Художник нового искусства, абстракционист, переживший войны и революции. Большевики называли его живопись «дегенеративной». В труде — «О духовном в искусстве» — Кандинский раскрывает психологическое воздействие чистого цвета на человека, находит связь между живописью и музыкой. Кандинский мастер «композиций», «импровизаций» и «впечатлений».
Обеспеченная, благополучная семья с ранних лет поддерживала стремления Василия Кандинского к искусству. Однако, в будущем он должен был стать юристом. Юноша блестяще окончил Московский Университет, после чего преподавал.
Судьба Василия Кандинского вновь вернула его к искусству, когда в 1895 году состоялась выставка французских импрессионистов. Василий Кандинский был поражен произведением Моне – «Стога». Оставив Университет, он еден в Мюнхен, обучаться живописи. В те времена Мюнхен считался центром европейского искусства, в 1892 году было организовано модернистское объединение художников – Сецессион.
Два года обучался русских художник у югославского живописца Антона Ашбе, всё более увлекаясь творчеством, а не техникой исполнения. Первые импрессионистские работы отличались особой цветовой гаммой, Кандинский придавал большое значение не форме, колориту картины.
Вот и позднее, когда Кандинский брал уроки у знаменитого Франца Фон Штука (художник Сецессиона), ему пришлось оставить свою яркую палитру и писать в чёрно-белой гамме, изучая форму.
Эти требования были установлены учителем, считавшим Кандинского хорошим учеником, но обладавшего не удачной способностью яркого колорита.
Кандинский провёл четыре года в Мюнхене, но не осталось никаких работ того времени. Остаётся загадкой, какова их судьба, были ли они уничтожены художником или утеряны.
Закончив учёбу в возрасте 35 лет, Василий Кандинский создаёт своё движение художников-абстракционистов под названием «Фаланга», что сделало его лидером мюнхенского братства художников.
В 1901 году, в Берлине состоялась первая выставка ассоциации, на которой были представлены работы импрессионистов и откровения немецкого «югендстиля». В это время художник встретил молодую художницу Габриэлу Мюнтер, развёлся с женой.
5 лет он путешествовал с Габриэлой по Европе, занимаясь живописью и участвовал в выставках.
В 1908 году Кандинский с Габриэлой вернулись в Мюнхен, случилось так, что они поселились недалеко от студии художника Пауля Клее. Спустя десять лет они вместе работали в «Баухаузе», став единомышленниками.
Габриэла купила дом, они прожили в нём 6 лет. Дом находился в Марнау, недалеко от подножия Баварских Альп. Этот период стал самым продуктивным в жизни художника.
Художник всё больше переходил от конкретного изображения к абстракции.
В 1911 году, вместе с другом художником Францем Марком, Кандинский организовал группу «Синий всадник». Художники смогли организовать только две выставки.
В 1912 году состоялась первая персональная выставка. Зритель не принял картин Кандинского, что повергло его в глубокое уныние.
Началась Мировая война и Кандинский переехал из Германии в Швейцарию. Здесь он начал работу над книгой «Точка и линия». К ноябрю 1914 года он расстаётся с Габриэлой и едет в Москву, почти два года художник не занимался живописью.
В 1916 году Кандинский познакомился с Ниной Андреевской, дочерью русского генерала, спустя год женится на ней. Получив наследство после смерти отца, художник тут же потерял средства на существование, большевики конфисковали всё имущество. Оказавшись за чертой бедности Кандинский впал в отчаяние.
Энтузиазм жены спас Кандинского. Он приступает к работе в Наркомате просвещения, став руководителем секции кино и театра. Затем был приглашён в Московский университет на должность профессора, организовав в это же время Институт художественной культуры.
Благодаря Кандинскому были открыты около 22 художественных галерей в России. Но, к сожалению, все усилия Кандинского найти себя в своей стране не увенчались успехом, абстракционизм был объявлен «упаднечиским», а Кандинского называли «приспешником буржуазии».
И в 1921 году, получив предложение на место преподавателя в «Баухаузе», в Веймаре, Кандинский покидает страну.
Сложная была судьба «Баухауза». В 1924 году по политическим соображениям школа подверглась нападкам, и её пришлось перевести в Дессау, там она просуществовала до 1932 года. Под давлением местных нацистов школу перевели в Берлин. В апреле 1833 года она окончательно была закрыта. Кандинский с женой покидает Германию из соображений безопасности, они поселяются в пригороде Парижа.
Много критики Василий Кандинский слышал в свой адрес, галереи не брали работ художника. Но, несмотря на всё, художник работал до конца жизни, оставаясь преданным творчеству.
Известные произведения Василия Васильевича Кандинского
Картина «Импровизация 21А» написана русским художником в 1911 году, находится в Государственной галерее Ленбаххауз, в Мюнхене. Картина была написана в период утверждения Кандинского — абстракциониста. По сути это реакция художника на окружающий его мир, основанная на впечатлениях и интуиции.
С первого взгляда, кажется, что картина абсолютно отвлечена от реальных предметов, но если всмотреться, начинают вырисовываться изображения. Например, в центре видна гора. Яркие цветовые пятна очерчиваются чёрным контуром – характерная черта живописи Кандинского во всём последующем творчестве. Ещё одно конкретное изображение – стилизованная фигура человека в неестественном расположении.
Картина «В сером» выполнена в 1919 году, находится в Национальном музее современного искусства, в Центре им. Ж. Помпиду, в Париже. Её можно причислить к картинам «русского периода» (1915-21).
Эта картина ознаменовала завершение периода изучения взаимодействия форм Кандинским. Художник замыслил «композицию», состоящею из изображений – гор, фигур людей, лодок.
По завершению работы картина превратилась в абстракцию с более мягким колоритом по сравнению с предыдущими работами.
В картине строгие геометрические фигуры заменяются биоморфными формами, характерно для живописи художника в парижские годы. Колорит звучит в приглушённых серых, коричневых и голубых тенях. Композиция сменяется хаосом.
Картина «Вибрация» выполнена в 1925 году, находится в Галерее Тейт, в Лондоне. На картине изображены геометрические фигуры, о которых художник пишет в «Точке и линии».
Контакт между острым треугольником и кругом производит не меньшей эффект, чем палец Бога протянутый Адаму на картине Микеланджело.
В. Кандинский
Самый яркий предмет – шахматная доска. Сложная структура достигнута единством формы и цвета. Сама картина выполнена в приглушённых тонах. Напряжение передается путём сопоставления форм и цвета. Доминируют круги, как неисчерпаемые скрытые возможности (Кандинский).
Картина «Вверх» написана в 1929 году, из собрания Пегги Гуггенхейм, в Венеции. В «Баухаузовский» период художник в основном писал картины, состоящие из геометрических фигур.
«Вверх» — это изображение человека, сложившееся из геометрических фигур. Здесь видно влияние живописи Пауля Клее. Прослеживается теория «Точки и линии на плоскости».
Когда Кандинский изображал фон, он стремился вырваться из тесных рамок, в которые сам загнал себя в «Баухаузе». Что удалось ему позднее в Париже.
Шедевр Кандинского В.В. – картина «Деталь для Композиции IV»
Картина исполнена в 1910 году, находится в Галерее Тейт, в Лондоне. Второе название – «Казаки». Сам художник говорил, что сюжет этой картины был взят им из событий революции 1905 года, когда казаки скакали по улицам Москвы.
Перед зрителем два сражающихся казака, под ними – радуга, образующая дорогу, ведущая к дворцу на голубом холме. Справа – ещё трое казаков. У двоих из них пики. Элементы картины трудно распознаваемы, что заставляет зрителя долго пристально смотреть на изображения, постепенно погружаясь в сюжет.
Абстракция предполагает отвлечение от реальных форм и творческое выражение в геометрических элементах.
Источник: https://rus-artist.ru/kandinskij-vv.html
История одного шедевра: «Композиция VII» Кандинского
— Я нарисую это за 10 минут. — А я — за пять. Посмеиваясь, люди уходили, оставляя в немом диалоге полотна Василия Кандинского «Композиция VI» и «Композиция VII». Картины сейчас экспонируются в Третьяковской галерее. Последний раз подобное происходило в 1989 году.
Василий Кандинский сформулировал философию абстракционизма век назад. С тех пор мы повидали немало, визуальный опыт обогатился значительно. Но и сегодня его полотна вызывают недоумение, шуточки о «мазне» и скептичные взгляды. Почему картины Кандинского — шедевры, которые вам не удастся повторить, рассказывает Снежана Петрова.
«Композиция VII» Василия Кандинского (1913)
Сюжет Эту картину называют вершиной творчества Кандинского в период до Первой мировой войны. Чтобы написать ее, художник выполнил более 30 эскизов, акварелей и работ маслом. Такая серьезная работа проведена неспроста: Кандинский поставил перед собой задачу соединить в финальной композиции несколько библейских тем: воскрешение из мёртвых, Судный День, всемирный потоп и райский сад.
Чтобы понять Кандинского, не надо даже думать — он уже все описал, читайте. В его пояснениях есть расшифровка каждого пятна, каждой точки, каждого поворота линии. Остается лишь смотреть на полотно и ощущать.
Кандинский считается отцом абстракционизма
«Идея души человека отображается в смысловом центре полотна, круговороте, намеченном фиолетовым пятном и чёрными линиями и штрихами рядом с ним.
Он неминуемо затягивает в себя, как воронка, извергающая некие зачатки форм, растекающиеся бесчисленными метаморфозами по всему холсту.
Сталкиваясь, они сливаются или, наоборот, разбиваются друг о друга, приводя в движение соседние… Это словно сама стихия Жизни, возникающая из Хаоса». Прояснилось, спасибо, Василий Васильевич.
Седьмая композиция — логичное продолжение шестой.
«Композиция VI» Василия Кандинского (1913)
Считается, что изначально «Композицию VI» Кандинский хотел назвать «Потоп». Смешение линий и цвета должно было говорить, даже кричать зрителю о катастрофе вселенского масштаба (здесь и библейские мотивы, и скорая война). И, конечно, уносить с собой в потоке.
Если у вас есть терпение и желание прокачать воображение, присмотритесь к полотну, и вы увидите (гарантировано!) очертания корабля, животных и предметов, тонущих в волнах штормового моря.
В седьмой же композиции мотив потопа дополнен другими библейскими сюжетами (если забыли какими, посмотрите еще раз на «Композицию VII»).
«Розовый и белый вспениваются так, что кажутся лежащими вне плоскости холста либо какой-то иной, идеальной, плоскости. Они, скорее, парят в воздухе и выглядят так, словно окутаны паром. Подобное отсутствие плоскости и неопределенность расстояний можно наблюдать, например, в русской паровой бане.
Человек, стоящий посреди пара, находится не близко и не далеко, он где-то. Положением главного центра — «где-то» — определяется внутреннее звучание всей картины. Я много работал над этой частью, пока не достиг того, что сначала было лишь моим неясным желанием, а затем становилось внутренне все яснее и яснее».
Это он о «Композиции VI».
Кандинский был синестетиком: слышал цвета, видел звуки
Кстати, лайфхак от художника: «Я применял сочетание гладких и шероховатых участков, а также множество других приемов обработки поверхности холста. Поэтому, подойдя к картине ближе, зритель испытывает новые переживания».
Контекст
Василий Кандинский рассматривал композиции как главные заявления своих художественных идей. Впечатляюще большой формат, сознательное планирование и трансцендентность представления, выраженная нарастанием абстрактного образа. «С самого начала, — писал художник, — уже одно слово «композиция» звучало для меня, как молитва». Первая датируется 1910 годом, последняя — 1939-м. Кандинский считается «отцом абстракции». И дело не в том, что он первым написал полотно такого рода. Появление абстракции было предопределено — идея витала в воздухе, сразу несколько европейских художников ставили эксперименты и последовательно продвигались к нефигуративной живописи. Василий Васильевич был первым, кто дал новому течению теоретическое обоснование.
Будучи синестетиком (слышал цвета, видел звуки), Кандинский искал универсальный синтез музыки и живописи. Через рисование и черчение он имитировал течение и глубину музыкального произведения, окрашенность отражала тему глубокого созерцания. В 1912 году он написал и опубликовал основополагающее исследование «О духовном в искусстве», которое стало теоретической базой абстракционизма.
В Союзе абстрактное искусство было объявлено антинародным
В 1920-х Кандинский работал над новой изобразительной формулой, состоящей из линий, точек и комбинированных геометрических фигур, представляющих его визуальные и интеллектуальные исследования.
То, что начиналось как так называемая лирическая абстракция (свободные формы, динамические процессы — вот это все), постепенно обретало структуру. Принято считать Кандинского русским художником. А между тем, как минимум полжизни он провел за границей, в основном в Германии, а в конце жизни — Франции.
Он был тем художником, который не надрывался на тему корней и отрыва от родины-матушки, но был сосредоточен на творчестве, на новаторстве.
Судьба художника
Если бы Кандинский был нашим современником, то его биографию можно было публиковать как вдохновляющий кейс для тех, кто решил сбежать из офиса и заняться тем, к чему лежит душа.
По совету родителей Василий получил юридическое образование, жил — не тужил. Пока однажды не оказался на выставке и не увидел полотно Клода Моне. «И вот сразу я увидел в первый раз картину. Мне казалось, что без каталога не догадаться, что это — стог сена. Эта неясность была мне неприятна: мне казалось, что художник не вправе писать так неясно.
Смутно чувствовалось мне, что в этой картине нет предмета. С удивлением и смущением замечал я, однако, что картина эта волнует и покоряет, неизгладимо врезывается в память и вдруг неожиданно так и встанет перед глазами до мельчайших подробностей.
Но глубоко под сознанием был дискредитирован предмет как необходимый элемент картины», — писал впоследствии художник.
Клод Моне «Стог сена. Конец лета. Утро», 1891 год
Так, в 30 лет молодой перспективный юрист забросил портфель куда подальше и решил стать человеком искусства. А уже через год он переехал в Мюнхен, где познакомился с немецкими экспрессионистами.
И закипела его богемная жизнь: вернисажи, вечеринки в мастерских, споры о будущем искусства до хрипоты. В 1911 году Кандинский объединил сторонников в группу «Синий всадник».
Они считали, что у каждого человека есть внутреннее и внешнее восприятие действительности, которые следует объединить посредством искусства. Но просуществовало объединение недолго.
Тем временем в России — своя атмосфера, Василий Васильевич решает вернуться на родину. И вот, в 1914-м, после почти 20 лет в Германии, он вновь вступает на московскую землю.
Поначалу перспективы были многообещающими: он занимает должность директора Музея живописи и культуры и работает над реализацией музейной реформы в новой стране; преподает в СВОМАСе и ВХУТЕМАСе.
Но аполитичный художник неизбежно должен был столкнуться с пропагандой в искусстве.
Нацисты публично сожгли тысячи картин абстракционистов
Энергии строить светлое будущее хватило не надолго: в 1921-м Кандинский уезжает в Германию, где ему предложили преподавать в Баухаусе. Школа, которая воспитывала новаторов, была тем местом для Кандинского, где он смог стать видным теоретиком и получить всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства.
После десяти лет работы Баухаус был закрыт, а полотна Кандинского, Марка Шагала, Пауля Клее, Франца Марка и Пита Мондриана объявлены «дегенеративным искусством». В 1939-м нацисты публично сожгли более тысячи картин и эскизов. Кстати, примерно в тот же период в Советском Союзе абстрактное искусство было объявлено антинародным и лишенным права на существование.
Столетия назад такие народы, как скифы, печенеги, хазары, наводили ужас на своих соседей. Однако это не помогло древним народам сохранить свою идентичность.
Нашли ошибку или опечатку ? Выделите ее и нажмите Ctrl+Enter Open modal
Свидетельство о регистрации СМИ Эл №ФС77-62623 выдано федеральной службой по надзору в сфере связи, информационных технологий и массовых коммуникаций (Роскомнадзор) 31.07.2015 При полном или частичном использовании материалов ссылка на «Дилетант» обязательна. Для сетевых изданий обязательна гиперссылка на сайт «Дилетант» — diletant.media. Разработанно в notamedia
Главный редактор: Снежана Петрова
Источник: https://diletant.media/articles/28909633/
Василий Васильевич Кандинский, «Казаки»
Василий Васильевич Кандинский – русский художник, основоположник абстракционизма, живописец, график, педагог и общественный деятель. Большую часть жизни Кандинский провел за границей. Он учился в Мюнхене, где в 1911 г. вместе с Ф. Марком создал объединение художников-экспрессионистов «Синий всадник», которое существовало до 1914 г.
и в которое входили немцы А. Макке, Г. Мюнтер и др., русские А. Явленский, М. Веревкина, братья Д. и В. Бурлюки, швейцарец П. Клее, француз Р. Делоне и др. После распада общества многие художники не расстались с экспрессионизмом и продолжали сохранять изобразительную основу своих произведений.
Другие же, как и Кандинский, обратились к абстрактному искусству.
В ранних работах Кандинского еще можно увидеть примитивистскую, декоративную красочность, но эта связь с реальным образом начинает пропадать уже в 1908 г. Его картины становятся более яркими, насыщенными по цвету, в них теряется ощущение предметности.
Он называет свои произведения «композициями» и «импровизациями» – в них невозможно определить изображенные предметы.
Шмидт писал, что «реализм как выражение материалистического миросозерцания – так понимал его сам Кандинский – был преодолен им посредством одухотворения материи».
Действительно, его картины наполнены жизнью. Изогнутые иероглифы перебегают яркие пятна, которые проникают друг в друга и расступаются; кривые линии расползаются по полотну кишащими червячками. Иногда цветные бесформенные брызги приобретают геометрические очертания, и в них возникают образы космической глубины.
Возвращение Кандинского на родину было связано с началом Первой мировой войны.
Вместе с группой единомышленников в годы октябрьской революции он пытался возглавить художественное образование в России и полностью руководить искусством.
Из программы Института художественной культуры, составленной им, ясно, что он хотел привнести в формирующуюся советскую культуру элементы культуры буржуазной Европы.
Однако его надеждам не дано было осуществиться. Разочаровавшись в своей неудаче, художник навсегда покинул Советскую Россию. Сначала он остановился в Вейсмаре, но потом переехал в Дессау, где стал преподавателем Баухауза.
Когда власть захватил Гитлер и Баухауз закрыли, ему пришлось эмигрировать во Францию. Здесь он провел последние десять лет своей жизни.
В поздних работах Кандинского доминирует воздушный красочный геометризм с преобладающей изоляцией отдельных формальных сюжетов, которые как бы летают в пространстве картин.
Для искусства важна не только деятельность Кандинского, а как талантливого художника, не меньшее значение имеет и его теория. Всю свою жизнь он был довольно религиозным человеком, и все его «нововведения» буквально пронизаны мистикой. Главный недостаток современного искусства, по мнению Кандинского, заключен в его подчинении материализму.
Цель абсолютного искусства – победить материю, природа и искусство так же различны, как внешний и внутренний миры. Абстрактное же искусство как раз и призвано их соединить, оно преобразует реальное существование в чистый звук.
Кандинскому особенно нравится сравнивать живопись с музыкой, ведь «звук» -это душа каждого реального явления, каждой зримой формы.
«Переживание «тайной души» всех вещей, видимых нами невооруженным глазом, в микроскоп или телескоп, я называю «внутренним взором».
Этот взор проходит сквозь твердую оболочку, через внешнюю «форму» к внутреннему началу вещей и позволяет нам воспринять всеми нашими чувствами внутреннее «пульсирование» этих вещей». И подобное восприятие художника становится зародышем его творения. Бессознательно. Так трепещет «мертвая» материя.
И более того: внутренние «голоса» отдельных вещей звучат не изолированно, но в общем согласии, и это – «музыка сфер» – такова универсальная формула Кандинского.
Одна из лучших работ художника – полуабстрактная, необъяснимо притягательная композиция «Казаки». В ней очертания хмурых холмов и едва различимые силуэты казаков с саблями на конях включены в общую динамику картины, ее абстрактных форм, линий и ярких, кричащих цветовых пятен.
В манере наложения мазка чувствуется удивительная раскованность, непосредственность, непринужденность. Композиция оживает в нашем сознании, создавая эффект легкости и реалистичности. Построение самой картины поражает своей простотой и ясностью плана, здесь нет излишеств и торопливой суеты.
Образы казаков обличаются строгостью и чинностью.
Василия Кандинского в большой степени можно назвать художником-символистом. Он насыщает свое понимание цвета символикой: черное для него есть символ смерти, белое – символ рождения, красное – символ мужества.
Линии также символичны. Горизонтальная обозначает то, что лежит, вертикальная – позу стоящего человека, ходьбу, движение, восхождение ввысь. Горизонталь пассивна, женственна, вертикаль активна, мужественна.
Источник: http://jivopis.org/kandinskij-vasilij-vasilevich—kazaki
Василий Кандинский. В поисках духовности
Желтый, красный, голубой. 1925.
(Начало здесь) Василий Кандинский — дважды рожденный: биологически — в 1866 году, как художник — в 1896. В тридцать лет ему, начинающему ученому с блестящей перспективой, предлагают кафедру и профессорство в Дерптском университете. Неожиданно для всех Василий Кандинский отказывается от предложения и круто меняет свою жизнь – едет в Мюнхен, учиться на художника.
Мюнхен стал местом, в котором он не только проживет почти двадцать лет, но и выработает стиль, известный сегодня во всем мире как беспредметное искусство или абстракционизм. К тридцати годам ему хватило сил, чтобы отказаться от карьеры преподавателя и выбрать путь художника, осуществив давнюю мечту детства.
Родился будущий художник в Москве, в очень обеспеченной семье. Корни главы семейства Василия Сильвестровича Кандинского уходят в Сибирь, куда были сосланы на поселение его предки. Сам же он происходил из забайкальского рода Кандинских. Через пять лет после рождения сына семья переехала из Москвы в Одессу, где мальчик окончил гимназию и получил художественное и музыкальное образование.
Двое на лошади. 1906
В девятнадцать лет, по желанию родителей, Василий Кандинский становится студентом юрфака Московского университета. Учился он долго — восемь лет, вынужденный прерывать учебу из-за болезни.
Во время учебы он участвует в этнографической экспедиции на север Вологодской губернии, которую будет вспоминать всю жизнь. Она определит его интерес к народному фольклору, примитивизму, народным картинкам, цвету, старинным языческим обрядам и шаманизму, отразившимся на его творчестве.
«Помню, как я впервые вошёл в крестьянский дом, остановился на пороге как вкопанный. Стол, лавки, печь — всё сплошь было покрыто простыми, наивными орнаментами разнообразных цветов. На стенах — народные картины. Красный угол был заставлен образами и заклеен репродукциями икон. Когда, наконец, я прошёл внутрь избы, сам оказался в Картине».
Город-крепость в осеннем пейзаже 1902
Путь художника структурируется довольно просто: первый период, мюнхенский, или ранний (1896-1913) длился восемнадцать лет. Это были самые значимые годы в его формировании как художника и как теоретика искусства, выработки понимания места и миссии художника.
Второй период, русский (1914-1921).
В это время художник вынужденно возвращается в Москву в связи с началом Первой мировой войны: как гражданин России, он не мог оставаться в Германии, с которой Россия вступила в войну.
В Москве он знакомится с русскими художниками-авангардистами (Татлиным, Малевичем, Ларионовым, Родченко и другими), позволившими ему скорректировать и уточнить свои позиции в живописи.
Вершины на дуге. 1927
В 1921 году начался массовый исход из советской России старой интеллигенции, не согласной с политикой новой власти. В их числе оказался и Василий Кандинский, окончательно разочаровавшийся в революции.
Ехали в основном в Германию, в Берлин. Кандинский ехал в Германию по официальному приглашению – преподавать в академии Баухауз, в Веймаре.
Начался третий, самый спокойный, плодотворный и лирический период, период зрелости и уверенности в себе (1922-1933).
Но с приходом к власти Гитлера академию закрыли, объявив ее гнездом большевизма, картины Кандинского попадают в категорию дегенеративного искусства, и художник эмигрирует во Францию.
Французский период (1934-1944) — своего рода послесловие к бурной жизни художника, на которую пришлись две русских революции, две мировые войны, слом всех старых форм мышления, в том числе в искусстве и живописи.
Синий всадник
Умер художник в семьдесят семь лет. Прах его покоится на кладбище французского города Нёйи-сюр-Сен, в котором Василий Васильевич прожил последние годы. Все четыре периода были очень разными, и не только по жизненным перипетиям, но и по стилю, который менялся очень динамично. Проследим эту динамику по ключевым картинам Василия Кандинского.
Синий всадник (1903). Прорывная работа, только на первый взгляд кажущаяся простой: одинокий всадник скачет через поле. Но с точки зрения развития стиля Кандинского, работа очень значимая. Здесь видно влияние на художника импрессионистов, в частности, Клода Моне, чья картина «Стог сена» когда-то поразила его на Московской выставке.
Те же контрасты света и тени, яркого солнца и пятнистого склона холма. Цвета лошади и всадника почти сливаются, предвещая интерес художника к абстракции в поздних работах. Тема всадника станет на многие годы ведущей в его работах. Скачущий всадник – это символ преодоления традиционных подходов к живописи и прорыва к духовности посредством искусства.
Композиция II
«Пестрая жизнь» (1907). С этой картиной он связывает свои поиски той картины, которую когда-то увидел в тифозном бреду, но тут же рассыпавшейся, как только он выздоровел. Попытка восстановить увиденное длилась несколько лет. Сначала появилась картина «Песня Волги» (1906), потом «Пестрая жизнь» (1907) и только через три года — та композиция, которую он искал – «Композиция II» (1910).
Эту историю Кандинский описал в своей автобиографической книге «Ступени» (1913). В первых двух картинах (Песня Волги и Пестрая жизнь) изображена толпа, стоящая перед древнерусским городом, высящимся на горе, третья самая точная – апокалиптическое видение, воплощенное в художественном мифе. Эта картина относится к так называемому пред-абстрактному периоду.
Синяя гора
«Синяя гора» (1908). Здесь четко видно влияние на цветовую гамму Василия Кандинского фовистов. Их картины он увидел, когда жил в Севре, небольшом городке, что около Парижа.
Здесь художник остановился, когда путешествовал по городам Европы вместе со своей ученицей и женой Г.Мюнтер.
В этой картине он почти полностью отходит от предметности, представив в центре ярко-синюю гору, обрамленную с обеих сторон деревьями: красным и желтым. На переднем плане – опять всадник, символ преодоления преград.
В это время «Апокалипсис» Иоанна Богослова стал его настольной книгой. Палитра и выразительные мазки дают надежду на положительный исход апокалиптической борьбы, а яркие цвета – отзвуки любви Кандинского к русскому фольклору и народному искусству. Здесь художник еще ближе подошел к чистой живописи. Формы стали почти схемами, уступив место ярким насыщенным цветам.
Композиция IV
«Композиция IV» или «Казаки» (1911). Как и большинство картин конца нулевых и начала десятых годов, эта картина изображает апокалиптическую войну, Прообразом послужили казаки, которых художник видел в Москве в 1905 году.
Слева на картине — два казаки, дерущихся на саблях. Внизу, в центре картины, тоже два казака, но только с копьями.
Вдалеке — город, стоящий на горе (Град Небесный), к которому ведет горбатый мост, пройдя через который можно попасть в царство Вечной Духовности.
Картина – символический образ апокалиптического сражения, заканчивающегося победой добра над злом, ведущей в царство Духа и Вечного мира. Казаки с саблями и копьями символизируют борьбу с силами тьмы, а плавные формы справа – олицетворяют спасенный и искупленный мир. Отсутствие конкретных фигур и предметов, позволяет художнику выразить апокалиптическое сражение в универсальных образах.
Для понимания своих беспредметных картин Василий Кандинский пишет самый значительный свой труд О духовном в искусстве (1912), где объявляет о наступлении эпохи Великого Духовного, в которой сольются в едином синтезе звук, цвет и слово. Многое из того, что появилось в этой картине, будет уточняться в следующих.
Москва. Красная площадь
В Москву Василий Кандинский приехал уже вполне сложившимся художником со своим стилем и своими идеями. «Русский период» в его творчестве — самый короткий: всего семь лет, но он отмечен несколькими шедеврами, к числу которых, безусловно, относятся картины Москвы.
Москва. (1916). Вынужденный переезд в Москву в 1914 году и расставание с Мюнтер сопровождались сильной депрессией. Художник перестал рисовать и писать.
Когда же через два года взял в руки кисть, то первое возникшее желание — написать портрет Москвы, любимого города.
Кандинский хочет собрать на одном холсте всё, все элементы: слабые и сильные, маленькие и большие, разных цветов и форм, смешать их все в едином калейдоскопе, создав Духовный образ Москвы.
«Солнце плавит всю Москву в один кусок, звучащий как туба, сильной рукой потрясающий всю душу. Нет, не это красное единство — лучший московский час.
Он только последний аккорд симфонии, развивающей в каждом тоне высшую жизнь, заставляющей звучать всю Москву подобно fortissimo огромного оркестра.
Розовые, лиловые, белые, синие, голубые, фисташковые, пламеннокрасные дома, церкви — всякая из них как отдельная песнь,
Москва II
— бешено зеленая трава, низко гудящие деревья, или на тысячу ладов поющий снег, или alegretto голых веток и сучьев, красное, жесткое, непоколебимое, молчаливое кольцо кремлевской стены, а над нею, все превышая собою, подобная торжественному крику забывшего весь мир алиллуйя, белая, длинная, стройно-серьезная черта Ивана Великого.
И на его длинной, в вечной тоске по небу напряженной, вытянутой шее — золотая глава купола, являющая собою, среди других золотых, серебряных, пестрых звезд обступающих ее куполов, Солнце Москвы» (В.Кандинский).
И все это кружится вокруг двух фигур, стоящих в национальных костюмах в центре Красной площади: дома, храмы, Кремль, колокольня Ивана Великого, маковки церквей, люди, улицы и сама площадь.
Здесь все слились в единый образ цвето-звуко-духа.
Такой же предстает и картина «Москва II», в которой цвета слиты еще больше, но в центре – те же две маленькие фигурки, вслушивающиеся в величественную симфонию Москвы.
Композиция VIII
«Композиция VIII» (1923). Написана картина в третий период, в Баухаузе. Здесь уже нет того хаоса и динамического вихря, какой присутствует в «Композиции VII» и в картинах Москва I и Москва II.
«Композиция VIII» — полная их противоположность. Здесь царствует геометрический, рациональный порядок.
Василий Кандинский уехал из Москвы обогащенный супрематизмом Малевича и конструктивизмом Татлина и Родченко.
Он объединил свой абстракционизм с их идеями, привнеся в картины четкую структурированность, уравновесив разные геометрические фигуры. В картине впервые появляются формы, которые станут основой всех его последующих работ: треугольник, линия и круг.
Несколько кругов
«Несколько кругов» (1926). Картина написана, когда художнику исполнилось ровно шестьдесят. Картина отражает завершение поисков идеального выражения духовности в искусстве. Это выражение он искал всю жизнь. Круг для Василия Кандинского явился идеальной формой синтеза и равновесия внутреннего и внешнего, разрешения их величайшего противостояние.
Круг – это прорыв в четвертое измерение, где царствует эмоциональная и духовная гармония. Разные размеры и цвета кругов, и их динамика, показывают, что круг – это универсальная форма, в которой можно описать всё: от звезды до капли росы. Круг – неотъемлемая часть любой жизни.
Композиция X
«Композиция X» (1939). Картина заканчивает серию с названием «Композиция». Она написана во Франции, за пять лет до смерти. Всё подходит к концу, в том числе и жизнь: художнику уже за семьдесят. В этот период в картинах мастера появляется множество биоформ в стиле сюрреализма. Картина написана на черном фоне, усиливающий воздействие ярких волнообразных форм на переднем плане.
Черное пространство напоминает также Космос и темноту, ожидающую человека после жизни. Картина является кульминацией поисков и исследований Василия Кандинского в области чистой формы и выражения духовности через искусство.
Тина Гай
coded by nessus
Источник: http://sotvori-sebia-sam.ru/vasilij-kandinskiy/
В это время на западе
|
Карло Кара. Красная конница. 1913. Частная коллекция, Милан
По традиции, историю авангардизма (так называют все течения, появившиеся в начале прошлого века) начинают с импрессионизма, в котором впервые стал заметен отход от реализма, от сюжетного начала в живописи. Следующий за ним постимпрессионизм развил эти тенденции в еще большей степени.
А символизм уже в полной мере продемонстрировал, что живопись может и не отражать действительность. В 90-х гг. XIX в., когда недовольство положением дел в искусстве достигло предела, на свет появился стиль модерн, воззвавший к полной культурной перестройке. Именно внутри него зародились новые идеи, которые впоследствии были взяты на вооружение мастерами авангарда.
Это и стремление к «перевоспитанию сознания», и универсальность художественного языка, и даже склонность к эпатажным акциям. «Черный квадрат» Малевича вполне вписывается в этот контекст. Но по-настоящему история искусства ХХ века началась примерно спустя пять лет после «официального» начала столетия.
В Париже были организованы крупные выставки Ван Гога, Сезанна, Гогена, впервые представившие широкой публике творчество этих мастеров в таком большом объеме.
Молодые художники были изумлены увиденным, что в некоторой степени послужило катализатором появления на свет совершенно нового стиля, отличавшегося буйством красок и эмоций, с легкой руки критика Луи Вокселя названного «фовизмом» (от франц. fauve – дикий). Фовизм объединил несколько художников, весьма относительно схожих между собой; это Р. Дюфи, А. Дерен, М. Вламинк, К.
ван Донген и самый яркий из них — Анри Матисс. Интересно отметить, что все эти совершенно разные мастера на рубеже веков вдруг начали писать в очень похожем стиле. И все они резко отрицали традиции XIX века. Вламинк в новаторском пылу даже призывал сжечь Школу изящных искусств. «Я уверен, что реалистический период живописи закончился. Собственно говоря, живопись только начинается», — говорил Дерен. Малевич наверняка подписался бы под этими словами.
В лучших фовистских работах мы видим предельное упрощение реальных образов, которые превращаются чуть ли не в плоскостные орнаменты, не теряя тем не менее своих основных признаков.
Для них характерны четкие волнистые контуры, клубящиеся мазки, напряженность и свободная деформация предмета, склонность к «примитивизации».
Цвета поражают своей светоносностью и яркостью и стремятся к абсолютному незамутненному тону.
Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с натурщицей. Ок. 1910. Кунстхалле, Гамбург
Фовизм выделяют в отдельное направление, но иногда относят к экспрессионизму, что, в общем, верно. ведь в широком смысле экспрессионизм является «вечным измом», появившимся чуть ли не во времена неолита и в том или ином виде проявившимся в различных произведениях искусства на протяжении веков.
Однако обычно, говоря об «экспрессионизме», подразумевают движение, существовавшее в 1900–1920 гг. на территории Германии. Оно складывалось в условиях формирования «пангерманских концепций», буйного расцвета техники и промышленности на фоне деградации культуры. «Никогда не было такого времени, потрясенного таким ужасом, таким смертельным страхом.
Никогда мир не был так мертвенно нем. Никогда человек не был так мал… Нужда вопит, человек зовет свою душу, время становится воплем нужды. Искусство присоединяет свой вопль в темноте, оно вопит о помощи, оно зовет дух. Это и есть экспрессионизм» (В.С. Турчин).
И хотя «Черный квадрат» нельзя причислить к достижениям экспрессионизма, определение «вопль в темноте» подходит ему в полной мере. У истоков нового направления стояли поклонники философов-идеалистов, историки культуры, мистики и психологи, отрицавшие технический и социальный прогресс, считавшие его основной причиной общего упадка.
Экспрессионизм проявился не только в живописи, но фактически во всех областях культуры — архитектуре, скульптуре, музыке, кинематографе, театре, философии.
Это, пожалуй, самое пестрое направление искусства, в котором сложно выделить какие бы то ни было стилистически общие черты, самое для него важное — духовная наполненность и выразительность, а главнейшей его темой является человек, страдающий, но не желающий потерять свою душу. Экспрессионистическое движение в Германии началось с деятельности группы «Мост» (Э.Л. Кирхнер, К.
Шмидт-Ротлуфф, Э. Нольде, М. Пехштейн), стилистически близкой фовизму. Это движение во многом черпало из тех же источников, но, в отличие от своего французского «коллеги», не было наполнено такой же радостью бытия.
Довольно ощутимый вклад в развитие экспрессионизма внесло общество «Синий всадник», к слову, состоящее наполовину из русских и организованное при непосредственном участии Василия Кандинского, художественного антагониста Малевича. И вот уже на этом этапе мы сталкиваемся с некоторой путаницей в определениях. Так, Кандинский, всемирно известный художник, прославившийся своими абстрактными картинами, предстает перед нами как чистый экспрессионист, хотя многие его «экспрессионистские» работы заметно тяготеют к абстракции. Однако то же утверждение будет верным, если мы поменяем понятия местами: Кандинского можно назвать абстракционистом, чьи работы тяготеют к экспрессионизму.
А в каком стиле написаны знаменитые «Авиньонские девицы» Пабло Пикассо – основополагающее авангардистское произведение ХХ века? Это еще не абстракция в чистом виде, но уже нечто очень близкое ей. Здесь есть что-то и от Сезанна, и от фовистов, но в целом изображение резко отличается от всего виденного до сих пор.
Морис Вламинк. Цирк. 1906. Частное собрание
Именно с появления «Авиньонских девиц» начались разговоры о новом стиле, который Пикассо не замедлил развить.
Вскоре он обзавелся единомышленником — Жоржем Браком (кстати, бывшим экспрессионистом), который начал работать в настолько близкой живописной манере, что иногда исследователям бывает довольно сложно определить авторство той или иной картины.
Из-за обилия граней и острых углов новый стиль, опять-таки с подачи уже упоминавшегося Луи Вокселя, был наречен кубизмом. Название прижилось. К 1910 г.
кубизм окреп настолько, что стал восприниматься как альтернатива фовизму, более того, к нему обратились и некоторые художники-фовисты, уставшие «постоянно жить в пароксизме» и стремящиеся теперь к созданию чего-то более систематичного и упорядоченного.
Существует мнение, что настоящий авангард начался именно с кубизма, так как именно он впервые полностью отказался от формы, создав тем самым новую реальность. Ранний кубизм называют аналитическим — для него характерны принципы декомпозиции, кристаллизации и распадения форм, которые тем не менее остаются прекрасно согласованными ритмически. За ним последовал так называемый «синтетический», или «коллажный», кубизм — чередование и наслоение на картинной плоскости всевозможных объектов, сознательно лишенных светотеневых моделировок, часто с использованием посторонних материалов — вырезок из газет, песка, опилок, угля, досок — своеобразные «натюрморты».
Кубистический контекст в «Черном квадрате» очевиден хотя бы потому, что квадрат есть проекция куба на плоскость.
Пабло Пикассо. Авиньонские девицы. 1906–1907 Музей современного искусства, Нью-Йорк
Италия меж тем тоже не осталась в стороне от «культурной революции» и внесла свой весомый вклад в создание новых «измов». В 1909 г. группа молодых художников во главе с Томмазо Маринетти, назвавших себя футуристами (от итал. futuro — будущее), выпустила ряд манифестов, воспевавших красоту машин и решительно отвергавших прошлое.
«Пусть течение уносит древние полотна! Хватайте кирки и лопаты! Крушите древние города!..» Если предыдущие течения, призывавшие «отречься от старого мира», все же были предельно индивидуализированы, то футуризм отличался особенной агрессивностью и политизированностью. Энергия действия, скорость, война, сильная личность — вот основные интересы итальянских бунтарей.
Футуризм заявил о себе главным образом в литературе (в частности, в манифестах) и художественных акциях. например, совершенно особый синтез искусств представлял собой футуристический театр, или «вечера встреч», часто с хулиганскими выходками, которые могли закончиться «встречей» с полицией. Однако в изобразительном искусстве он тоже оставил свой след.
Особенно интересовали художников-футуристов мотивы движения, в своих картинах и скульптурах они стремились изобразить временной процесс, передать скорость и непрерывность, достичь максимального динамизма. В стилистическом отношении футуризм много унаследовал от постимпрессионизма и кубизма — правда, без статичности последнего.
К числу изобретений футуризма относится «симультанизм» (одновременность) — новый прием умножения зрительных образов, в результате которого, например, у бегущей лошади оказывалось не четыре ноги, а множество.
Просуществовало это течение недолго, так как почти все его апологеты были убиты во время Первой мировой войны — по горькой иронии судьбы, из тех самых так часто воспеваемых ими орудий. Однако идеи футуризма распространились по миру и в измененном виде нашли отражение во французском, американском и конечно же русском искусстве.
Напомним в связи с этим, что выставка, где впервые был представлен «Черный квадрат», официально называлась именно «футуристической».
Жорж Брак. Натюрморт на столе. 1913. Частная коллекция, Париж
При всей своей эпатажности футуристы не могли бы соперничать с дадаистами, впервые заявившими о себе в 1916 г. Выбранное в качестве названия слово «дада» ничего конкретно не обозначает, но имеет в разных языках разные значения. Новое движение, как и футуризм, было богато на тексты и хулиганские выходки.
Его главный идеолог Тристан Тцара считал своей основной целью полную деморализацию общества, отрицание всех общечеловеческих ценностей (которые объявлялись буржуазными и пошлыми), он видел основной смысл дада в полной его бессмысленности.
В одном из манифестов прямо сказано: «…дадаизм рвет на части все понятия этики, культуры и внутренней жизни, являющейся лишь одеждой для слабых мышц…».
Именно дадаисты первыми стали выставлять отдельные экспонаты, до сих пор не претендовавшие на то, чтобы считаться «искусством», — велосипедное колесо, подставку для вешалок или писсуар (так называемые ready-made — «готовые предметы») и устраивать акции (которые в наше время назовут «хэппенингом») — например, с предложением публике заняться рубкой деревянного чурбана. Они пытались создать новую «беспредметную» поэзию, новую орфографию, придумывали абсурдные машинки, не имеющие смысла… Пожалуй, не будет преувеличением сказать, что дадаизм, хотя и застопоривший на какое-то время свое развитие, продолжает существовать и поныне.
Франсис Пикабиа. Любовный парад. 1917. Частное собрание
Итак, попытаемся подвести некоторые итоги.
Любое новое художественное направление этого времени стремится заявить о своем неприятии «традиционного» искусства, разрушить старые формы и предложить взамен нечто принципиально новое, еще невиданное — подобное стремление является объединяющим для всех многочисленных движений, даже таких различных по своей сути, как, допустим, экспрессионизм и дадаизм. В этом смысле «Черный квадрат» — плоть от плоти искусства начала ХХ века. Его рождение назревало, оно «было предопределено вектором развития европейского художественного мышления начала 1910-х годов, неуклонно двигавшегося к чистой абстракции. В это время многие художники Франции, Англии, Голландии, России находились на пороге беспредметности, некоторые уже перешагнули эту ступень; оставалось вывести отдельные эксперименты на уровень принципиального, обоснованного направления» (Т. Горячева).
И «Черному квадрату» было суждено стать как логическим завершением этих исканий, так и началом принципиально нового искусства.
Источник: https://art.1sept.ru/article.php?ID=200701803
Загрузка...
