидемии чумы. По легенде, его нашли на полу мертвым с кистью в руке.

Подготовили Наталья Попова и Светлана Янкина

Источник: https://ria.ru/20130627/829304551.html

Флора, картина Тициана. Флора — картина итальянского худо .

Тициан English version: Flora (Titian)

«Флора» — картина итальянского художника позднего Ренессанса Тициана, датируемая приблизительно 1515 — 1517 на протяжении многих лет и в настоящее время хранится в Галерее Уффици во Флоренции.

Работа Тициана была воспроизведена во многих офорты XVI. а столетие спустя, эта картина была собственностью неизвестных хозяев из Брюсселя и Вены.

В XVII века был продан в испанский посол в Амстердаме Леопольд Вильгельм и австрийский был показан в Рембрандта в его «Саскии в образе Флоры» Лондон и два портрета, хранящегося в Дрездене и Нью-Йорке.

позже картина была включена в коллекции Музея истории искусств в Вене, и был одной из картин, участвующих в обмен с Уффици, где хранится с 1793 года.

В XVIII века, картина была ошибочно приписывается Джакомо Пальма старший.

На портрете изображена идеализированная красота женщины в изображении узора мастер Венецианской школы Джорджоне, его Лора.

но это работа молодого Тициана прослеживается его собственный стиль, в отличие от «символических» героинь Джорджоне его флоры — земных, златовласую, полногрудая красавица.

ее левая рука держит бледно-розовый халат, а в правой руке, флора держит в руках букет весенних цветов – розы, фиалки и жасмина.

Женщина, известная как Виоланта, присутствует и в ряде других произведений Тициана его ранний период творчества у них: «Женщина перед зеркалом», «Тщеславие», «Саломея» и «Виоланта».

дискуссии на значительность образа героини портрета: один, основанный на подписях к репродукциям XVI века, под названием женщина, куртизанка, другие видят его как символ супружеской любви, указывая на ее белый античная туника, как символ чистоты.

он также может символизировать гармонию, чистота и чувственность, а одна грудь почти обнажена, а второй полностью целомудренно закрыта. Его отношения с флоры, римской богини Весны и цветения пришла позже из-за весенних цветов в руке.

  • Флора или Портрет Хендрикье Стоффелс в образе Флоры — картина Рембрандта, написанная около 1654 года. В настоящее время картина находится в собрании
  • Флора ранее известная под названием Саския в образе Флоры — картина работы Рембрандта, написанная в 1634 году, на которой, вероятно, изображена жена
  •  Violante — согласно классической традиции ранняя любовница и натурщица Тициана дочь художника Пальмы Старшего, с именем которой связан знаменитый портрет
  • список картин Тициана содержит портреты, мифологические и религиозные работы и охватывает 70 — летний период плодотворнейшего творчества автора. Тициан также
  • нежели у Тициана Даная Рембрандта развернута противоположно всем Данаям Тициана В автопортрете 1640 года повторены позы персонажей картин Дюрера
  • скончавшегося в 1770 году барона. В числе приобретённых картин были Даная Рембрандта и Даная  англ. русск. Тициана В субботу, 15 июня 1985 года, в зал Рембрандта
  • творчества к примеру, Тициана и создал ряд картин на мифологические темы, среди которых и было Похищение Европы Картина была написана по заказу
  • Ренессансные интересы Пуссена были сосредоточены на творчестве Рафаэля и Тициана Гравюры с картин и фресок Рафаэля художник копировал ещё на родине, не оставил
  • Возрождения: Леонардо да Винчи, Рафаэля, Джорджоне, Тициана В России только Эрмитаж обладает картинами Леонардо да Винчи: Это Мадонна с цветком Мадонна
  • решительный натиск, причём полуобнажённая Флора с наклонённой головой придаёт картине чувственную занимательность Картина Возвращение со сбора урожая по — видимому
  • При этом документальные сведения о картинах написанных Арчимбольдо после 1585 года, отсутствуют, однако Флора и Вертумн удостоились стихотворных
  • что тот содержит банальные предлоги для ненужных диалогов и стычек Тициана Морганти с Movieplayer.itruit также уверена, что мультфильм представляет
  • portraiture как общее слово для картины и гравюры уравнивая слово portrait в этом смысле с tableau изображение, картина Первым, кто предложил употреблять
  • Мадонна Рафаэля, Дева Леонардо да Винчи, Нимфа Корреджо, Женщина Тициана Поклонение волхвов Паоло Веронезе, Успение Мурильо, Портрет Гольбейна
  • XVI в. — ГЭ  неопр. Зал искусства Венеции XVI в. 3 — ГЭ  неопр. Зал Тициан — ГЭ  неопр. Зал искусства Венеции XVI в. — ГЭ  неопр. Зал декоративно — прикладного
  • Шамиль. 3 — е изд., испр., доп. 2006 382 с. 5 000 экз. 1003 1126 Махов А. Б. Тициан 2006 344 с. 5 000 экз. 1004 1127 Андриянов В. И., Мираламов Г. Ф. Гейдар

Источник: https://google-info.org/4605648/1/flora-kartina-titsiana.html

Описание картины Тициана «Флора»

Название Флора этой волшебной женской фигуре дал Питер де Йоде, который выгравировал ее изображение около 1634 года. Возможно, здесь изображена девушка-невеста в образе богини Весны.

Данное произведение живописи является воплощением чувствительной женственности, переосмыслением Тицианом классических образов Джорджоне. Иконография напоминает изображение обнаженной богини на саркофаге из галереи Боргезе.

Композиция картины отличается простотой замысла, фигура богини представлена во фронтальном изображении: голова слегка наклонена.

Светлые, с бронзовым отливом волосы легко развеваются, в правой руке — цветы, которые она протягивает зрителю, что создает впечатление глубины пространства. В цветах «прячется» обручальное кольцо. То, как сложены пальцы на руке Флоры-невесты, показывает, что она скоро потеряет невинность.

Тициан — необыкновенный портретист. Если ваш портрет создал Тициан и вас похвалил Аретино (известный поэт 1492-1556), — это означает, что вы жизнь прожили не напрасно и познали настоящую славу — убеждал своих современников в 1556 году итальянский поэт и драматург Спероне Сперони. Очень часто художник и поэт работали вместе, т.е.

Тициан писал портреты по описаниям Аретино (уникально!) или по тем реликвиям, которые дарили поэту как признательность за его оды. Однажды Тициану пришлось рисовать портрет Франциска І (1494-1547) с медальона, который ему передал Аретино, — отсюда неожиданный ракурс — король Франции изображен в профиль. Подобные ситуации возникали несколько раз.

Тициан рисовал довольно удачные портреты, не имея перед глазами «живого оригинала».

Изабелла Дьесте, например, заказывала собственное изображение в молодые годы, а Карл V любил заказывать портреты своей покойной жены. Феноменальный талант Тициана давал возможность виртуозно выполнять самые сложные заказы: во всем, что касалось живописи, для художника не было ничего невозможного.

В 1547 году под Мюльбергом императорская армия разгромила войска лютеран, и Карл V промолвил:  дословно: «Чья власть, того и религия». Для утверждения успеха вызвал к себе Тициана и заказал ему портрет, который смог бы олицетворить апофеоз его власти.

Так в Аусбурге художником был создан «Конный портрет» Карла V, который станет образцом парадного портрета для многих поколений художников. Колорит — язык живописи.

Микеланджело утверждал, что если бы «непревзойденный колорист» Тициан приложил силы, чтобы стать и наилучшим художником, в деятельности остальных художников не было бы потребности. Все же Тициан считался с мыслями других и выбрал в искусстве свою тропинку.

«Колорит — вот язык живописи», — этому творческому кредо художник посвятил всю жизнь. В последний период творчества он умышленно ограничивает палитру, чтобы доказать: «Истинному мастеру достаточно трех цветов: белого, черного и красного — главное, чтобы он умел их использовать.

Тициан был очень требовательным к себе и к другим художникам, которых он признавал, а их было довольно немного: Пальма Веккьо Старший, Веронезе, Эль Греко, и особенно, Корреджо (1489-1534). Перед одной из его фресок он восторженно воскликнет: «В конце концов я вижу настоящего мастера!».

Братья Беллини, Карпаччо, Джорджоне, Веронезе, Тинторетто, гениальный Тициан. Их непревзойденными полотнами украшены интерьеры собора Святого Марка, Дворец Дожей, церковь Санта Мария…

Гордостью романтического города на воде является Галерея Академии, где находятся шедевр Джорджоне «Гроза», цикл Мадонн братьев Беллини, «Адам и Ева» Тинторетто, а также «Святой Иоанн Креститель» и «Пьета» Тициана.

Читайте также:  Верещагин василий "после удачи" описание картины, анализ, сочинение

Думаю, что знакомство с Тицианом пробудило у вас желание побывать в его родной Венеции, увидеть шедевры великих венецианцев, ощутить незабываемую атмосферу мостов, арок, каналов, карнавала… И самое главное — вы узнали о сложном пути Тициана к признанию и славе, ведь для расцвета таланта необходимо прикладывать усилия, настойчивость, целеустремленность…

Источник: http://soshinenie.ru/opisanie-kartiny-ticiana-flora/

Флора

«Флора» — картина итальянского художника позднего Ренессанса Тициана, датируемая приблизительно 1515-1517 годом и ныне хранящаяся в Галерее Уффици во Флоренции. Работа Тициана была воспроизведена в многочисленных офортах XVI века. Позднее картина принадлежала неизвестным владельцам из Брюсселя и Вены.

В XVII веке была продана испанским послом в Амстердаме Леопольду Вильгельму Австрийскому и была отображена в картине Рембрандта в его «Саскии в образе Флоры» (Лондон) и в двух портретах, хранящихся в Дрездене и Нью-Йорке. Позднее картина была включена в собрание Музея истории искусств Вены, и была одной из картин, участвовавших в обмене с Галереей Уффици, где и хранится с 1793 года.

В XVIII веке картина ошибочно приписывалась кисти Джакомо Пальма старшего.

Тициан. «Флора»

Картина выдающегося художника Тициана Вечеллио относится к эпохе Высшего, или Позднего, Возрождения. И до нынешних времён она вызывает разногласия в среде искусствоведов.

Первоначально автором шедевра считался другой известный художник того времени, но после глубоких исследований авторство Тициана было признано большинством. А вот многочисленные попытки установить личность изображённой девушки так и не увенчались успехом.

Удалось выяснить только, что картина писалась с реально существующей жительницы Венеции.

Героиня произведения – прекрасная молодая женщина. Красоту её можно назвать идеалом того времени. У девушки правильные черты лица, а пышные волосы с золотым отливом струятся по бледным плечам. Слегка наклонив милое лицо с нежным румянцем, героиня устремила задумчивый взгляд своих очаровательных глаз мимо зрителя, в даль, видимую ей одной. Губы девушки слегка улыбаются её потаённым мечтам.

В одежде красавицы преобладают бледно-розовые тона. С левого плеча ткань слегка соскакивает, и девушка неосознанно поправляет её левой рукой. В правой же руке она держит букетик весенних цветов, как бы протягивая его зрителям. К этому чудному образу как нельзя лучше подходит название картины «Флора» – ведь так легко представить богиню весны и цветов такой.

Многие исследователи полагают, что на полотне изображена невеста перед бракосочетанием, т.к. именно такая одежда в то время символизировала чистоту и непорочность.

Другие учёные утверждают прямо противоположное – они видят в этой женщине распущенную куртизанку.

Но всё же общее окружение и античные мотивы неизменно отсылают нас к римской богине весны. Видимо, чувственный облик и истинная женственность, присутствующая в каждой черте, и притягивают толпы поклонников к этому неизменно прекрасному полотну.

Произведение Тициана Вечеллио «Флора» 1515-1517 гг.

Вокруг картины «Флора» выдающегося венецианского художника эпохи Высокого или, по-другому, Позднего Возрождения Тициана уже давно не утихают споры. Изначально авторство данного шедевра приписывали другому известному художнику той поры, однако затем исследователи сошлись во мнении, что полотно все-таки принадлежит кисти Тициана. 

  • Перейдём к разбору картины.
  • «Флора»
  • О картине:

Это цветущая молодая женщина необычайной, даже несколько идеализированной красоты. У нее длинные золотистые волосы, волной спадающие на женственные плечи, и нежная светлая кожа.

Голова девушки наклонена, прекрасное со здоровым румянцем лицо задумчиво, мечтательный взгляд темных бархатных глаз направлен в сторону, а на губах застыла некая полуулыбка.

Весь ее облик говорит о том, что красавица поглощена своими мыслями.

И в то же время лицо ее словно светится изнутри каким-то таинственным огнем. Свою спадающую с одного плеча бледно-розовую одежду женщина поддерживает левой рукой. Правой рукой дама как бы протягивает нам свой букетик весенних цветов. Именно поэтому картина носит название «Флора» – имя древнеримской богини весны и цветов.

Кто изображен на картине?

О том, кто изображен на представленной картине спорят издавна.

Одно время считалось, что это дочь художника Пальмы Старшего, ему приписывалось и само произведение, потом, когда оно вновь было признано работой Тициана, споры о героине картины продолжились.

Появилась мысль отождествить запечатленную девушку с Флорой. И весь облик этого юного, цветущего, мечтательного существа с распущенными волосами, в спадающей с одного плеча белой рубашке и вправду ассоциируется с античной богиней.

В то же время это — портрет реально жившей венецианки, с золотистыми, по тогдашней моде, волосами и светлой бархатистой кожей. Вполне возможно, что молодой Тициан рисовал ее, фантазируя на тему античности, и получился живой, полнокровный и одновременно приподнятый над реальностью образ.

Источник: https://8-poster.ru/pictures/Flora2/

Творчество Рембрандта. Анализ картины «Флора»

Санкт-Петербургская Государственная 
Художественно-промышленная академия им. А. Л. Штиглица

Реферат по истории 
искусств на тему: Творчество Рембрандта. Анализ картины «Флора».

Выполнил: Соловьева Е. К.  МОД-22

  • Проверил: Каминская
  • Санкт- Петербург 2011 г.
  • План
  1. Биография Рембрандта Харменса ван Рейна.
  2. Анализ картины Рембрандта «Флора».
  3. Мое отношение к картине.
  4. Вывод.
  5. Список литературы.
  1. Биография Рембрандта Харменса ван Рейна

« Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди — всё служит для 
нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи 
и деревья дают достаточно работы художнику.

Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к 
нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай и воспроизводи нас.

В отечестве ты откроешь так много любезного сердцу, приятного, и достойного, что, раз отведав, найдёшь жизнь слишком короткой для правильного воплощения всего этого»

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606 – 1669)

Семнадцатый век в качестве одной из главных эпох в истории 
западноевропейской живописи отмечен 
решительными сдвигами в образном мировосприятии и в художественной стилистике. Не менее существенны перемены, которые 
в ту эпоху произошли в сюжетно-тематической сфере.

Они очевидны в резком расширении сюжетного репертуара, в новизне 
многих тематических мотивов, в использовании 
большого жизненного  материала, до того не входившего в орбиту живописи.

Ни в одну другую эпоху громадный круг образов библейского повествования не был воплощен столь полно и развернуто, как в творчестве одного лишь Рембрандта.

Рембрандт Харменс Ван Рейн родился 15 июля 1606—1669 в Лейдене — нидерландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство.

Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств. Голландский живописец, рисовальщик и офортист. Искусство Рембрандта отличается необычайной жизненностью и глубокой человечностью образов.

Сочетая проникновенность характеристик с исключительным мастерством живописи (в которой особо важное значение имеют тончайшие эффекты светотени).

Рембрандт писал преимущественно портреты, библейские и мифологические сцены, превращавшиеся под его кистью в полный огромной психологической выразительности рассказ о человеческих чувствах и отношениях, обогащенный наблюдениями мастера над современной ему народной жизнью. Как график Рембрандт являлся неутомимым и оригинальнейшим рисовальщиком и непревзойдённым мастером офорта.

«В   ряду  великих  
мастеров  мирового  искусства,  —  пишет  советский искусствовед  Евсей  Иосифович Ротенберг,  —  имя Рембрандта  всегда  было окружено  особым  ореолом.

  За  этим  именем   возникает   образ   художника трагической,  но  прекрасной судьбы, образ человека, никогда не  изменявшего тому,  во  что  он  верил,  не  способного  поступиться даже  самым  малым в искусстве, если  это  шло  против  высшей  человеческой  правды.

  Творческие создания  Рембрандта воплощают  лучшее  из  того, что создало  искусство его родины, но значение их шире — они открыли новые пути для художников эпохи, в которую жил  Рембрандт, они стали затем образцами для всех последующих эпох, они справедливо причислены к высшим достижениям человеческого гения».

У русских  художников  и в нашей искусствоведческой литературе нет и не было,    по    существу,   разногласий   в   оценке    Рембрандта.

   Идеолог передвижничества, художественный и  музыкальный  критик  Владимир Васильевич Стасов  называл  Рембрандта  «великим  родоначальником  нового  европейского искусства»,  а  идеолог  враждебного передвижникам течения «Мир  искусства», живописец Александр Николаевич  Бенуа считал творчество Рембрандта  «чудом в истории   человечества».  Выдающийся   русский   художник,   идейный   вождь передвижников  Иван  Николаевич  Крамской  называл  Рембрандта  «великим  из великих»,  а один из  величайших  сынов России Илья  Ефимович  Репин  писал: «Рембрандт более всего любил гармонию общего, и до сих пор ни один  художник в мире не сравнялся  с ним в  этой музыке  тональностей, в этом  изяществе и законченности целого».

  1. А целое для Рембрандта — это человек и Вселенная.
  2.      Но этот 
    художник, открывший человечеству  такие глубины познания, такие красоты  самой горячей и щедрой любви, художник, в творчестве которого добро сияет с такою всепокоряющей силой, умер в нужде, непонятый, даже отвергнутый современниками,  отупевшими  от   чванства   и самодовольства  голландскими бюргерами, поправшими лучшее, что за свою многовековую историю дал их народ.
  3.      Рембрандт — имя, ставшее легендой.
  4.      «Все писавшие в последнее время о Рембрандте, — так начинает свой очерк

о  художнике великий 
бельгийский поэт Эмиль  Верхарн,  — мерили его  аршином своей точной, рассудочной, ученой критики. Они старались разобрать его жизнь год за годом, радость за  радостью, несчастье за несчастьем.

И вот теперь мы знаем    все   подробности   его   биографии,    интересуемся   его   манией коллекционировать, его семейными добродетелями, его родительскими  заботами, его  неизменными увлечениями, его богатством,  его разорением, его кончиной.

До нас дошла опись его имущества и документы по опеке над сыном, и благодаря тому  критики  могли проникнуть  в  жизнь  великого  человека,  словно  его бухгалтеры.  Их  кропотливые  изыскания  бросились  на  громкую  известность Рембрандта,  как рой  муравьев.

Его обнажили — не без почтения, правда, но с беспощадным любопытством.  Ныне он похож на того нагого  бичуемого Христа  у колонны, которого он,  как говорят, рисовал, думая  о своих  кредиторах.  Он мог, рисуя его, думать о своих будущих критиках».

  1. Описание картины Рембрандта «Флора»
Читайте также:  Хастл – танец, расшевеливший весь мир

Характерное рембрандтовское порождение в круге античных мотивов составляет сложившийся в раннее время, но продолженный затем в поздние годы тип картины, возникший на границе двух жанров – мифологического и портретного.

Это однофигурные в композиции с изображением мифологического божества с соответствующими атрибутами, в котором с несомненностью проглядывают черты какой-либо конкретной модели из семейного окружения мастера. Образы эти не имеют развернутой сюжетной трактовки и существуют в рамках представительского мотива.

Мера и характер мифологизации варьируется в широких пределах, что можно у видеть на примере трех композиций с изображением Флоры, созданных Рембрандтом в разные годы.

Две их них – Саския в виде Флоры в Эрмитаже (1634) и в лондонской Национальной галерее (1635) – должны быть названы, скорее, мифологизированными портретами; использованный в них антураж – одеяние, венки, цветы – несет на себе отпечаток атрибутивной условности.

Напротив, в относящейся к 1650-м годам «Флоре» в музее Метрополитен, моделью для которой служила Хкндрикье Стоффельс, конкретные черты этой последней оказались растворены в образе более широкого плана, которому придана естественная мифологическая форма бытия, без следов внешнего декора ранних работ.

Рассмотрим первую из этих портретов — поколенный эрмитажный портрет Саскии в виде Флоры, античной  богини  весны  и цветов, 1634-ый  год (125*101 см). Женское обаяние составляет суть этого знаменитого  произведения.

В 1633 году Саския ван Эйленбюрх (Uylenburgh) стала невестой Рембрандта ван Рейна. На портрете этого года жена художника, в цветочном венке и просторном причудливом платье, преображается в богиню цветения Флору, окружённую лесным полумраком.

Выбор наряда не случаен: Саския готовилась стать матерью.

Очаровательный портрет 
юной Саскии в наряде Флоры является немым, но красноречивым свидетелем этой «поры весны и любви» гениального живописца. Задумчивое, но, несомненно, счастливое лицо девушки вполне соответствует чувствам невесты. Она теперь не резвое дитя, беззаботно смотрящее на Божий мир.

Перед ней серьезная задача: она избрала новый путь и многое-многое приходится ей передумать и перечувствовать, прежде чем она вступит во взрослую жизнь. Увитые цветами головной убор и жезл, безусловно, указывают на Флору, древнеримскую богиню весны.

Наряд богини написан с удивительным мастерством, но подлинное величие таланта Рембрандта проявляется в выражении нежности, которое художник придал ее лицу. Неправильность задорного личика Саскии опьяненный счастьем Рембрандт и не думает скрывать.

Когда началась жизнь его с Саскией, полная безумия и радости, он рисует ее так же, как до того рисовал себя, с тем же блеском и роскошью. Более того, Саския помогает ему реализовать его истинное искусство, искусство сверхъестественного и чудесного.

Любимая жена внесла в одинокое жилище скромного художника свет счастья и сердечного довольства.

Рембрандт любил наряжать Саскию в бархат, шелк и парчу, по обычаю того времени, осыпал бриллиантами и жемчугом, с любовью наблюдая, как выигрывает ее прелестное, молодое лицо от блестящего наряда, как свежий цвет его эффектно выделяется на темном фоне вишневого бархата, какой матовой белизной отливает жемчужная нить, вьющаяся среди золотистых волос.

Внешность  Саскии, здесь, как и на многих портретах цветущая и жизнерадостная.

Лицо ее  безмятежно,  с  легкой  затаенной улыбкой,  с  прозрачным,  ласковым  и  внимательным  взглядом,  направленным немного   ниже  и  левее   зрителя.

  Замысел  берлинского  рисунка   и  поза дрезденского  портрета как бы  объединились в  картине Эрмитажа.  Увенчанная цветами,  Саския-Флора  выступает за  изобразительной поверхностью  справа налево на фоне таинственной тьмы.

     В поколенном 
портрете  Флоры Рембрандт  
дает поэтический портрет  
своей молодой  жены,  стремясь  выразить  всю  силу  своего  чувства в  наивном  и трогательном стремлении  как можно лучше  украсить ее  изображение. 

Широкий силуэт  ее  фигуры  кажется  изящным,  он свободно  размещается на  картине, оставляя  много  места  справа  и особенно слева; освещенный  куст  зелени в правом углу и увитый яркими цветами жезл  в левой части картины не заполняют пространства,  а  лишь подчеркивают глубину.

  Пышная,  златотканая одежда, в которой  тонет тоненькая фигурка Саскии,  увитый  цветами жезл, который она держит  в  правой  руке, и цветочный  венец в распущенных волосах  делают ее похожей  на   какую-то  сказочную  принцессу,  в  образе  которой   художник запечатлел не столько портрет самой Саскии, сколько портрет своей любви.

     Придерживая 
на груди левой рукой зеленый 
шелковый  плащ, Саския, слегка наклонив головку, повернула к нам свое простое, но прекрасное лицо и замерла на месте,  стоя  к зрителю немного боком.

  Полное  личико Саскии, ее круглые глазки  и  пухлые губки  мы без  труда узнаем: Рембрандт их  так любил и так охотно передавал именно  такими, какими  видел.  Но  одного  сходства  мало! Портрет Саскии должен ласкать и радовать глаз, он должен быть праздником для созерцающего.

  И,   зачарованный  красотой  своей двадцатидвухлетней  жены, художник  самозабвенно   окаймляет  ее  лицо  локонами  распущенных   волос, подчеркивая женственную прелесть ее  облика ее красочным окружением. Головку Саскии венчает цветочная гирлянда, гармонирующая с нежным румянцем щек.

Как будто бы только что  сорванные,  свежие  и яркие цветы  венка и жезла вносят радостную ноту в общий холодноватый колорит  картины.

И наш  взгляд скользит по богатейшим переливам светло-зеленого атласа и пестрой отделки ее длинного пышного одеяния, по серебряному шитью, украшающему рукав, и снова поднимаясь вверх, встречает богатые формы тюльпанов в венке.

Написано  это  безо всякой мелочности,  которой  было  еще так  много  в ранних  портретах  Рембрандта, например, в  «Портрете отца»; смело и свободно ложатся в разных направлениях мазки  густой  краски.  Костюм Саскии  фантастичен,  но все, что мы  видим, несомненно,  не  выдумано, а  написано  с  натуры: Рембрандт  начал собирать обширную   коллекцию  восточных   тканей,   оружия,  всевозможных  предметов искусства, в том  числе  прикладного, которой он пользовался для изображения деталей  в своих картинах. И  конечно,  как истинный голландец, он со вкусом передавал массивность  тяжелых тканей, сверкание  серебряных нитей, нежность тюльпанов.

     Замечательной 
красоты достигает живопись так 
называемых карнаций, как в прежние  времена называли технику  изображения  человеческой  кожи.  И также красивые,  яркие,  крупные  цветы, и также изумительно выписан плотный  шелк плаща  и прозрачная,  полосатая, светло-коричневая  ткань рукавов.

Рембрандт передает материальную,  осязаемую красоту  мира с  такой  полнотой, силой  и тонкостью,  какие   неведомы  даже  профессиональным   голландским  мастерам натюрморта  —   стоит   только   сравнить   розы  и   тюльпаны,   украшающие рембрандтовскую  «Флору» с цветами знаменитого натюрмортиста Кальфа,  чтобы отдать предпочтение реализму и  краскам молодого  сына лейденского мельника.

«Флора» великолепнее, чем все попытки современников 
Рембрандта в этом роде — но в глазах современников картина не выпадала из рамок определенного типа.

Портрет Саскии-Флоры заворожил меня на первый взгляд таинственным цветовым сочетанием и образом, в котором представил автор данное произведение. Она как будто бы лесная нимфа из сказок фэнтези предстающей во всей этой цветочной атрибутике и богатстве одежд.

При невнимательном рассмотрении лицо Флоры не приравнивается к идеальным чертам и канонам красоты того времени. Она не была идеалом красоты: короткая шея, короткая талия и невыразительные глаза. Но по воле Рембрандта, охваченного своей страстью, она волшебно преображается. Она очаровательна и грациозна.

Если присмотреться, то можно заметить насколько виртуозно художник пользуется целой системой живописных и композиционных приемов и средств образной характеристики. Настолько чутко Рембрандт передал портрет своей жены, как будто это снимок фотографии, и вот-вот она оживет и предстанет перед нами во всей красе.

Но большее внимание меня привлекло одеяние в которую, обличил художник свою жену. Кажется, что Рембрандт заинтересован ею самою меньше, чем ее пышным одеянием. Картина – словно натюрморт из драгоценных тканей одежды, кроны цветов на голове и жезла, увитого цветами. Настолько скрупулезно он передал фактуру ткани, ее богатую вышивку и переливы на свету.

Что хочется пощупать и потрогать. Все это в сочетаний организует полный прекрасный, идеальный образ богини весны. Без таких работ наше представление о красоте и женственности было бы бедным и плоским.

Вывод: Человечеству понадобилось два столетия, чтобы в полной мере оценить значение творчества Рембрандта.

Хотя ещё Джованни Кастильоне и Джованни Баттиста Тьеполо вдохновлялись его офортами, смелость Рембрандта-живописца и меткость его наблюдений в качестве рисовальщика впервые получили признание в XIX веке, когда художники реалистической школы Курбе (а в России — передвижники) противопоставили его глубоко прочувствованную поэзию света и тени беспрекословной чёткости и ясности французского академизма. Портрет занимал в творчестве Рембрандта исключительно видное место. По всем своим художественным интересам и склонностям Рембрандт был прирожденным портретистом. Он стремится познать это явление во всей его особливости, во всем его своеобразии, во всей его неповторимой оригинальности. Рембрандт трактовал любую тему и любой жанр в чисто портретном духе, вскрывал в любом персонаже черты ярко выраженной индивидуальности, те самые черты, которые составляют сущность портретного образа.

Источник: https://student.zoomru.ru/isk/tvorchestvo-rembrandta-analiz-kartiny-flora/147270.1129551.s1.html

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector