Пикассо «наука и милосердие» описание картины, анализ, сочинение

Еще в 1897 году юный Пикассо пишет в академическом стиле картину «Наука и Милосердие», где представлена сцена с умирающей женщиной, по двум сторонам от которой находятся две фигуры: врача и ухаживающей за больной монахини. Первая олицетворяет науку, вторая – милосердие.

Сюжет Пикассо выбирал вместе с отцом, который позировал для фигуры врача, – так юный художник подчеркивает личностный момент, крайне для него важный.

Однако все решительно меняется, когда из условного присутствующего (через образ отца) художник напрямую сталкивается с тем, что связано с его судьбой напрямую.

До трагической развязки Пикассо рисовал и писал своего друга, не исключено, что даже имел с ним связь на интимной почве (известен случай, когда однажды Берта Вейль в компании Пера Маньяча зашла к Пикассо и застала их с Касахемасом под простыней).

В любом случае, Пикассо и Касахемас были очень близки как товарищи-друзья.

После трагической гибели Касахемаса Пикассо штудирует его образ, рисует и пишет его в гробу. Остались многочисленные изображения мертвого друга, в частности со свечей в изголовье.

Пикассо как будто хочет «содрать» с Касахемаса маску смерти, заглянуть под нее, узнать, что же такое скрыто за ней, этим заслоном, разделяющим «этот» и «тот» миры.

Пикассо словно с ван-гоговской неистовостью «скребет» натуру, «вгрызается» в нее, исследует, пытаясь прозреть истину, какой бы она ни была.

Многочисленные штудии мертвого Касахемаса (и других покойников) напоминают по упорству «вглядывания» в лик смерти этюды Теодора Жерико во время его работы над знаменитой картиной «Плот «Медузы»».

Но если художника-романтика интересовали страдания и правдивость их воплощения, некий веризм, экспрессия в передаче страданий и смерти, то Пикассо интересует метафизика смерти и перехода в «иное».

Он, условно говоря, «застревает» на самой «лаборатории смерти», изо всех сил стараясь проникнуть внутрь, что видно по многочисленным зарисовкам и эскизам мастера.

Молодой художник посещает Толедо, где после 1576 года поселился Эль Греко и где он похоронен.

В Толедо Пикассо внимательно рассматривает картину «Погребение графа Оргаса» Эль Греко, вспоминая о которой впоследствии напишет настоящий свой «Триумф смерти»: картину «Воспоминание» («Погребение Касахемаса»,1901).

Работа разделена на два регистра: «земную» и «небесную» части. «Земная» уподоблена оплакиванию и погребению. Мертвое тело, завернутое в саван и лежащее на земле, окружено фигурами скорбящих. Открытая гробница, куда должны положить умершего, представляет собой арку, символизирующую переход в новую жизнь, в новое состояние.

В «небесной» части картины Касахемас восседает на лошади среди многочисленных любовниц, готовясь рвануть ввысь, в царство вечной жизни.

Помимо известной композиции «Похороны Касахемаса», где представлен омифологизированный путь умершего на небо, есть и еще одна картина «Похороны» (1901, США, частное собрание) перекликающаяся с ней.

Автопортрет с палитрой. Осень 1906. Филадельфия, Художественный музей

Первое причастие. 1896. Барселона, Музей Пикассо

Наука и Милосердие. 1897. Барселона, Музей Пикассо

Маска. 1900

Автопортрет «Yo, Picasso», 1901. Частное собрание

Портрет Сабартеса (Кружка пива). 1901. Москва, ГМИИ им. A. C. Пушкина

Арлекин и его подружка (Странствующие гимнасты). Осень 1901. Москва, ГМИИ им. A. C. Пушкина

Любительница абсента. 1901. Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж

Любительница абсента. 1901. Оборот перевернутой картины. Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж

Касахемас в гробу. 1901. Париж, Музей Пикассо

Касахемас в гробу. 1901. Частное собрание

Воспоминание (Погребение Касахемаса). 1901. Париж, Городской музей современного искусства

Жизнь. 1903. Кливленд, Художественный музей

Женщина с ребенком на берегу моря. 1902. Частное собрание

Два брата. Лето 1906. Париж, Музей Пикассо

Смерть Арлекина. 1906. Частное собрание

Испанка с острова Майорка. 1905. Москва, ГМИИ им. A. C. Пушкина

Комедианты. 1905. Москва, ГМИИ им. A. C. Пушкина

Туалет. Лето 1906. Буффало, Художественная галерея Олбрайт-Нокс

Авиньонские девицы. 1907. Нью-Йорк, Музей современного искусства

Дриада. 1908. Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж

Эскиз к картине «Композиция с черепом». 1908. ГМИИ им. A. C. Пушкина

Композиция с черепом. 1908. Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж

Эскиз к картине «Три женщины». 1908. Москва, ГМИИ им. A. C. Пушкина

Три женщины. 1908. Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж

Эскизы к картине «Дружба». 1908. Москва, ГМИИ им. A. C. Пушкина

Источник: https://dom-knig.com/read_188681-15

Музей Пикассо в Барселоне: описание и история, как добраться и купить билет онлайн

• Знаменитый музей Пикассо в Барселоне – место, которое обязательно стоит посетить, если находитесь в каталонской столице.
• Здесь в хронологическом порядке представлены работы одного из самых талантливых художников в истории.
• Перед визитом стоит узнать, что представляет собой музейный комплекс, как туда попасть и где купить билеты без очереди.
• 

Немного истории

1. Один из самых крупных музеев Испании открыл двери перед посетителями в марте 1963 года.
2. Идея его создания принадлежала другу и соратнику живописца по имени Хайме Сабартес.
3. Сначала картины хранились только в одном здании — дворце Беренгера д’Агилара.

4. Но коллекция стала быстро пополняться новыми экспонатами.

Значительную часть работ музею подарили Сабартес и сам Пикассо.

Потом к ним присоединились многочисленные поклонники творчества Пабло, пожертвовавшие галерее скульптуры, полотна и другие произведения искусства.

Значительный вклад в пополнение сокровищницы внесла и вдова художника.

В настоящее время постоянное собрание насчитывает около 3 500 экспонатов.

Двор музея.

Где находится

Долго искать Дом Пикассо не придется. Адрес – Carrer Montcada, 15-23, официальный сайт.

Музей располагается в нескольких зданиях на улице Монткада в Готическом квартале, где в старые времена проживала знать, самые богатые и уважаемые жители города.

Описание музея

Посещение музея становится открытием для многих путешественников. Здесь узнаете, что Пабло Пикассо – не только испанский художник. Это известный скульптор, керамист, основоположник кубизма.

• За свою долгую (91 год) жизнь Пикассо создал больше 20 000 работ, которые хранятся в лучших мировых сокровищницах.
• Но первые произведения, которые прославили мастера, выполнены как раз в Барселоне.
• Несмотря на то, что живописец родился в Малаге, столица Каталонии ему особенно дорога.
• Сюда Пабло с родителями переехал в 14-летнем возрасте, здесь посещал студию искусств, где раскрылся его талант.

Экспонаты галереи.

Галерея Пикассо состоит из пяти средневековых особняков:

1. Palacio de Berenguer d’Aguilar, строительство которого относится к XIII веку. С этого здания началась история музея. В течение нескольких веков особняк несколько раз подвергался реконструкции, и сейчас в нем сочетается несколько архитектурных стилей.
2. Дворец барона Кастельет, выполненный в стиле классицизма и привлекающий внимание необычной гостиной. Здание перешло в собственность Барселоны только в XX веке.
3. Дворец Мекка. Никакого отношения к мусульманству особняк не имеет: назван в честь каталонской семьи, владевшей зданием в XVII веке. Частью музея сооружение стало в 1982 году.
4. Дворец Финестрес – оригинальное здание с ажурными балконами, арками и симпатичным внутренним двориком. В настоящее время особняк в распоряжении городского совета и используется для организации временных выставок.
5. Дом Маури. Фундамент строения сохранился со времен римского владычества. Название дом получил благодаря одноименной кондитерской, которая открылась в 1840 году и была очень популярна у жителей города. Сейчас это единственное здание в каталонской столице с деревянной оконной рамой на фасаде.

Коллекция галереи содержит самые значимые работы живописца, по которым проследите каждый период развития. Здесь как гениальные творения, так и неоднозначные, вызывающие множество споров.

Но равнодушным к этому художнику не остается, пожалуй, никто.

(Источник — Museu Picasso, Barcelona).

Коллекция музея

Экскурсия по галерее начинается с осмотра ранних произведений мастера. В музее они представлены в большом количестве, от детских зарисовок до работ, выполненных в период известности.

1. Организаторы хорошо потрудились над тем, чтобы посетителям было удобно отследить творческий путь гения.
2. Труды подразделяются на 15 категорий и расположены в хронологическом порядке.
3. Рассматривая полотна, увидите, как в течение жизни менялось мировоззрение Пикассо и стиль творчества.
4. Картин, которые относятся к позднему периоду жизни художника, здесь меньше, но и среди них уникальные вещи.

Жемчужиной считается цикл произведений «Менины. По Веласкесу.»

Вниманию гостей представлено 58 вариантов этого творения. В числе других шедевров – полотна «Арлекин», «Первое причастие», «Голуби», «Наука и милосердие».

В сокровищнице увидите и великолепную керамику, бережно сохраненную вдовой Пикассо.

Кроме того, музей регулярно устраивает выставки по обмену. Это временные экспозиции, в которых найдете картины мастеров со всего мира.

(Источник — Nicola Film Group).

Как добраться до музея Пикассо

До художественной галереи доберетесь одним из четырех способов:

1. На метро. Выходите на станции Jaume I (желтая линия L4). Второй вариант – езжайте до станции Arcde Triomf (красная линия L1), но идти придется подольше, около километра.
2. На экскурсионном автобусе до остановки «Готический квартал».
3. На рейсовом автобусе. До нужной достопримечательности курсируют автобусы № 120 (ст.Princesa), 51 и 39 (ст.Passeig Picasso), 19, 17, 40 и 45 (ст.Via Laietana).
4. Если путешествуете на автомобиле, ближайшие парковки ищите на улицах Via Laietana, Avinguda Camboи Carrer Princesa.

Вход в музей.

Часы работы музея

Picasso Museum Barcelona принимает гостей круглый год. Время работы со вторника по воскресенье — с 09-00 до 19-00.

По четвергам музей открыт с 09-00 до 21-30. Это расписание касается и праздничных дней.

Внутрь пропускают не позднее, чем за 30 минут до окончания работы.

Понедельник в галерее выходной день. Также закрыта для туристов 25 декабря, 1 января, 1 мая и 24 июня.                              

Коридоры музея.

Стоимость билета

Цена билета зависит от того, что из произведений искусства хотите посмотреть:

1. Осмотр постоянной экспозиции и временных выставок для взрослого стоит 12 евро.
2. Увидеть только временные коллекции обойдется в 6,5 евро.
3. Пенсионеры, безработные, студенты дневных отделений и молодежь от 18 до 25 лет заплатят соответственно 7 и 4,50 евро.
4. Детям до 18 лет платить за вход не нужно.

В определенные дни возможен бесплатный вход для всех посетителей:

• дни открытых дверей объявлены 24 сентября, 18 мая и 12 февраля;
• также бесплатно пройдете в первое воскресенье месяца с 09-00 до 19-00 и по четвергам с 18-00 до 21-30.      

Чтобы не стоять в очередях, лучше купить билет онлайн на сайте нашего официального партнера ⇒. Покупка на сайте – лучший способ избежать скопления народа и немного сэкономить.

Еще один совет: если хотите насладиться творчеством великого мастера в спокойной обстановке, приходите в музей пораньше.

(Источник — Natalia Kalugina).

Полезная информация

Если решили посетить единственный в своем роде музей, вот несколько полезных советов:

1. Проносить внутрь сумки, рюкзаки и другие вещи размером больше 30 x 30 см нельзя. Сдайте в камеру хранения на входе.
2. Фотографировать в галерее категорически запрещено, даже без вспышки.
3. Чтобы экскурсия была интереснее, возьмите русскоязычный аудиогид-путеводитель за 5 евро.
4. Перед галереей открыт небольшой магазин. Для посещения покупать билет в музей не нужно. Здесь, при желании, купите литературу, посвященную Пикассо (в том числе и на русском), открытки, закладки, магниты и прочие сувениры на память.

Произведения Пикассо.

Экскурсионные программы

Если хотите узнать как можно больше о жизни и творчестве Пикассо, выберите одну из экскурсионных программ. С индивидуальным гидом пройдетесь по культовым местам, связанным с именем живописца.

Это не только знаменитый музей, но и первая рабочая студия художника, ресторан, который он любил посещать, а также другие достопримечательности, известные не всем поклонникам искусства.

Еще один вариант для продвинутых туристов – совместить экскурсию в музей и прогулку на двухэтажном автобусе. Всего за один день Барселона подарит вам все лучшее, чем богат удивительный город.

Либо воспользуйтесь дисконтной картой «Articket Барселона». По ней, кроме музея Пикассо, вы посетите по разумной цене еще 5 самых известных музеев Барселоны:

(Источник — articket bcn).

Музей Пабло Пикассо – прекрасная возможность открыть для себя творчество и внутренний мир гениального живописца. Даже если будете в столице Каталонии пару дней, не пропустите это место.

Осматривая работы мастера, наверняка согласитесь с его высказыванием:

«Искусство смывает с души пыль повседневности».

Источник: https://pvmgid.ru/goroda-ispanii/barselona/muzej-pikasso-v-barselone.html

Почему «Герника» Пикассо — это гениальная картина

Как это сделано и почему это сработало?

На той неделе я рассказывала, как «Герника» приобрела репутацию мирового шедевра. А вот тут я разжевывала, к каким картинам слово «шедевр» корректно применять.

И я подчеркиваю — слова «шедевр» и «гениальное произведение» — это не синонимы. Куча гениальных картин остались неизвестными, и в списки шедевров не входят.

Большинство шедевров, впрочем, как раз гениальны или хотя бы талантливы.

Пабло Пикассо. «Герника». 1937. Музей королевы Софии, Мадрид Далее я попробую перечислить по пунктам, какими техническими приемами и использованными эмоциями оперировал Пикассо, и почему его работа получилась гениальной и заслужила славу шедевра.Впрочем, я сразу предупреждаю, что мое обьяснение поможет разобраться только тем, чья эрудиция открыта к восприятию «нового» и кто не испытывает при виде картин Пикассо и прочего авангарда острой аллергической реакции.

Если же вы сразу смотрите на подобные картины, называя их «мазня и говно» (за второе слово в моем блоге я баню), то мои обьяснения вы сочтете совершенно неправдоподобными и натянутыми. Так что лучше не тратьте время на чтение.

***Приступаем, прямо подряд, по списку «описания и анализа» Вельфлина.Каждая из использованных вещей сама по себе достаточно предсказуема, и ничего особенного в ней нет. Секрет гениального художника в том же, в чем мастерство шеф-повара: применить все в правильных дозах и пропорциях, и в правильной последовательности.

1) РАЗМЕР

Эпиграф (старый анекдот):

Пикассо садится в такси, таксист его узнал и говорит:— Зачем вы так непохоже пишете?— А похоже — это как?Таксист достает из бумажника фотографию жены:— Вот моя жена, здесь она на себя похожа.

— Что, она на самом деле такая маленькая и плоская?

Мы все — жертвы цифрового века. Об этом не стоит забывать. Мы воображаем себе произведения искусства по тому, как видим их на картинках в интернетике. Это значит — мы не ощущаем их в реальности, их настоящий вкус, цвет, фактуру.Самое главное, что «режет» монитор — это размер.

Яйца Фаберже на репродукциях потрясают своей тонкой работой, и когда видишь их в реальности и понимаешь, что они  не с куриное яичко, а со страусиное — как-то разочаровываешься слегка. Филигранная работа ювелиров сразу кажется не настолько филигранной, какой ты ее воображал.

Важнейшая часть магической силы «Герники» — это ее гигантский размер. Она подобна настенной языческой фреске, когда ты оказываешься у ее подножия, она наваливается на тебя со всей своей мощью, как будто это не живописное полотно, а нечто более важное.

музей королевы Софии

2) ФОРМАТ

Формат «Герники» — нетипичный для картин, в том числе и для новаторских картин авангардистов. Ее размеры —  3,5 × 7,76 метров. Получается такая длинная вытянутая колбаса.

Если картина выполнена в таком формате, то это работает отличающеся от стандартных картин: ты не охватываешь работу сразу оком (как «Мону Лизу», например). Формат панорамы втягивает тебя внутрь, ты начинаешь волей-неволей гулять по ней взором.

Распластанность «Герники» работает тем же образом: у тебя не получается сразу ее разглядеть целиком и отойти, ты утыкаешься взглядом в один кусок и твой взгляд, как прикованный, начинает ползти в одну или другую сторону. Глаз обессилен из-за этого, он не знает, где остановиться.

3) КОМПОЗИЦИЯ

У оптики есть свои законы. У человеческого глаза, визуального восприятия — есть свои законы.Из элементарного: человеку приятнее смотреть на круг, чем на ромб, на голубое, чем на коричневое.

Посложнее — штука, называемая «золотое сечение» (сложное соотношение пропорций, воспринимаемое мозгом как идеальное). Все великие храмы, например, ему следуют. Еще взгляду приятна симметрия, S-образная линия, диагональ из нижнего левого угла в верхний правый и т.п.

(Подробней читайте Рудольф Арнхейм. «Искусство и визуальное восприятие». 1974, скажем).

Пикассо все это прекрасно знал: его папа был учителем академического рисунка, и Пикассо с детства был выучен рисовать гипсы, как академист.Поэтому «Герника» только неподготовленному человеку кажется беспорядочной свалкой. На самом деле композия ее жестко структурирована со всеми законами гармонии (и со специальными ее нарушениями ради создания эффекта дисгармонии).

Вот несколько схем, показывающих нисходящие и восходящие диагонали, пропорциональное соотношение, симметрию, пирамидальную композицию и другие волшебные композиционные штуки, безошибочно действующие на мозг.

Вот смотрите, летящая голова в третьем секторе — она летит справа вниз. Это депрессивное для восприятия направление движения. Под нею человек в полуприседе, он тоже идет не вправо, а влево — шел бы вправо, воспринимался бы оптимистичнее. Куча таких композиционно-психологических мелочей тут.

4) ЦВЕТ

Первоначально Пикассо хотел сделать «Гернику» цветной, но потом он отказался от этой мысли и выбрал монохромный вариант.

Ron English – Kill Lies All Guernica, 2015-6

Отказ от цвета придает картине намного больше экспрессии. Мы разглядываем не подробности цветных чудовищ, а их лаконичность (в чб варианте). Также это дополняет воздействие размера, эта колористическая гамма гипнотизирует зрителя, не дает ему точки для отдыха.

О психологическом эффекте от монохрома, мне кажется, хорошо сформулировал друг nedocourious в х к прошлому обсуждению, переношу сюда:

«Сравнение «Герники» и «Последнего дня Помпеи» (далее — картина №1 и картина №2):

Вот есть картина №2, написанная по всем правилам академического реализма. На заднем плане багровое небо, справа — рушащийся античный храм, с портика которого симметрично падают статуи.

На переднем плане — группа людей разной, по той же самой академической традиции, степени одетости, замершие в нарочитых театральных позах, и с лицами, из всех сил изображающими театральное же страдание.

Годы создания картины — 1830-1833-й.

Есть картина №1, год создания — 1937-й. Технический прогресс к 1937-му году принес в широкие народные массы такие достижения, как репортажная фотография на пленке и звуковое кино.

С развитием последнего уже даже в театре за выражение эмоций, подобное тому, как они изображены на картине №2, стало принято закидывать актеров гнилыми помидорами.

То же самое относится и к изобразительному искусству: расставить / разложить в красивых позах миловидных натурщиц в макияже с тщательно уложенными прическами с целью передачи ужаса мирных жителей от бомбардировки их города в 1937-м году означало получить не от критики и публики не овации, а освистывание и закидывание гнилыми помидорами.

Когда глаза сами лезут из орбит, когда все вокруг вдруг выглядит иначе, и когда все мысли и чувства сведены к одному — убежать с воплем, а потом проснуться, и чтобы этого ничего не было. Логику в картине искать бессмысленно: страх старше логики на много миллионов лет, а картина №1 — это страх.

И, как очень верно упомянули здесь в х, картина работает вдвойне за счет монохрома. Глаза зрителя — глаза находящегося в городе в момент, когда начали взрываться бомбы, когда привычное окружение вмиг обратилось в чудовищ.

Но монохромное «репортажное фото из газеты» запечатлело то же самое, а значит, весь этот невыносимый ужас — не плод воспаленной фантазии, а происходит на самом деле. Война — это не танчики по монитору гонять и не попкорн в кинозале жевать.

Поэтому картина №2, конечно, признанный шедевр и безусловно хороша, но картина №1 на много порядков мощнее, точнее, эмоциональнее, да и вообще круче картины №2″.

***Дальше снова я продолжаю.

5) ЛИНИЯ (МИНИМАЛИЗМ)

Мы помним, что наш глаз вышеперечисленными приемами оказался прилипшим к «Гернике». Взгляд ползает по полотну, не в силах оторваться, не может отдохнуть.

Но все-таки глазу это необходимо, и он цепляется, останавливается на фигурах на картине.А они же страшные.Они пугающие.

Причем они специально сделаны страшными не так, как Босх делал, не так, как Ганс Руди Гигер.

(Я этот их вариант страшного искусства называю «кишочки»).

Они сделаны страшным минимумом средств, лаконичностью.Вот этот пункт самый болезненный для консерваторов, потому что они не считают подобное достижением, ценя лишь «реалистичность».

Ну да ладно, поэтому-то для понимания абстракций в живописи и необходимо развитое абстрактное мышление.

(Любопытно, что для понимания, чем именно красива иконопись, с этими ее плоскими лицами и зелеными шеями — тоже необходима перенастройка мозга).

Лаконичность и простота работают мощно.Именно поэтому великие актеры пантомимой, или даже одним жестом и просто молчанием (или внезапным красным платочком) способны впечатлить публику намного сильнее, чем молоденькая старлетка пламенным монологом, пусть даже пера самого Шекспира.

«Мыслитель». Статуэтка с Кикладских островов, Др. Греция (3-1 тыс. до н.э.)

И это именно то, что делает Пикассо. Он очищает свои фигуры от всяческого подобия реализма, обьема, перспективы. Он работает только с линией. Он пишет уродцев, потому что он изображает не предметы, а эмоции от них.

Пикассо пришпилил следующие эмоции:

• боль
• ярость
• страх
• ужас
• смерть

Он это делает, заостряя единственной линией, жирным контуром, практически до карикатуры, стандартные человеческие вещи, с помощью которых мы считываем чужие эмоции: жесты, позы, мимику.

Человеческому глазу приятней смотреть на круглое и извивистое?Значит, здесь я нарисую острое, колючее, резкое, угловатое!

Обратите внимание, скажем, на мимику: у всех персонажей здесь открыт рот.Наш глаз понимает, что герои картины КРИЧАТ.КРИЧАТ!!!Но мы же не слышим этого крика (потому что это картина, и до нее, слава богу, пока не добрался веселый аниматор 3D и не сделал из не шоу на ВДНХ),этот крик — беззвучен, и от этого нам становится страшнее и неприятней.

Это тоже известная старая штука — написать сильную эмоцию так, чтобы зритель с ней проассоциировался, и она его пробрала от этого сильнее.

Бронзино. «Венера и Амур» (деталь). Ок. 1545 Пикассо специально делает это линией.Не потому, что он умел только «мазню».А потому что так — по его мнению — гораздо круче.Заниматься реализмом Пикассо давно уже было невероятно лень.

Скукота.

«Наука и милосердие», 1897. Картина, написанная Пикассо (сыном преподавателя) в возрасте 16 лет.

Поэтому он и использовал эти открытия «безобразного» авангарда  в работе над своей картиной.

***Эти вышеперечисленные пункты дополняются конкретикой — темой гибели города (№6) и захватывающей ум загадочной символикой (№7) о которых я рассказывала подробно в прошлый раз.

Именно благодаря использованным совокупным приемам картина получилась такой сильной. То, что она вызывает у консервативных зрителей ненависть и провоцирует их на оскорбления — это ведь тоже свидетельство ее мощи.

Но, как я говорила выше, всего этого по отдельности для создания гениальной картины — недостаточно. Нужно правильное соединение, верное чутье.Некое «чуть-чуть», которое есть только у великих.

P.S. Сама я не люблю ни «Гернику», ни «Мону Лизу».Я просто знаю, как они сделаны и почему срабатывают.

Список других выпусков цикла «Шедевры от А до Я».

***

Подпишитесь на мой канал об искусстве на яндекс-дзене. Или лучше, чтобы ничего не пропускать, подписывайтесь на мой телеграм-канал, у меня всегда столь же весело и жизнерадостно. А еще у меняинстаграмм есть, про красивое искусство.

Источник: https://zen.yandex.com/media/shakko/pochemu-gernika-pikasso—eto-genialnaia-kartina-5d8b13b632335400aea6d356?from=feed&rid=764816470.456.1571500476149.68912&integration=site_desktop&place=layout

«Наука и милосердие»

Вскоре семья переехала с улицы Кристин на площадь Мерсед, которая находилась в том же районе. Дон Хосе, постоянно следивший за развитием таланта сына, подыскал для него студию неподалеку, на улице Плата. Впервые Пабло имел помещение, где он имел возможность целиком погрузиться в любимое дело, не опасаясь, что его могут потревожить.

Первая картина, которую он создал в этой студии, называлась, как утверждают, «Штыковая атака».

Если это так, то нет возможности установить, каким образом будущий автор серии крупных полотен «Мир» и «Война» разрабатывал эту тему еще в юношеском возрасте: картина эта не сохранилась, но существует много набросков батальных сцен, на которых выразительно показана ярость рукопашной схватки, с поверженными убитыми и ранеными.

Однако до наших дней дошла другая работа этого периода, первое значительное произведение, созданное в этой студии, которое находится в музее Пикассо в Барселоне. Эту работу иногда называют «Посещение больного», но она носит также другое название — «Наука и милосердие».

Поскольку в то время считалось, что тема картины должна превалировать над всеми другими ее элементами, дон Хосе сам тщательно выбрал этот сюжет, чтобы привлечь внимание к работе сына, и, неотступно следя за ходом ее создания, сам позировал доктора, сидящего у кровати больной.

Композиция завершается фигурой монахини, которая держит ребенка на одной руке, а другой подает чашку больной. Размеры картины значительны, а глубина ее темы и совершенное техническое исполнение поразительны для столь юного художника.

Однако она мало чем выделяется (помимо мастерства и сдержанной манеры исполнения) из добротных работ, создаваемых в то время художниками академического направления. Лишь одна деталь предвосхищает будущие работы Пикассо — безжизненная вытянутая рука умирающей женщины на фоне белой простыни. Она резко контрастирует с держащей ее рукой врача.

Картина упоминалась в числе лучших на национальной художественной выставке, организованной в Мадриде в 1897 году. Позднее в Малаге ей была присуждена золотая медаль.

Затем она перекочевала в гостиную дядюшки Пабло дона Сальвадора, где и оставалась в течение длительного времени, пока не очутилась в квартире сестры Пикассо Лолы де Вилато в Барселоне.

В 1970 году она была передана в дар музею Пикассо, где и стала одной из крупных хранящихся здесь работ художника.

Между пятнадцатью и шестнадцатью годами, все еще находясь под влиянием вкусов отца и отдавая дань академизму, который исповедовали друзья и коллеги отца в Малаге и Барселоне, Пабло создает еще несколько картин на четко выраженные реалистические темы.

Влияние этого окружения ощущается и в картине «Мальчик из хора». Ее иногда сравнивают с пышным полотном «Проделки служки», написанным Рафаэлем Мурильо Каррерасом, директором музея Малаги, который сменил на этой должности дона Хосе.

Однако при сравнении можно увидеть, что молодому Пикассо удалось избавиться от модной манеры исполнения и сентиментальности. В отличие от юного певца на полотне Каррераса, стоящий у алтаря мальчик у Пикассо лишен искусственности и тщательно выписанных деталей.

Он смотрит прямо в лицо зрителю, а не смиренно на алтарь, как у Каррераса. На нем простая накидка и короткая красная ряса, которая не скрывает его грубых черных башмаков. Пабло взял тему у Каррераса, но оставил в ней только самое необходимое.

Фигура мальчика помещена в центре полотна и напоминает «Эксполио» Эль Греко. Главный объект занимает, таким образом, доминирующее положение — черта, которая станет основой кубистских работ пятнадцать лет спустя.

Следующая глава

Источник: https://design.wikireading.ru/11318

Картина «Наука и милосердие» художника Пабло Пикассо!

Насколько богато и многообразно творчество испанского художника Пабло Пикассо, настолько тускло и безразлично критика реагировала на его работы в первое время.

Занятия живописью с юного возраста и неустанная работа за холстом вылепили из мальчика Пабло одного из самых грандиозных художников Испании XX века.

Несмотря на полувековую жизнь в эмиграции, Пикассо душой принадлежал своей солнечной стране, в которой любовная страсть соседствует с ощущением трагичности жизни.

Пикассо в молодости

Интересна история появления Пабло на свет – мальчик показался мёртвым повитухе, которая принимала роды у матери будущего гения.

Она положила ребёнка на стол и занялась роженицей, и лишь благодаря тому, что в комнате находился дядя, дымивший сигарой, маленький Пабло почувствовал дым и заплакал. Все облегчённо вздохнули.

Много раз слышавший эту историю от членов семьи, мальчик рос под впечатлением от своей близости к смерти.

Без преувеличения, Пикассо можно назвать вундеркиндом – его непомерные способности в живописи проявили себя уже в детстве.

Под влиянием отца, некогда бывшего директором музея Малаги и приверженца академизма, в 15-16 лет мальчик создаёт реалистические картины, которые манерой исполнения не отличаются от тех, что творили его современники, однако в которых уже тогда проглядывает гений будущего мастера авангарда.

Взрослея, Пикассо уходит от реализма в иную плоскость восприятия окружающего мира – кубизм, сюрреализм, но предвестниками грядущей всемирной славы были уже его самые первые шаги в живописи.

Одна из ранних картин, созданных молодым Пикассо, называется «Наука и милосердие» (Science and Charity, 1896). Сегодня она хранится в Музее Пикассо, что находится в Барселоне.

Картина была частью интерьера фамильных домов и, несомненно, высоко ценилась близким окружением Пабло.

Пабло Пикассо «Наука и милосердие» 1897 г

По манере исполнения работа близка с соцреализму – ведущему направлению в искусстве второй половины XIX века. Громкое шествие технической революции отразилось на темах в искусстве. Бурный всплеск интереса к наукам охватил Европу. В живописи появилась тема медицины – один из под жанров соцреализма, получивший расцвет между 1880 и 1900 годами.

Картина «Наука и милосердие» навсегда вошла в историю искусства, как пример необычайной даровитости юного художника. Картина, над которой работал пятнадцатилетний Пикассо, поражает точно подмеченными деталями и их глубокой проработкой.

Сюжетом для полотна послужила бытовая сценка – на постели лежит измождённая женщина, скорее всего при смерти. Доктор держит её за руку и считает пульс. У постели стоит монахиня с ребёнком в руке и протягивает лежачей больной питьё. Присутствие врача символизирует прогресс в медицине, образ монахини являет собой утешение.

Пабло Пикассо «Наука и милосердие» 1897 г

Положение рук доктора и умирающей привлекает особое внимание. Бледная иссушенная рука больной безжизненно свесилась с кровати, и как бы в параллель доктор положил на неё свою, сильную и твёрдую руку.

Контраст чёрных и белых одежд усиливает это противопоставление.

Именно эту часть тела – руки – позднее Пикассо будет по-разному обыгрывать в работах «голубого периода», потом «розового периода» своего творчества…

Голубой период. Картина испанского художника Пабло Пикассо «Мать и дитя» 1902 г. Холст, масло.
Розовый период. Картина испанского художника Пабло Пикассо «Мальчик с трубкой» 1905 г. Холст, масло.

Превосходная интеллектуальная и творческая форма Пикассо в молодые годы и в зрелости не оставляет сомнений. Идеи, содержащиеся в его ранних работах, художник развивал в своем творчестве на протяжении всей жизни.

Пабло Пикассо «Автопортрет с палитрой» 1906 г. Холст, масло.

Источник: https://filmtoptop.ru/kartina-nauka-i-miloserdie-hudozhnika-pablo-pikasso

Связь медицины с творчеством Пабло Пикассо

Связь медицины с творчеством Пикассо наиболее полно раскрывается в картине «Наука и милосердие», написанной в 1895 г. На первый взгляд, она создана в манере, в которой нет ничего от «традиционного» Пикассо.

Скорее, это полотно ближе к произведениям старых мастеров: для него характерна полная реалистичность в воспроизведении деталей; соотношение света и тени дано таким образом, что обстановка воспринимается как совершенно реальная.

Интересно, что моделью для фигуры врача на картине послужил Хосе Руис Бласко — отец художника, личность которого оказала значительное влияние на формирование будущего мастера.

По фигуре больной, помещенной в центр композиции, видна серьезность заболевания. Она истощена, на лице ее написано страдание, глаза прикрыты, губы запавшие, уголки их опущены. Определяются параорбитальные отеки и цианоз, цианотичны и губы. Лицо землистого цвета, с оттенком «кофе с молоком».

Длинные, тонкие руки безвольны; левая рука лежит на области сердца. У больной жажда (сестра протягивает ей питье), слабость и, по-видимому, лихорадка: ставни закрыты. Больная лежит на высокой подушке. Обстановка в комнате весьма скромная. Художник изобразил лишь шкаф в левой части картины и образ святого над кроватью.

Кроме того, обращают на себя внимание потеки сырости возле окна.

Представляется интересным рассмотреть, основываясь на анализе эскизов к картине, как менялась трактовка изображаемой ситуации самим художником. На одном из ранних эскизов еще нет ребенка, а вместо монахини изображена обычная сиделка. Доктор сидит у постели, не щупая пульс, а лишь расспрашивая пациентку.

Над постелью вместо образа святого висят картина и сабля, вместо окна изображена дверь. Затем художник усложняет композицию и положение больной: сиделка становится монахиней, протягивающей больной питье, на руках у нее появляется младенец, практически новорожденный. Глядя на этот эскиз, можно думать, что пациентка страдает послеродовым сепсисом.

На следующем эскизе ребенок взрослеет и тянет доктора за рукав. Затем Пикассо отказывается от этого композиционного решения, и ребенок, возраст которого составляет не меньше года, вновь попадает на руки к монахине.

По-видимому, это решение художника призвано подчеркнуть серьезность положения пациентки, высока вероятность, что ребенок останется сиротой и будет отдан на воспитание в монастырь.

Чем же больна пациентка? Вряд ли ее болезнь контагиозна — ведь ни доктор, ни монахиня не принимают никаких мер предосторожности. Заболевание, по-видимому, длительное, поскольку больная истощена. У нее наблюдаются лихорадка, жажда и слабость.

Лицо у нее землистого цвета, глаза закрыты, губы запавшие — признаки, весьма характерные для септического процесса.

Таким образом, есть основания подозревать инфекционный эндокардит, вероятно, подострый, ибо имеются указания на длительное течение процесса (больная истощена).

Итак, исходя из перечисленного выше, положение больной весьма серьезно, поэтому так задумчив и мрачен пожилой врач. Ведь антибиотиков, эффективных в лечении септических процессов, в те времена не существовало. В связи с этим шанс, что ребенок может перейти на полное попечение монахини, весьма велик.

Однако так ли уж безнадежно положение пациентки? Нет, картина лишена безысходности, характерной для «голубого» периода Пикассо. Ведь недаром она не носит название «На смертном одре» или «Визит к больной». Художник назвал ее «Наука и милосердие», по-видимому, не случайно. Наука и милосердие, искусство врачевания, воплощенные в образе врача и монахини, встали на защиту больной.

Заключение. Пикассо принадлежит изречение: «Вы меня спрашиваете, что такое Искусство? Если бы я даже и знал это, то приберег бы это знание для себя».

Столь же непознанной остается и сущность Медицины, однако несомненно, что Наука и Милосердие являются главными и непременными ее составляющими. Поэтому картина юного Пикассо, написанная во времена, когда врачевали знаменитые У. Ослер и М.П.

Кончаловский, пронизана надеждой, что Наука и Милосердие способны победить болезнь и смерть.

Источник: https://medconfer.com/node/1417

Читать

Анри Жидель. Пикассо

Катерине и Женевьеве Лапорт за ценную помощь

ПРЕДИСЛОВИЕ

Сейчас, когда XX столетие завершилось и подводятся его итоги, ясно вырисовывается, сколь серьезное воздействие на искусство, на художественную культуру, на весь духовный климат уходящей эпохи оказал Пабло Пикассо.

Вряд ли можно отыскать мастера, вклад которого в становление и развитие искусства Новейшего времени столь же весом и непреходящ. Мало кто из живописцев начала XX века так решительно отказывался следовать заветам предшественников, смело искал, находил и утверждал в своем творчестве новые качества.

Трудно найти другого мастера, способного на головокружительные метаморфозы не только в молодые годы, но и на протяжении всей своей долгой жизни.

Кому удалось столь же полно запечатлеть противоречивый и неспокойный дух XX столетия, колоссальные сдвиги в истории и в человеческом сознании? Много ли найдется художников, так устремленных в своем искусстве в будущее, как Пикассо?

Это полотно, знаменующее переход от «розового» периода к эстетике кубизма, не сразу было понято и оценено современниками, и лишь с годами стало ясно, что в нем выражена та концепция отношения искусства к реальности, которая сделается ключевой для пластических поисков мастеров европейского авангарда.

Прошло уже более тридцати лет со дня смерти Пикассо. Его творения предстают ныне неотъемлемой частью мирового культурного наследия. В Малаге, где родился художник, а также в Барселоне, Париже, Антибе, где он жил и работал, существуют солидные музеи Пикассо, куда ежедневно Устремляются тысячи туристов.

Но и для ценителей-специалистов, и для широкой публики Пикассо не стал музейным мэтром, которому можно лишь благоговейно внимать. Его образы продолжают будоражить, задевают за живое, заставляют спорить. Перед произведениями Пикассо зрители редко остаются равнодушными.

В широком спектре откликов можно найти все — от безоговорочного восхищения и преклонения до искреннего недоумения и возмущения.

Литература, посвященная искусству великого испанца, поистине безбрежна. О нем написаны тысячи статей и сотни книг на всех языках мира.

О нем высказывались искусствоведы, философы, религиозные мыслители, поэты, журналисты, художники, фотографы, наконец, его близкие и родственники.

Желание понять Пикассо, расшифровать его искусство заставляет пристально вглядываться в его произведения, в перипетии его жизни.

Автор целого ряда работ по театру и культуре Франции — «Драматургия Фейдо» (1978), «Театр Фейдо» (1979), «Водевиль» (1986), «Весь театр Фейдо» (1988–1989, в четырех томах), «Театр Лабиша» (1991–1992, в трех томах), «Фейдо» (1991), «Кокто» (1997), «Два Гитри» (1998), «Коко Шанель» (2000) [1], «Сара Бернар» (2006) — в этой книге впервые обращается к творчеству мастера, работавшего в сфере пластических искусств. А. Жидель ставит своей целью написание биографии Пикассо и сознательно противопоставляет себя искусствоведам, которые обычно сосредоточиваются на анализе произведений и их пластических особенностей, на описании стилистической эволюции мастера.

В Пикассо Жиделя в первую очередь интересует человек, личность со всеми присущими ей достоинствами и недостатками, сильными и слабыми сторонами, которые раскрываются не столько в его искусстве, сколько в его жизни.

Быт Пикассо, его многочисленные любовные и дружеские связи, сложные, нередко скандальные, взаимоотношения с близкими и родными; особенности его темперамента — вот то, что стремится понять и донести до читателя Жидель. С особым тщанием описываются взаимоотношения художника с его подругами и женами.

Биограф старательно выискивает факты, проливающие свет на интимную жизнь Пикассо, а там, где фактов не хватает, смело домысливает скрытые причины тех или иных поступков художника, руководствуясь нехитрой логикой, предложенной в свое время Зигмундом Фрейдом.

Столь же решительно и просто автор представляет порой общественную и политическую позицию Пикассо, приписывая ему мотивы, которыми художник якобы руководствовался в своих отношениях с политическими или общественными деятелями, например с французскими коммунистами. Здесь биограф нередко тенденциозен и неубедителен.

Возникает принципиальный вопрос: насколько верной может быть биография художника, если его основное жизненное дело — творчество — предстает скорее фоном, дополнением к его жизненным коллизиям? Не стоит ли прислушаться к самому Пикассо, как-то сказавшему: «Живопись сильнее меня.

Мне приходится делать то, что она хочет» [2]. Вспомним также лаконичную, чеканную формулировку младшего современника и почитателя Пикассо Владимира Маяковского «Я — поэт. Этим и интересен». Разумеется, и Маяковский, и Пикассо интересны нам и другим.

Но на чем же стоит делать акцент?

Впрочем, никто не мешает вдумчивому читателю яркой и увлекательной биографии Пикассо, созданной Анри Жиделем, мысленно обращаться к картинам, рисункам, скульптурам Пикассо. Чтобы облегчить эту задачу, напомним некоторые вехи и особенности творческого пути великого мастера.

Пикассо принадлежал к числу художников, приобщившихся к занятиям искусством еще в детстве. Внешние условия благоприятствовали тому, чтобы его рано обнаружившееся желание запечатлевать на бумаге видимое и воображаемое могло реализоваться.

Отец Пабло дон Хосе Руис Бласко преподавал рисунок и живопись, он не только поощрял стремление мальчика рисовать и писать красками, но и стал его первым наставником.

Несомненная одаренность и огромная работоспособность будущего мастера вкупе с этими обстоятельствами объясняют его чрезвычайно быстрое и раннее художественное развитие.

Уже самые первые работы Пикассо не похожи на привычные образцы детского творчества. Художник вспоминал: «Любопытно, что я никогда не делал детских рисунков. Даже когда был совсем маленьким. Я помню один из своих первых рисунков. Мне было тогда лет шесть или еще меньше. У нас в коридоре стояла статуя Геркулеса с палицей.

Я расположился в коридоре и нарисовал Геркулеса, но это не было детским рисунком, а было настоящим рисунком, изображавшим Геркулеса с его палицей» [3]. Подобная работа сохранилась, правда, ее автору было уже восемь или девять лет. Полотна десяти-двенадцатилетнего Пабло показывают необычное для такого возраста умение верно изображать видимый мир.

А картины четырнадцатилетнего мальчика по праву считаются вполне профессиональными произведениями.

В своих самостоятельных работах, выполненных в Барселоне, — таких, как «Церковный служка», «Первое причастие» (1896) и особенно в большом полотне «Наука и Милосердие» (1897) — художник наиболее близок к академическому направлению.

Недаром последняя из названных картин получила высокую оценку в академических кругах, о чем свидетельствует присуждение ей почетного диплома Национальной художественной выставки в Мадриде в 1897 году, а затем и золотой медали на выставке в Малаге.

Раннее и успешное овладение Пикассо уроками академического мастерства и его тяга к самостоятельности привели к тому, что, поступив осенью 1897 года в Королевскую академию Сан-Фернандо в Мадриде, юный живописец вскоре понял, что ему там нечего делать.

В смысле ремесленных навыков академическое образование уже не давало ему чего-то существенного, что же до творческих установок академического направления, то они начинают все больше расходиться с его устремлениями.

Эти обстоятельства и послужили основной причиной того, что спустя несколько месяцев Пикассо покидает стены академии.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=156136&p=101